聚焦克莱本｜专访比赛评委两则

访谈者/卜 劼

编 译/王 瑞

校 译/孙 栋

专访之一——访评委霍夫

斯蒂芬·霍夫（Stephen Hough），中殿律师学院（Middle Temple）的名誉议员、皇家爱乐学会（Royal Philharmonic Society）名誉成员、皇家音乐学院（RAM）的客座教授、皇家北方音乐学院（RNCM）钢琴系国际部主任，现任教于茱莉亚音乐学院。担任“第十六届范·克莱本国际钢琴比赛”评委，同时受邀为该比赛创作一部新作品。

霍夫先生被《经济学人》杂志评为在世的二十位博学者之一，他将杰出的钢琴家事业与作曲家、作家乃至画家身份相结合，是首位获得“麦克阿瑟奖”（MacArthur Fellowship）的古典音乐演奏家，并于2014年被授予“大英帝国司令勋章”（CBE），是BBC爱乐乐团2021至2022年的常驻艺术家，同时与皇家音乐厅管弦乐团（Royal Concertgebouw）、Tonkunstler 交响乐团和达拉斯交响乐团（Dallas Symphony）合作，并在伦敦皇家阿尔伯特音乐厅、爱沙尼亚国家音乐厅、北美和亚洲巡演。

霍夫录制的六十张CD唱片获得了众多国际唱片比赛的殊荣，包括“法国金音叉奖”、多次“格莱美奖”提名、八项“留声机杂志大奖”等。

作为一名作曲家，霍夫先生曾受威格莫尔音乐厅（Wigmore Hall）、卢浮宫、伦敦国家美术馆、威斯敏斯特修道院（Westminster Abbey）、威斯敏斯特大教堂（Westminster Cathedral）、瑙姆堡基金会（Walter W.Naumburg Foundation）、巴斯克交响乐团（Orquesta Sinfónica de Euskadi）和柏林爱乐乐团木管五重奏的委约创作。他的音乐由Josef Weinberger 有限公司出版。

Q：您来过中国很多次了吧？

A：我很喜欢中国，这是个有魅力的国度。这些年来我只去过三个城市——西安、北京、上海，但是接下来我还要去广州，当然还会有北京和上海。

Q：您是何时开始学习音乐的呢？

A：我小时候家里没有音乐氛围，更没有什么古典音乐唱片之类的。父母不懂音乐，但是我的一个阿姨有一架钢琴，大概四五岁的时候去她那里，开始我的第一次“弹奏”。不过我不是按照五线谱弹的，而是随意地弹一些和弦，当时就很爱钢琴的声音，于是告诉父母“我要学钢琴”。可是他们说“不，因为你过一段时间就会腻了，然后我们家里就多了一架没用的钢琴”。不过，他们还是买了一台很小的玩具钢琴安抚我。但是，我还是一直坚持要钢琴，直到他们从一家旧货店里买了一架钢琴，母亲翻开电话本，就是那种黄色的本子，上面分门别类地写着管道工、电工，还有各种各样可能会用得到的联系人，其中就有钢琴老师。母亲找了一位当时离我们比较近的老师，我开始学钢琴了。

Q：当时是住在英国吗？

A：是的，在英国西北部。

Q：您是上的音乐学校还是普通学校？

A：一开始上的普通学校，第一个老师没有教我多长时间。说来话长，我已经写了一本自传，预计明年2月出版，书里关于这一切都说得很详细。接下来，我有了一位更好的钢琴老师，我还赢了一个比赛，这一切都发生在我开始学琴的第一年；然后，我进了一所音乐学校，后面的事情你也就都知道了。

Q：我特别好奇您是怎么做到在完全没有音乐氛围的家庭环境中学音乐，并且有如此之高的成就的？在您的成长经历中是否有过某个转折点，或者谁对您的影响特别大，让您这么优秀？

A：我的父母发现我是真的对钢琴很有兴趣，他们大为高兴，给我买了很多唱片，还送我去上钢琴课，他们真的很棒。而且，我很幸运遇到了两位钢琴老师，第一位是希瑟·斯莱德-利普金（Heather Slade-Lipkin），她十分负责；之后，我跟随她的老师戈登·格林（Gordon Green）继续学习，戈登·格林也教过西蒙·拉特尔（Simon Rattle）、约翰·奥格登（John Ogdon）这样有名的英国音乐家。这两位老师对我早期的影响真的非常大。

Q：您能就今年的比赛谈谈大致的看法吗？

A：我们听到了很多年轻钢琴家的声音，这期间有着太多精彩绝伦的表演。我认为，非常重要的是倾听别人的处理，不总是去比较我会怎么弹，或者我更喜欢什么样的处理。去欣赏不同的诠释，音乐中有太多可能，这就是音乐的魅力所在，没有绝对的是非对错。因为这是一件很主观的事情，越多变，也就越精彩。

赛场上我们听到了各种风格的表演。很多亚洲选手的声音着实惊艳到我了，亚洲能有如此多的参赛选手，这真的令人非常高兴。我在茱莉亚音乐学院教书，也教了很多亚洲学生，我很爱学生们，他们让我很感动。我喜欢这种关系，用人性化的方式去享受，也用心感受。古典音乐没有统一的言辞，我们可以在音乐里分享一切。不同的文化背景、有着不同的历史和信仰，当我们演奏音乐时，所有这些都不那么重要了。我们可以成为朋友，可以分享音乐带来的巨大情感联系。的确，音乐是每个人都能共享的一种非常普遍的语言。

Q：您说得很对，这些年来越来越多的亚洲人开始接触古典音乐。他们对音乐很感兴趣，也很努力地去实现这个梦想，您是否注意到亚洲学生的特点，与其他地区的学生有什么不一样？

A：我认为他们都是独立的个体。我想你也听到了比赛中各自的声音，每个人的演奏都不相同，这也正是我们所想看到的。我想说，最有帮助的一件事，莫过于父母在孩子幼年时的鼓励，这的确是很重要的。你想想，当你18岁的时候再说“我想要学钢琴”，那太晚了，是吧？当然，只是想要学习的话，永远都不会太晚。我会永远鼓励他们去学习，不管他们几岁了，但是如果想要将它作为一种职业，并且想要取得一定成就的话就太晚了。这就像是体育，你不可能说二十出头的时候再去学打网球，还志在大型比赛中夺冠。所以我认为父母的鼓励和孩子学习的早晚很重要。

Q：那么您觉得是否有好一点儿的方式去学习呢？您知道的，有很多中国学生都对音乐抱有兴趣，他们怎么知道应该跟谁学习呢？现在中国有着这样一个趋势——即使是那些最优秀的学生，他们上了一所很好的音乐学院，但是附中毕业后，却不愿意继续留在中国读音乐学院，而选择留学。当然他们中有的取得了不错的成果，有的却不尽人意。我的问题是，您认为一个学生有了一位好老师时，是应该一直跟着他学习，还是寻求来自不同角度的指导？

A：我认为无论是在英国还是中国，第一个老师都是最重要的，因为基础真的非常重要，想要学得好，基础要打牢，这对学琴最初的十年来说尤为重要。现在说音乐学院的层面，就拿茱莉亚音乐学院和柯蒂斯音乐学院来说吧，当然还有其他这样的音乐学院，学院的学习是很重要的。但是这里也不是创新的地方，创新是所有训练的最后一步，就是把你所学的最好一面展现出来。作为一名老师，就是在适当的时候抽离。我不想把我的演奏风格强加在他们身上。学生来找我，我鼓励他们弹出自己的想法，适当地鼓励的确会鼓舞人心，会让他们继续进步；但也许有时他们正在做一些需要你告诫的事情，经常发生的一件事就是他们喜欢用踏板发出噪音。这种噪音，在音乐厅里会被观众听见，录唱片时，如果不注意，也会在录音中听到这样的噪音。在你上台演出之前，有足够的时间去做其他事情，但也不要花太久时间，因为音乐会就像剧院，从你走上舞台的那一刻起，你就在表演，你坐在钢琴前，这不仅仅是听觉的音乐会，还是视觉的，你应该把观众都吸引到你的世界当中去。这些都是学生有时不太会注意的事情，或者他们在演奏时做了太多动作，诸如此类的事情都会分散观众的注意力。

同时，也鼓励学生们应对风格有更深的理解。在贝多芬和莫扎特的作品中如何表达，这有多重要就不言而喻了，或者是在拉赫玛尼诺夫的作品中，学习如何保持双手之间的自由度而不是同时演奏，这是20世纪早期拉赫玛尼诺夫那个时代的演奏风格。但我想说的是，在这些年里，我听到的年轻演奏家中，你可以很容易分辨出谁从一开始就得到了很好的训练，很明显这些人可以自如地表达自己的想法，这才是训练真正的意义。我们不希望发生的是，一个人到了二十一二岁，有了关于音乐新的激情和想法，但是却不知道该如何通过正确的演奏方式表达出来，这才是我们想要避免的。

Q：我明白了，在比赛中我们看到两个阵营，一组是年龄稍大的，受过更多训练，更有素养，更有经验；另一组的选手都非常年轻，但很自然地展示了自己的才华。作为评委，如何看待这两种选手？

A：这是一个非常有趣的问题，你知道比赛总监雅克·马奎斯（Jacques Marquis）在比赛开始前说“我们不是在寻找有潜力的人，我们正在寻找一个准备好走出去开始完整职业生涯的人”。我们不会因为这个人说不定四年后会很厉害，就给他一等奖，这不是比赛的初衷，克莱本比赛的获奖者是那些准备好在两年内登上世界舞台，并且可以每年举办90至100场音乐会的人。换言之，就是在寻找这个时代真正的大师，但这并不是一个年龄问题。因为有些人在十八九岁，或者二十岁时就是完全成熟的艺术家了。当然现在我们都在发展，你看我六十岁了，但我希望在职业生涯中还能继续发展，没有人会停止学习和发展。但是我认为不要歧视年龄这非常重要，因为音乐的目的并非如此。这是一种感觉，有人想要表达给我什么，当他们走上舞台，坐在钢琴前，就会有一些别人没有诠释过的内容。我们想要一个自信的人，对我来说，重要的是做到自信而不自负，这是一个非常困难的平衡。我想听作曲家的想法，但我发现要想听作曲家的想法，仅仅演奏音符是不够的，你需要完全投入音乐中。你知道，我们在这里听到很多人只是弹得很好听。

Q：让我们聊聊关于比赛的问题吧。比赛分为四轮，每一轮都有人会被淘汰，有人会晋级，所以在您看来，谁更有优势？第一轮、第二轮中您的评判标准是什么？每一轮中如何评估这些选手？对第三轮和第四轮的期望是什么？

A：我在寻找一个想再次听他弹琴的人，想听他演奏其他曲目的人。

Q：您说想再听一次，是因为他们的演奏很有趣？还是他们有潜力，所以没听够？或者这两方面的原因都有？

A：你知道，世界上有很多钢琴家，不缺钢琴家。但是缺音乐会，不是所有的钢琴家都能有自己的事业。我的意思是，现在30位参赛选手，但世界上真的没有30个年轻音乐家的就业空间了。因为有很多其他的比赛，有很多人已经在演奏了，所以我们不得不缩小范围。我会问自己，有谁值得我买票去听他的音乐会，又有谁的作品值得我下载到手机里听上很多遍？是哪位钢琴家或是哪场演出值得我再听一遍？在过去的几周里，我听到了一些我认为非常精彩的表演，但我想再次听到某人弹奏的某个作品，对我来说，这很少见，因为我听过很多钢琴曲，但我听得进去的不多，我宁愿在不练习或演奏的时候读一本书。所以，我希望在比赛中能找到一个我十分欣赏、愿意再一次听到他演奏的艺术家。

Q：因为您是一位出色的钢琴家，同时也是一位作曲家，已经出版了奏鸣曲等作品。我发现这一代人更会有自己的看法，用自己的方式演奏，他们不再像以前的钢琴家那样身兼作曲家的角色，在您看来，钢琴家会作曲这件事是否重要？

A：我并不认为每个人都应该会作曲，并公演。但作曲是20世纪四五十年代每个钢琴家会都拥有的技能，没有例外，就像每个人都会写作，如果你会读，你就可以写，所以如果你会弹钢琴，你就可以创作音乐。现在它已经不是一项必备技能了，但我认为这是一种很重要的技能。会作曲，可以更好地理解作曲家，你会思考设计在何处渐强、思考如何创作旋律，然后当你看到贝多芬的处理，你可能就明白了他的想法，这是一种不同的思考方式。时至今日，的确有很多伟大的钢琴家并不作曲。这并不是本质需要，但我认为作曲是一件好事，我希望看到年轻人，即使只是做改编。当然，我们有一些人演奏阿戈斯蒂改编的斯特拉文斯基的《火鸟》。我会对学生说“你们为什么不改编一个自己版本的《火鸟》？”这首曲子是斯特拉文斯基为管弦乐创作的，我不认为阿戈斯蒂改编得有多伟大，如果开诚布公地评价，我觉得这曲子还可以更好，有些地方是很不错，但是，你为什么不试试改编一下？这才是真正的起点，我认为你只是改编一个小旋律，或者一首民歌，把它改编好，在你的独奏会上用作返场曲，任何人都可以这样做。所以钢琴家应该会作曲，我是这样认为的。

Q：让我们谈谈您创作的这首比赛委约作品，您被委托为克莱本比赛写首新作品，请谈谈您的创作过程和思路？

A：是的，三年前我在哥伦比亚的波哥达，收到我的经纪人转来的邮件。我总是拒绝做比赛评委，我不喜欢评审，多年来，拒绝了像利兹等其他类似比赛的评委邀约，上一届的克莱本比赛我也拒绝了，我只是不想做评委，但是后来他们问我是否愿意为这届比赛创作一首必弹作品？我觉得这很有趣，就答应了，在答应委约的同一天就开始创作了。这套作品叫《帕蒂塔》，有五个乐章，是动人的段落，最后一段是托卡塔，在托卡塔的最后一个小节，有一小部分华彩，虽然它们不是停在同一个音上，我还是这样写了。主题我则采用了一个伤感的旋律，先是六度下行，然后你就会听到一串琶音，我用了一种新的方式来表现它，当你第一次听到它的时候，你会听到复拍子，非常有节奏，最后是轻快激昂的段落，中间是甜蜜而忧伤的。这首曲子我很快就写出来了一个大概，但是花了好几个月的时间来完善它，这也是我通常创作曲子的步骤。如果我有一个想法，我可能会在纸上写上很多很多页，然后再对这些东西进行编辑，很有可能到最后我最初写的东西都剩不下来。但就是这么一个过程，就好像是写论文、写文章那样，当你写了几页，再用更新替换了几页，最后把这所有的东西整合在一起，你又会想去掉一些东西再加一些新的进来。

Q：那么针对那些想要演奏这个作品的人来说，有哪些重要的建议或者需要注意的部分可以分享给他们？

A：老实说，我之前很少听到过这样的问题，我喜欢听人们演奏，他们在这首曲子中有一些特别的演绎，和我想象的完全不同，这使得我很高兴。但是如果有学生问我，我会说一开始的章节应该要非常有节奏，我曾经写过“Ritmico”，也就是意大利语里面的“节奏”的意思。我也会在有些地方写“节奏感很强”，这时需要有点儿虚张声势，就像是你走上舞台，想象自己是埃罗尔·弗林（Errol Flynn）那样。然后是“适度的快板”，不要太快，你看这些十六分音符，你或许会觉得这太快了，其实不是这样的，所以在某种程度上，它是不太快的那种张扬和律动感很强的节奏。并且，这里也有像是打击乐的鼓槌滚奏，但很多人把这些处理模糊了，或者把它们弹奏得更快。所以我想通过写下一些小标记，会帮助人们在演奏时更有节奏，在开始的部分这是非常重要的。然后中间部分是非常抒情的，有些伤感，带有一丝柔情。事实上，有很多人把中间部分演奏得非常漂亮，带有自己的演绎风格，但通常当他们进入最后一段时，开始变得太快，我们便很难跟上了，节奏好，不仅仅是速度，还有节奏逻辑。我们会给表现最好的人颁奖，在决赛中宣布该奖项。

Q：那您现在可有人选了？

A：是的，我们现在已经有了合适的人选。但是我现在还不能告诉你，你会在最后一夜知道这个人是谁（最终由任燦获“新作品最佳演奏奖”）。

Q：好极了！我们谈过了托卡塔部分，那么怎么理解“庆典”这个词呢？

A：我想到了小号，你知道号角声，当有号角声的时候，我们显而易见地会想到军队的环境氛围。在军队里的号角声是在早晨叫醒士兵，或者意味着进入战斗，还有像国庆日这样的庆祝活动，所有国家都会有这种庆祝国家建国，或纪念伟大领袖之类的节日，所以这种精神、感官上的愉悦体验、意气风发的状态也是其中的一部分。

Q：是啊，太好了，非常感谢！感谢您的专业、独到的见解，我们中国再见！

A：好的，中国再见！

专访之二——访评委吴菡

美籍华裔钢琴家吴菡女士，身兼钢琴家、艺术管理者、文化倡导者和教育家，1997年与丈夫大卫·芬克尔（David Finckel）共同创立ArtistLed唱片公司；2003年，创立门罗室内乐艺术节；2004年，接棒林肯中心室内乐协会艺术总监。每年策划音乐季的两百多场活动，其中包括林肯中心Alice Tully音乐厅的三十多场室内乐音乐会、七十多场世界巡演、新音乐会、大师班、网络直播课。2012年，吴菡荣获美国音乐界最高荣誉奖之一的《美国音乐年鉴》“年度音乐家奖”（Musical America Musician of the Year），成为该奖项五十多年里第一位获此殊荣的华裔女性，跻身“世界最有影响力的古典音乐家排行榜”。吴菡曾先后师从丽莲·卡里尔（Lilian Kallir）、鲁道夫·塞尔金（Rudolf Serkin）和梅纳海姆·普莱斯勒（Menahem Pressler），她说：“我希望年轻人也能像我那样幸运，得到大师的指导和帮助，我现在所做的一切就是帮助下一代的音乐家。”

Q：吴老师，您好，非常高兴能在您担任克莱本比赛评委工作期间采访您。首先，想请您谈谈对这一届比赛总的印象。

A：印象是非常好的。我平常都是在弹音乐会，很少做比赛评委。这次比赛看见现在年轻人的水准非常高，心里很感动，你知道吗？我觉得古典音乐会有一个很好的、很光明的前景，我很高兴。

Q：这次有三十多位从世界各地来的选手，您觉得亚洲的选手这次在比赛当中表现得如何呢？

A：我觉得亚洲的钢琴家这次表现非常棒，有点儿惊讶他们的水准怎么都这么高！我想我们亚洲琴童的父母或老师都很重视钢琴学习，而且要求我们从很小就用功努力。现在国际的音乐景象和以前完全不一样，亚洲有这么多好的钢琴家，像郎朗等都活跃在世界的舞台上，所以我觉得很高兴。

Q：克莱本比赛是世界上非常著名、有影响力的比赛，您觉得这个比赛要选出什么样的音乐家呢？

A：克莱本比赛是世界最高级的比赛之一。你如果拿到大奖，全世界都会知道你。我们现在要找好的钢琴家、好的艺术家真的不容易，大家都可以弹很快、很大声，可是真的要弹得让观众很感动，能和观众交流很难。好钢琴家的演奏能够有好的感觉和特点，但那个感觉是没有办法教的。演奏者一定要对音乐有很多思考和想法，这样才会让观众喜欢你、关注你，从而也能获得更多的机会。要做一个不一样的钢琴家，一定要有自己对音乐、艺术的想法，这点对评委、对我来讲非常重要。

Q：太好了！您刚才讲到不仅是要选一个钢琴家，也是要选一个艺术家这个概念非常好。

我有一个问题，参赛选手中有一些是已经显示了一定的水准或才华的年轻钢琴家，也有一些年纪稍大的，比如说二十七八岁、三十岁的较成熟的钢琴家，有很多演奏经历。从比赛的角度来讲，怎样来评判？

A：这个问题非常好，如果你要做音乐家，尤其要做演奏家的时候，我觉得跟年龄完全没有关系，不是说三十岁的钢琴家一定比十八九岁的弹得更好。在舞台上，你如果要做艺术家，需要一个很久的职业生涯规划，你看鲁宾斯坦和霍洛维兹都弹到了八九十岁。参加比赛能够拿到奖很好，拿不到奖也没有关系，关键看未来怎样继续发展，这个才是最重要的。观众也会这么认为，观众只认可好的演奏，而不关心演奏家的年龄。如果你十八岁时弹得很好，但到了二十四岁却越来越退步，观众也不会想再听你演奏。拿奖只代表当下的荣誉，只有在未来慢慢发展，变得越来越好，变成真的艺术家，那才是我们希望看到的。我做音乐总监，就是要帮助这些年轻的艺术家，让他们能够发展。我很高兴能在这次比赛中听到很多不一样的曲子和不一样的诠释，希望年轻人来到这里，能够借这个机会多向他人学习，学得越多，未来就一定能够脱颖而出。我们希望找到独立、对音乐有想法，并且能够为音乐奉献自己的好的音乐家。

Q：这是一个非常艰巨的工作啊！要找到一个现在能表现出极大的才华和能力，而且又要能看到他几年后还能继续发展的获奖者。

A：这对评审来说是非常重要的。你可以想想看，克莱本比赛每四年举办一次，还有柴科夫斯基比赛、伊丽莎白女王比赛、利兹比赛等。这么多比赛中大家都可以拿奖，所以音乐家获奖只占了成功的十分之一，最重要的是每一次上台演奏都能够比你上一次弹得更好。我很高兴克莱本比赛有这么多轮次，其中包括两场四十分钟和一场六十分钟独奏音乐会，还要演奏三首协奏曲，我们能通过这么多场比赛，不断发现每位选手的进步。所以，选手在每一轮都要表现好，艺术不是体育比赛，谁跑得快或谁能进球就赢了，艺术像神秘的魔术一样，只有赢得观众的喜爱，才是成功。因此，我们希望能通过比赛找到特别的钢琴家。

Q：是的，四轮中的每一轮比赛相信都有它既定的想法和考察目标。那您能不能介绍一下每一轮具体都考察哪些方面呢？

A：你知道每一个艺术家，尤其是钢琴家，因为文献非常之多，所以绝对不可能从巴赫一直到斯特拉文斯基的每一首曲子都知道，每一位钢琴家一定都有他特别的品位和感觉。克莱本比赛非常好的是在独奏比赛阶段，并没有要求你一定要弹什么曲目，可由选手自己决定，以此展现各自不同的风格。在协奏曲比赛时，组委会也给选手提供了大量的选曲范围，一定程度上给予选手足够的自由。另外，我很喜欢这次比赛的规则，评委的评判方式不是生硬地打分数，而是有“是”“否”“可能”三个选项，像观众一样去选择是否还想听到这位选手的演奏。比赛的投票体系也很好，十位评委都不知道其他人的选择，因此整个比赛的气氛也会特别温暖、融洽。比赛的主旨是支持、帮助青年钢琴家的发展，因此我也特别高兴能参与这次评委工作。

Q：您是一位有影响力的室内乐演奏家和独奏家，培养了不少学生，也做了很多音乐节。那您觉得在第三轮的协奏曲中有没有发现有些选手独奏很好，但是协作方面却有瑕疵呢？还是说，他们都能够很好地兼顾独奏和协奏？

A：对，是会有这种情况。我演奏过很多室内乐，演奏室内乐要有很好的耳朵，在合作时如果长笛或单簧管给了你一个旋律，你就要马上反应并很好地配合。但如果你的耳朵处于没有“打开”的时候，你就不会去注意。室内乐会教你去听演奏时各声部的平衡，当管弦乐队演奏很弱时，那么钢琴演奏者就应该弹奏得相应轻一些，当乐队强烈时，钢琴也应该强起来。因此，在协奏曲比赛中，尤其是莫扎特协奏曲中，你能够感受到艺术家们在演奏时耳朵是怎样听辨的，以及如何与乐队和指挥配合。

Q：您能不能介绍一下这次评委会成员的特点，和其他比赛有什么不同？

A：这次比赛的评委都是活跃在舞台上的艺术家，都是坚持举办音乐会的演奏家。我们很少教学，或者只教少量的大师课。我没有学生，我们都是在舞台上长大的，舞台上的艺术家跟在教学中的钢琴老师完全不一样。我对钢琴教师有最大的尊重，因为他们是真的需要把钢琴家的演奏基础和技巧打造好。可是表演者在表演时，需要规划好演出的许多方面，如音响效果等，因此这次比赛中，我们评审关注最多的是选手们在表演时的状态，而不是如学历等其他方面的因素，我觉得这次比赛的选手都训练得非常好。克莱本比赛的获奖者在赛后将马上获得许多演出机会，我认为他们在这次比赛中有机会进行锻炼是非常好的。我们评委也大多经历过比赛，知道这些选手未来将会经历的事情，尤其对于女性演奏家而言，保持长期的演出行程需要付出很多，所以，一定是非常热爱音乐、有奉献精神的钢琴家才能做到。

Q：最后我想问一下，您担任过评委和艺术总监，总的来说，您喜欢什么样的演奏家？什么样性格或类型的艺术家，你比较愿意给予他们更多机会？

A：首先，他们要能演奏很漂亮的、不一样色彩的声音，要有很好的键盘演奏控制力，强弱都能很好地控制，如果演奏得很平淡，观众就不能被吸引。另一方面，演奏者和观众的交流也很重要，演奏者不应一上台就只顾着坐下来自己演奏，能和观众互动也很重要。我们帮助一位演奏家举办独奏会，需要知道这个人的性格好不好，对我来讲，要选一位钢琴家来做室内乐，好的个性非常重要，尤其是我们做室内乐，两个星期的巡演，可能要演出十场以上，非常辛苦，情绪不好，会影响搭档的心情。对于室内乐演奏家来说，如果你是一个充满激情，对音乐不断有鼓舞人心的新想法的演奏家，那么你就能很好地参与进来，这样的音乐家也是我会想要一直听下去的。我想，这次参赛的三十位钢琴家如果彼此可以交朋友也是很好的，因为学习音乐是一个很孤独的过程。我们这次评委团的评委们都是好朋友，在一个人的音乐生涯中需要有好多朋友，因为他们会和你说真话，能互相帮助、互相支持。

Q：我们比赛的听众有许多仍是在校学生，作为前辈，能给他们一些建议吗？

A：首先，我想大家一定要多听音乐会。因为在音乐会中你可以思考、学习到很多。能知道什么是好的音乐，什么是不那么好的音乐。同时，如果你还是在校学生，我希望你能积累大量曲目。因为演奏家在举办音乐会的时候需要有大量的曲目储备，如在演奏协奏曲时，也需要有至少二十首协奏曲可以选择。再者，我建议钢琴演奏者应该除了练习钢琴作品，还应多了解相关作曲家的其他作品，如管弦乐、室内乐、弦乐作品，甚至歌剧。它们能更好地帮助你理解作曲家，演奏钢琴应该多思考如何将音乐演奏得像歌唱一样好听。

Q：讲得太好了！非常高兴能听到您这么好的建议，祝您工作愉快，谢谢！