陶情养性，刻意求工——论《圆满》中的陶刻意境美

谢 欢

相传在元人蔡司沾所著的《霁园丛话》中记载着“奈于白下获一紫砂罐，有‘且吃茶，清隐’草五文字。”这样一句话，这是最早的关于紫砂陶刻的记载。自紫砂壶艺术诞生以来，陶刻可以说进入到高速发展的阶段，制壶工匠们不断探索工艺技法，以推动紫砂壶的发展。因紫砂泥可塑性极强，所以呈现出的陶刻作品相当精细和完美，浸润着中国传统书法、绘画、诗文的文雅之气，融合了紫砂壶的温润、儒雅，艺术品位独特，极具审美价值。

清朝道光至乾隆年间，作为“西泠八家”之一的陈曼生将紫砂壶陶刻艺术推至顶峰。陈曼生本就擅长金石书画，艺术功底相当深厚，其所创作的“曼生十八式”开创了紫砂壶艺术与人文书画结合的先河，大大提升了紫砂壶的艺术品位，也可见陶刻工艺的艺术价值。此件《圆满》中的陶刻装饰可谓真正达到了“诗中有画，画中有诗”的境界，自然趣味与文人雅趣相融合，艺术水准极高，其中充满着自然生命的鲜活、生动，彰显着中国文化的风骨。文字与绘画不是冰冷的呈现，而是真正地做到了跃然壶上，这不仅显示出创作者的功力，更是一种人与陶刻融合的境界。

壶红润的底色与圆巧之型烘托出陶刻那行云流水的古典之美，为陶刻的呈现准备好了一块如丝如玉的画布。紫砂泥质地较为柔软，这既为陶刻提供了便利，是陶刻能够表现多样的重要条件，同时也是陶刻的难点，创作者必须控制好力度，且保持力度的均匀，才能呈现出平整、清晰的书画诗文，不然便会坑坑洼洼，毫无美感。

此壶中的陶刻分为两个部分，第一个部分是诗文书法，所呈现的是“诗中有画”的意境美。诗歌是中华民族的代表性文学体裁之一，短短几行不过几十个字，却能为人们展现出或是壮丽、或是浪漫、或是潇洒的艺术图景，诗歌所代表的是中国人浪漫、洒脱的精神境界。此壶中所用的诗是明代高僧罗洪生创作的禅诗：“今日不知明日事，哪有功夫论是非。”这就为作品又增加了一层“禅境”。诗文分为上下两排，文字的大小与间距都是均匀的，创作者在壶面上陶刻如同在纸上书写一般，文字的笔画舒展、飘逸，有力度又潇洒，其所展现的是中国书法艺术的灵魂，方块字的刚与柔之间，一半是儒雅，一半是风骨。呈现在壶面上的陶刻书法比呈现在纸上的更具立体效果，每一个字的轮廓感强烈，如同将要从壶中跳出一般，这样“活”的文字才能体现中国汉字与书法艺术的精神。

第二个部分是绘画装饰。中国传统绘画有独特的风格，常常是通过白描的手法去表现事物的神，从而做到形神兼备，画面之中的大量留白又能给人以想象的空间，形成了淡远一致空灵的境界。此壶中的画作具有“生”的活力，洋溢着鲜活、有趣的自然美感。位于壶面中部及右侧的是树叶与成熟的果实，树叶的纹理清晰，果实粒粒饱满，显示出丰硕之美。在果实上可见一些阴影，这是陶刻工体对传统白描技法的继承与发挥。许多的果实堆叠在一起，却没有拥挤感，在彼此“拥抱”中打造出硕果累累的效果。在果实下，有一只蚱蜢，其身形健硕，纤长的腿部起到了很好的支撑作用，在果实之下，小蚱蜢似在乘凉，动植物是自然的重要组成部分，终日生活在钢筋水泥之间的人们，已经很少有机会亲近自然了，更不会注意到那小小的果实与蚱蜢。创作者将这美好的画面放大了，让人们从中聆听自然的和谐美好。

陶刻装饰是经过墨色点染的，这也就是陶刻中的“色刻”，创作者先行打造出诗文与绘画，再用色彩加以点染，便能体现出陶刻的特征。此壶中最难得的是果实“阴影”的处理，这一部分非常难把握，所打造出的效果是介于虚实之间的，才能打造出独特的光照感，整幅画面笼罩在日光之下，更具自然魅力。陶刻绘画有恬淡的意境，与诗文所表达的内涵是一致的。创作者在认真陶刻时同样不问身外事，沉醉于陶刻世界当中，每一刀下去都不会有回转的余地，创作者必须以十分的认真配合十分的经验，才能呈现出满分的效果。紫砂陶刻或许不如纸上的绘画那样绚丽多彩，但也正是这种朴实之美，才是紫砂陶刻的独特之处，才能呈现那至纯、至简的意境。此壶中的陶刻如同一幅展开的画卷，向人们讲述着一段故事，从那些小小的生灵与潇洒的诗文当中，人们能够真正感受到何为怡然自得之乐。陶刻向人们传达的更是一份真诚与执着，是手工艺的境界，这远非是机器所能打造出的效果，所以称此壶中的陶刻为“圆满”绝不为过，陶刻的刻意求工也是一种陶情养性，这是陶刻美的意境中的智慧与哲学。

结语：此件作品中的陶刻装饰非常精湛，体现了书法诗文与绘画在融入紫砂壶中后所呈现的新特征，换言之，陶刻工艺对于传统文化与艺术来说是发展与传承。本文对陶刻装饰进行了具体分析，从工艺特征以及文化内涵两个方面说明了陶刻的意境美。形式美只是陶刻工艺表现的一个方面，而意境美才是陶刻工艺真正的追寻。