马克·罗斯科绘画作品中的色彩分析

李恬语

山东大学艺术学院 山东 济南 250000

纵览西方绘画色彩体系的发展史，首先，传统上一直是写实的，虽然写实色彩体系让画家在绘画过程中通过主观意识来增强色彩，即使可以减弱，也很大程度上是不受主观方面的影响。然而，传统上追求的是对眼前真实色彩的再现，让画作具有再现的真实感。但自从二十世纪现代主义绘画的出现，艺术家们不再受到传统绘画观念的束缚并在色彩上寻求改变，更加关注自己的主观想法，绘画作品由之前的以“再现”为主导逐渐变为以“表现”为主导，也就是以“色”为主导。他们使用非常带有个人意识的、非常个性化的、充满表现性的色彩来完成作品，并通过这种表现方式来表达本人的情感精神与哲学思想。马克·罗斯科作为这个时期的色域画派的代表人物，其作品中的色彩具有极其丰富的内涵以及其个人的思想内涵。在罗斯科的作品中我们通常可以看到其画面是由两块或三块的颜色排成一排的矩形组成的。而这些矩形的边缘界限看起来极其的的模糊，像是漂浮在画布的表面上，并结合呈现出了一种连续不断的模糊效果，给观看的人们某种神秘的幻觉。其次，罗斯科的画作都是非常大幅的，并且为了让人沉浸在体验中，罗斯科试图将作品悬挂在足够高的位置以供展览使用，并使用足够昏暗的灯光来营造一种冥想的氛围，使其完全沉浸其中。

一、马克·罗斯科与色域画派

马克·罗斯科，1903年生于俄国，师从于马克斯·韦伯，是抽象派运动早期的领袖之一。他的艺术发展经历过不同的时期，起初是现实主义的，后尝试过表现主义、超现实主义的方法。后来，他逐渐抛弃具体的形式并在20世纪40年代末形成了自己完全抽象的色域绘画风格。

色域绘画是把画面中的形象抛开，单纯针对纯粹的色块来研究色彩的本身。首先提出色域绘画的是克莱门特·格林伯格，他在1958年写了一篇文章《美国式绘画》为色彩正名。在他看来，色域绘画脱离了具体的形式，更加关注纯粹的视觉体验。也就是说，色域绘画让画面从形式主义中解脱了出来并使其回到色彩本身。色域画派的画家并不像传统意义上专注于写实的画家那样在画面表达上要求逼真与再现。比如说我们看到文艺复兴时期或者是古典主义的艺术作品时会发现其作品是通过画面构图的三维空间来引导欣赏者的观看顺序，所以，当欣赏者在观看那些的作品时候，眼睛首先会被作品中呈现的具体内容所吸引，然后才能回到画本身。但作为色域绘画的艺术家，首先是构图再现的标准。正在追求突破性的变化和变化，似乎过分强调这条规则，这相当于违背了人类的自由发展。绘画的透视空间无论多么写实，都停留在模仿的阶段。因此，色域派画家往往会使用几乎可以覆盖整个产品的大色块进行艺术创作。因此，当你在色域中看一幅画时，首先这将是图片本身。这就是色域学派的追求。他们总是在作品中刻意强调画面的平整度，创造出属于自己的色彩。

不可忽视的是，精神和情感的表达才是“色域绘画”的真正重点。面对一幅色域绘画的作品，光是被表面的色彩所吸引是不够的，更重要的是去思考和体会隐藏在颜色背后的作者的思想感情。 罗斯科曾说道：“在目睹过对犹太人的屠杀和战争中的核武器之后，就再也不能仅仅去关注那些健康、正常的人的形象，能否试着仅仅依靠色彩和形状去感动人们呢？”，在这个问题的基础上，他联想到了亨利·马蒂斯的《红色画室》（如图1），研究发现，如果能在一定程度上融入作品的纯色，比一般的具象作品更容易表达情感。此后，他潜心研究色彩和形状，以表达他丰富的情感世界。

图1 亨利·马蒂斯的《红色画室》

二、马克·罗斯科作品中色彩形式的演变

（一）现实主义阶段

1905 年 20岁的韦伯来到了法国巴黎，在这里他认识了野兽派画家亨利·马蒂斯、安德烈·德兰以及莫里斯·德·弗拉芒克等画家。在1908 年时，韦伯尝试着将自己的内在精神转化为形色交织的绘画，并一直注重艺术的情感力量。对韦伯来说艺术并非为了再现真实而是对现实的启示和预言。罗斯科在现实主义阶段的绘画作品就一直深受韦伯观念的影响，尤其是其大多数的画面题材为室内场景和城市街景的作品，这些作品笔触极其强烈、色泽昏暗、富有表现主义特征。

在这个时期的罗斯科认为，一个人的艺术表现手法与自身的绘画能力与技巧并没有什么太大关系，重要的是天生对于形式的敏感；他想方设法使自己的绘画带有孩子的自发性、天真与直率性。在他1933 年创作的艺术作品《欲者、海难》中，罗斯科表现了一系列有关海滩场景的水彩画，观察画中的色彩可以发现，天空与大海用的是青色与灰色来表现，沙滩上的人物被黑色的夜幕所包围。由此，看上去似乎是漂浮在沙滩上面，这种漂浮感跟其后来成熟时期的作品给人的感觉如出一辙。并且，画面上的人物形象都趋于平面化，没有具体的形体勾勒，色彩描绘也没有传统意义上的厚涂与颜料所带来的体积感，只是简简单单的平涂。但却能给人一种深刻的情绪表达。

后来，在1938 创作的《街景》和 1940 创作的《地铁里幻想》中的作品主题预示着其成熟时期的主题与构图，这些作品具有极其强烈的表现主义特征，使人想起了形而上的抽象绘画。这一时期罗斯科把所有的精力都投入到对城市风景透视的研究上，他利用墙和门以及其他建筑元素将画面简化为若干的色块，并把这些元素压缩成平面绘画。除了关注城市风景透视之外罗斯科还更多地关注人在空间中的疏离感，并为了体现这种疏离感选用高对比的颜色强调画中人物的精神状态。在这种高对比的颜色之下，这些人物看起来都好像是孤立无援的，体现了一种现代生活的孤独感与落寞感，这一系列的主题也一直延续到他的超现实主义阶段。

（二）超现实主义阶段

这个时期马克·罗斯科的超现实主义绘画的题材主要是希腊神话，用神话建构和表达他的美学诉求。而所谓的超现实主义绘画就是艺术家凭借着自己的创造天性创作出来的内在真实的本质。所以虽然说这一阶段罗斯科所画的是希腊神话故事，但在其作品中，这些超现实主义意义上的人物形象或是其他生物形态都是模糊不清的，不管表现的是什么样的悲剧感情和恐怖感情，他们都是矗立在画布之上，形态极为模糊。

最重要的是，在这个时期罗斯科在其作品中开始有意识的在其作品中强调某种颜色的色调，比如说红色、黄色和蓝色这些象征着神话的颜色。这一时期他创作了《客西马尼园悲伤的耶稣》、《叙利亚公牛》等作品，从这些作品可以看到神话对他创作的重要性，这种重要性不仅体现在作品的名称和标题上，也体现在色彩的选取上也和作品的主题保持统一性。另外在其《俄狄浦斯》（图2）这幅作品中罗斯科为了体现俄狄浦斯的悲剧性命运，在作品的下方他描绘了类似于红色的舞台或椅子的形象并将人物安排在上面，而画面中最为突出的红色也正是象征着俄狄浦斯热烈、奔放的性格。

图2 《俄狄浦斯》

超现实主义在色彩的运用上极其强调色彩的主观性表达，只考虑色彩的主观性不考虑色彩的真实性，这种表达手法会使作品的表现力度更加贴近艺术家的心理感受，能够更加真实地表现艺术家的主观意图，超现实主义把色彩作为独立的绘画表现手段，不同于其他的形式而只是单纯用色彩来展现艺术家的精神和思想活动，这一时期也是罗斯科注重画中色彩选择的开端。

（三）色域绘画表现阶段

1946 年开始可以称之为罗斯科艺术生涯的一个转折点，这一时期他开始放弃他之前喜爱绘画的那些带有神话主题与带有象征主义倾向的风景与人像，逐渐转向画一些模糊的形状与色块，这些形象更像是一种无意识的自动随意之作。在这一时期罗斯科在画布上涂上一层薄薄的油彩颜料并赋予这些色块一定的透明度与亮度。他开始在画作里毫无保留的挥洒自己的感受与激情，虽然此时并没有具体形象的出现，但一个个色块与颜色的结合构成了鲜活生动的具体存在。

后来他逐渐的把这些简单的形体和颜色逐渐融汇成两三块矩形，画面开始出现对称重叠的色块，而且画作的尺幅也越来越大，他将矩形的色块与画作的边缘分离，给人的感觉是这些色块似乎是悬浮在一个不稳定的背景前面，并且这些作品在展览中都没有配以往我们所看到的那些作品所具有的华丽的边框、也没有题目、也没有文字性的描述，画作的主题只是一些数字或者是无题。到了1949年，罗斯科只画油画并且他经常用竖长的矩形，画面的尺幅高度都超过 300cm。目的在于通过大尺寸的作品给观众营造一种身处画作内部的沉浸式感觉。

尽管罗斯科的作品中几乎用遍了所有的颜色，但是他在不同的阶段都偏爱某几种特殊的颜色。比如到了20 世纪 50年代中期，他几乎很少用青色、蓝色，而是更加偏爱用明亮艳丽的红色和黄色，因为这两种颜色看起来会让人感到明快和陶醉。作画时，他先在画布上涂上一层薄薄的胶水，与之前的颜料混合。然后应用背景颜色，并根据预设效果随机应用颜色，让涂料流过涂料的边缘。基于这“三层”颜料，罗斯科经历了一个混合和重叠的过程，其中每一层颜料都很薄，有时颜料不会粘在画布上。这种技术使他的画看起来透明而明亮。每一层颜色的笔触都非常轻快；他想象这些颜色被“吹”到画布上。到了1950年是，罗斯科与妻子去欧洲旅行，意大利给他留下了深刻的印象，尤其是安吉利科的作品以及沉思的宁静让罗斯科深受启发，并在这之后，罗斯科基本上形成了自己成熟的色域表现风格，并且充满了宗教的色彩。他的画作规模宏大。这些巨大的色块和不规则、平滑、模糊的形状填满了整个画面，并且边缘模糊。罗斯科在作画时保留了画布的质感，罗斯科反复将颜料浸入画布中，在不同颜色区域薄薄地覆盖两三个矩形色块，营造出独特、明亮和壮观的效果（如图3）。

图3

三、马克·罗斯科作品中色彩形式的特征

首先，罗斯科强调油画的触感。使用新的彩色材料为罗斯科展现艺术思维和激发创造力开辟了可能性。同时，在用色时，他常常跳出现有规律的束缚，以传统思想的反色调和不一致的色彩并置、多层薄涂、扭曲等独特技法进行创作。并且，罗斯科经常将颜料稀释成非常薄的半透明效果，然后覆盖和模糊不同的颜色。这与简单地将颜料覆盖在画布上不同，他以各种方式渗透画布，通常从图像的深度到背景颜色和顶部。他在色块上的油画颜料中加入松节油，然后在画布上涂上单色釉，在画面中营造出丰富的色彩变化，呈现出连续的视觉效果。这是纯粹的色彩和感性的美。没有中心焦点。它显示了无限量的视觉张力。它从屏幕溢出，让观众着迷，融化观众的体验。

其次，在绘画过程中，罗斯科会快速刷动颜料，直到颜色边界模糊并融入背景。同时用布擦拭每一层颜色，让颜料慢慢渗透到帆布网眼中。这反映了色彩层次与绘画作品之间的微妙关系，以及油画典型的柔和光泽。此外，罗斯科倾向于在照片中创造“内向光”，照片中色块柔和的轮廓边缘营造出层次分明的釉面效果。他经常在深色和浅色之间以及冷色和暖色之间交替。叠加每一层颜色，就是留下不规则的边缘，在上一层颜色的基础上显露出底色。重叠层显示多种颜色的层和毛茸茸的、灵活的边缘，在视觉上代表“明亮”的色块。这种雾蒙蒙的“亮”色块给人一种迷幻的宗教情结，传达了一种独特的力量。

而当观者开始观看罗斯科的作品时，会感觉到形状、颜色和空间关系的不断变化。例如，在其作品《绿色和栗色》中，画面中的白色“地平线”首先引起了观众的注意，在深绿色和红色之间形成了强烈的对比。作品中的画面具有强烈的空间感，画面的形状和色彩向四面八方展开。模糊的颜色会产生背景流动，缩小图像并深入中心看起来逐渐失焦。另一个似乎消失于画面或失去了思想。一旦观众找到合适的观看位置，他们就可以进入冥想状态。这是目前最纯粹的观看体验。罗斯科作品中引起人情绪的共鸣是不争的事实，汪涛的《色彩与祭祀》中写道：“颜色常常用来表达或象征人的情感和情绪，人类对于颜色的感知常常通过类比与某种自然现象联系起来。例如，红色使人们联想到火和血，绿色唤起人们对树木和自然的记忆，人脑对某种自然环境的反应也具有某种类比的关系性，只是这种类比的关系有时过于自发无序，难以捕捉，以至于很难说他只是习惯性的解释的产物。”马克·罗斯科的作品包括单色绘画和多色域叠加作品，理解画面上各种颜色的象征意义，就可以从他画中颜色的大小来理解他想要表达的情感。人的情绪是复杂多变的，一种情绪可以用一种颜色来表达。比如由多种情绪的复合体产生的情绪必须由多种颜色的叠加来表示。罗斯科使用颜色区域的大小来表示它，例如，红色代表狂喜。画面中的红色越多，欢乐的气氛就越浓。相反，红色区域越小，释放的快乐能量就越少。

四、总结

罗斯科使用独特的绘画方法来建立色彩和感觉之间的关系，通过对罗斯科色彩表现的研究，可以了解他如何处理特定绘画的边缘和颜色。通过研究其制作过程，了解了色彩层次之间的关系，以及罗斯科如何赋予二维平面一种深度感。他通过结合原始、古典和表现主义色彩概念，简化造型，让观者联系到经典油画色彩营造的氛围和意境，强化了色彩的灵性。因此，罗斯科的创作将有助于我们理解色彩在绘画中的作用和情感的传递，也有助于理解西方艺术中的色彩概念。罗斯科否认他是一位具象画家，并没有根据自然物体创作抽象作品。他运用基本的色彩语言创作纯粹的抽象绘画，表达某种象征性的情感、思想以及其他精神内涵和审美体验。