中国画的用色教学方法探究

芮樱

1中国美术学院 浙江 杭州 310000；2浙江音乐学院 浙江 杭州 310024

一、中国画的用色理论

中国画是我国的传统国粹，具有悠久的历史，是世界艺术的高峰之一。色彩作为中国画的重要元素，历来受到画家的重视。南朝谢赫在六法中提出“随类赋彩”，确立了中国画的用色范式，为后世设色提供了法则。宋代郭若虚在《图画见闻志》中评价：“六法精论万古不移。”“随类赋彩”的含义：一是设色以客观对象为依据，随物象类别的不同而赋色，而不受限于光源色和环境色的影响。潘天寿所言“随类赋彩”之“类”字，非随某一对象之色而赋彩也，但求其类似而已。如不同深浅的红色花统一归类为红花；二是设色不是自然的完全再现，而是画家意象思维的主观色彩，强调“外师造化、中得心源”，强调画面的寓意、神韵、意境等。例如画竹，竹本青色，中国画却常画墨竹、朱竹，而极少画青竹，观者欣赏时只感受到竹的风致潇洒，领略到作者的情感思想，而不去计较竹是青色？墨色？还是朱色？“随类赋彩”不仅是尊重客观现实，也是意象色彩的表现方式。

中国画的用色强调不轻用、不乱用。在传统绘画中，尤其是传统文人画，墨一般是主要的，色是辅助的，强调色彩以笔墨为根本，达到“墨主色辅，色不碍墨，墨不碍色，色尚清简”的要求。潘天寿先生认为“用色以古雅为上，不可浮艳、混浊、火气、俗气、死气。淡色惟求清逸，重色惟求古厚，知此即得用色之极境”。总之，中国画的设色要符合描绘对象的精神气质、意趣神韵，给人以美的享受。

中国画的颜色分为矿物色和植物色，常用的颜色有：花青、藤黄、赭石、胭脂、石青、石绿、朱砂、朱磦等。设色时常根据画面的需要进行两种或多种颜色的调和，颜色的调和有一定难度，调和的比例一般依经验加以变通而不拘泥。作画一般先用墨后用色，多用原色，少用间色，忌碎、腻、花、脏、僵、灰等问题，注重画面整体的和谐与统一、简约而不简单、单纯而有对比。

二、中国画的用色教学现状分析

早期中国画非常重视色彩的运用，这从早期的墓室壁画中可窥见一斑，后来随着传统文人水墨画（图1）的兴起，色彩逐渐处于次要地位，这其中受到老庄世界观的巨大影响，“五色令人目盲”、“五色乱目，使目不明”、“绚烂之极归于平淡”，清淡素雅、虚静空灵的传统文人水墨画在一定程度上代表了中国画的发展取向和审美价值趋向。由于传统文人水墨画对色彩方面（除黑白以外的其他色彩）没有特别关注，画面的意境不靠色彩来表现，这让学生在欣赏和学习水墨画时不能体会色彩运用对画面的巨大作用。

图1 北宋 文同《墨竹图》

随着社会经济的快速发展，传统中国画在转变，现代中国画教学十分重视水墨画的摄入，而对色彩领域的教学探究较少。中国画教学在色彩方面的短板，使学生对色彩的理解较为匮乏、笔墨技法的表现较为单一，作品也缺乏一定的创造力，这对学生个人的发展、中国画教学的探索、传统艺术的传承都会带来负面影响。而色彩对于中国画而言是不可或缺的一部分，在中国画教学中，除了对水墨画的鉴赏学习，还需要打开视野，涉猎广泛运用色彩的作品，如唐代即唐代之前的绢画（图2）、帛画、壁画等，以此来提高对色彩运用的感悟和理解。因此，教师需要对中国画用色相关课程的教学方法有更多的探究和实践，补足学生色彩理论基础知识和实践技巧的短板，如此学生才能掌握中国画独特的色彩表现方式和视觉特点，在创作过程中，根据视觉体验、情感体会，激发想象力和创造力，从而提高创作水平，为中国画的传承和发展增添动力。

图2 唐代 周昉《簪花仕女图》

三、中国画的用色教学方法探究

（一）教师讲授色彩视觉性以传达色彩精神内涵

中国画的用色是传达画家精神意趣的重要内容，不同的色彩及其搭配运用，具有不同的情感价值。传统中国画用色体现了儒家思想，儒家强调“礼”，“礼”即秩序的规范。因此，儒家自然地将色彩与等级、尊卑、贵贱联系在一起，具有浓厚的色彩秩序，《论语》曰“恶紫之夺朱也”，色彩是有等级划分的，强调主次、先后、强弱秩序，受儒家思想的影响，传统中国画用色强调有主有次、和谐统一，特别忌讳色彩对比的强烈视觉反差，因为，这将无益于画面的和谐。道家思想也深刻影响着中国画的用色，道家强调顺应自然，强调“无为”，人与自然的和谐统一，色彩的首要作用是精神的流露，而不是色彩的美感，不求色彩的鲜艳华丽，而追求返璞归真、朴素沉稳之美，认为“朴素而天下莫能与之争美”，黑白才是色彩的本源，低饱和度的间色也能表现清寂玄远的意境，受此影响，水墨成为中国画的色彩审美追求。自佛教传入中国，不仅影响着人们的精神世界，也对中国画的用色产生一定影响。其中，最大的特点是石青、石绿的广泛使用，如隋唐时期的青绿山水、敦煌壁画（图3）等，呈现出绚烂多姿的色彩效果，同时，在色彩技法上采用凹凸法来增强画面的立体感，色彩的浓淡对比增添了作品的视觉效果，对后世产生深远影响。禅宗以老庄思想为依托，在唐代发展到巅峰，宋、元、明、清延续发展，它强调顿悟，强调主体精神的自觉，这对中国文人的思想世界产生深沉的影响，画家内心平静、醉心山水、追求永恒，体现在中国画用色上，则偏爱黑白二色，追求质朴、单纯、清雅的色彩效果。

图3 唐代 榆林窟第25窟 北壁东侧

中国画的用色除了表现物象的颜色面貌之外，更多地融入了创作者的情感意境。暖色系，如朱砂、朱磦、藤黄等，多表达画家积极的心态；灰色调多表达艺术家忧郁苦闷、惆怅萧瑟的心境。在中国画用色教学中，学生不仅要了解各色的基础常识，如色彩的冷暖、明度、纯度、面积等的对比关系，更需要了解各种色彩的精神内涵，提高对色彩认知的深度。教师通过赏析、示范、讲授中国画色彩的知识和寓意，引导学生立足中国传统哲学思想对中国画用色的影响，感受色彩意蕴，把握色彩的视觉体验和精神内涵，提高色彩的审美能力和艺术素养。

（二）学生自主练习以提高实践能力和创新思维

提高学生的实践能力和创新思维是中国画教学的目标之一。传统的中国画教学以教师现场示范为主，通过直观的技法展示和详细的步骤解说，让学生掌握中国画用色的基本技巧和常识。但教师先示范，学生后练习的模式，容易让学生停留在浅层的、呆板的模仿阶段，依葫芦画瓢，作品缺乏一定的创造性，甚至学生对于色彩的调和也毫无感觉，只是机械地记住什么颜色加什么颜色，可以调出什么新色，丝毫不敢做任何自主尝试，毫无创新可言，如此显然不利于中国画的传承和发展。

想要改变此种现象，需要教师调整教学方法，如先不示范，通过引导的方式，鼓励学生自主练习与尝试，积极地大胆试色、探索技法。对教师而言，只需旁观鼓励，适时个性化指导，引导学生尝试各种新颖的作品，包括不同色彩对比的小稿、各种笔墨尝试的色彩造型等等。总之，教师始终坚持以生为本的色彩教学理念，通过互动讨论、活动体验等多种教学方式，将基础理论知识、基本技法训练、拓展作品赏析有机结合起来，并通过色彩的明度、纯度、饱和度、面积等方面的对比，抽象性和象征性的有机结合，分析色彩的规律和特性，让学生在具备强大色彩理论知识的基础上，勇敢尝试，自主练习，进一步提高他们的实践能力和创新思维。

（三）师生通过教学相长加强形成个人色彩语言

中国画的学习历来注重“师古人”、“师造化”，“师古人”即学习古人优秀的作画方法，通过临摹的方式掌握正统的用笔、用墨、用色；“师造化”即向大自然学习，注重深入生活、细致观察，临摹和写生是学习中国画的重要阶段，又是创作的准备阶段。中国画的学习是临摹、写生、创作三者的统一，临摹是站在巨人的肩膀上，学习前人的经验和技巧，写生是对临摹的检验，也是创作的开端，临摹和写生的学习是为了创作，以期形成个人艺术语言，这其中就包括个人艺术创作的色彩语言。从某种程度上讲，中国画的用色是个人的，不同的艺术家有不同的色彩风格，所传达出来的情感意境也不尽相同。

在中国画的用色教学中，对怎样形成个性化色彩语言的重视是尤为重要的。在当代中国画用色教学中，大多采用“整体”角度训练学生的用色技巧和语言能力，即先对传统中国画用色方法有全面而整体的认识，能基本掌握用色理论和技巧，再从中选出适合自己的方法，加以学习和创新。这种方法能让学生站在一定高度，对中国画用色有全局统观的了解，是一种“加法”式的教学体验，但这并不是弱化“个性化”色彩语言的发展，而是让学生在全局认识、全面掌握的基础上，真正提炼出个人喜好的、适合的色彩语言，增添个性情感元素的表达，真正实现个人色彩语言的凝练。

教师需要培养学生对于色彩的认知能力，关注学生的情感体验，把“以情运色”作为中国画色彩教学的主线索，随时代生活而创新，从个人成长的角度出发，以个人色彩语言来表达心境，建构具有学生个人独特感知的色彩图式。在这一过程中，学生从个人生活情感体验出发，主动大胆的学习和尝试个人色彩语言，并以此从事不同画种的实践创作。同时，学生的色彩体验成果不仅是教师教学的展现和反馈，教师可据此作出教学方式上的调整；这些色彩体验成果，亦是教师自我学习的对象，学生的大胆尝试将给教师带来各种创作灵感。教与学共相长，构建师生双方不同的色彩语言，形成各自独特的艺术魅力。

四、结语

中国画的用色对于营造画面意境、传达个人情感等方面具有重要的作用。学习中国画的用色理论和技法实践是当今中国画教学和创作中不可忽视的重要内容。作为教师，要根据教学的实际情况，如中国画独特的视觉审美和情感体验、学生的认知水平和成长规律、时代的发展进步和人文实事等，从而灵活地选择合适的教学方法，并根据需要，不断地调整和改进，进一步提高学生的审美能力、实践能力和创新能力，促进学生的全面发展，以提高中国画的教学质量和传承出新。