“气韵生动”对中国绘画艺术的影响

刘 涛

一、何为“气韵生动”

谢赫在《古画品录》中提出“六法论”，在六法中，“气韵生动”居于首位。《古画品录》是中国绘画史上第一部系统的关于绘画的品评专著。“气韵生动”作为绘画艺术的评价标准，不仅体现在对绘画艺术的品评上，在其他的艺术门类如雕塑、书法、建筑、诗歌、舞蹈、音乐中同样是以它作为最高的品评标准的。“气韵生动”体现的是一种气质、一种韵律、一种活跃的生动之气，是人对大自然和生命的一种精神上的显现。东晋著名画家顾恺之提出“以形写神”的观点，主张绘画要表现人物的精神面貌和性格特点，重视对客观对象的观察，把握对象的本质，在形似的基础上以形写神，后来逐渐发展为一种对客观对象的精神状态的表现，更是一种生命力的标志。

二、艺术作品如何达到“气韵生动”的艺术境界

（一）文学修养

儒家思想是中国的道德典范。画家要多读书，以此来开阔自己的眼界，让自己的心灵和品格得到净化和升华，做到表里如一。许多资深的画家在分享自己的艺术经历时，都会谈到读书学习的重要性。拥有足够的艺术修养，才能创作出雅致别趣、意味深长的绘画作品。

（二）绘画技巧

“气韵生动”是绘画艺术的最高品评标准。古代绘画作品分为能品、妙品、神品、逸品。那么，“气韵生动”的作品作为绘画作品中的极品，在欣赏的同时就要掌握欣赏的要领。在水墨画中，讲究墨分五色，要求画面要有墨的浓淡、干湿变化，要注意虚实关系，使得整个画面的气韵连贯起来，一气呵成，形成“气韵生动”的绘画作品，正是因为画面里的对比关系，才能营造出独特的意境与趣味，让观者由看到的画面景象引起遐想。我国古代的白描画，讲究“疏可跑马，密不透风”，这说明白描画是通过线条的组织和安排来带动画面的节奏感。所以说，不同画种之间的绘画原理是相通的。我们现在分析一下古人优秀的绘画作品就会发现，古人善于运用墨色变化，注重整个画面的气韵连动，富于变化，通过黑与白、块面与线条组织能够表现出一种咫尺千里的纵深感。画面的气息生动自然，不做作，十分灵动。

（三）体验生活

一个艺术家要想创作出一幅好的作品，除了需要熟练运用传统的绘画技法外，还需要有对生活的感受能力和准确把握客观事物特征的能力，这些能力都不是出生就有的，需要在日常生活中加以训练才能获得。艺术家要仔细去体验生活，感受生活中的美好事物，或许不经意间发现的一个场景会打动你，在这个基础上加入一些自己的想法，采用合适的表现方法，这样创作出来的作品肯定就会更加真实并且具有个性。张璪提出“外师造化，中得心源”。这个理论对我国的艺术具有重要的影响，这与“六法”一样，它们之间是紧密联系的，你中有我，我中有你，共同协助才能发挥它们的重要作用。所以在艺术创造活动中，不能只追求艺术家本身的“心源”，而忽略了“造化”的重要作用，如果这样的话，肯定会偏离绘画美学的原本轨道。在艺术创作过程中，画家首先要对所要表现的客观对象仔细观察，做到全面了解对象，做到心中有数。画家在进行艺术创作时，并不是随心所欲，艺术创作应该遵守一定的法则。

三、“气韵生动”对中国绘画审美的影响

（一）“气韵生动”对不同时代绘画的意义

唐朝至五代时期，“气韵生动”的美学理念被大家逐渐接受。到了五代，水墨画逐渐走向成熟。荆浩在著名理论著述《笔法记》中提出了他的理论观点，并提出了绘画创作的六要： 气、韵、笔、墨、思、景，这是中国绘画历史上第一次将气和韵分开来阐述，这极大地丰富了绘画艺术的美学内涵。

1.“形神兼备”

朱景玄主要活动于唐宪宗和唐文宗年间，曾任翰林学士。他酷爱画艺，并且受过良好的教育，具有较高的文学修养，著有《唐朝名画录》。这是一部以分品列传体编写的断代画史，开创了历代画史编写的先河，对后世影响深远。他提出“神、妙、能、逸”四品来品评各家作品，在评价艺术作品时，注重作者的作品是否达到“形神兼备”。他提出，一件优秀的作品不但要做到描绘对象的形似，更应该透过现象看本质，要表现出客观对象的精神面貌。“四品”作为绘画品评标准与“六法”有异曲同工之妙，两者并不矛盾，也可以认为“四品”是对“六法”的补充和延伸。

2.“论画以形似，见与儿童邻”

苏轼是宋代著名的大文学家、书画家。他主张绘画以形写神，不求形似求神韵。他有诗云：“论画以形似，见与儿童邻。赋诗必此诗，定知非诗人。”这四句诗句对之后的中国文人画产生了巨大的影响。苏轼认为：在进行艺术创作时，画家本人是这个创作活动的主体，要仔细、全面观察所要描绘的对象，不能只单单追求与客观对象的表面形态一致。他强调作画时不能拘泥于“形似”，提倡审美创造，打破这个“形似”的局限性。从他的观点我们不难看出，宋代的绘画分成了两大类，一种是充满诗书韵味的文人画，这在当时被视为绘画的主要流派；另一种是那些文学修养不高但是也从事绘画的人的画，他们的画作被看不起，因为他们被认为没有文化涵养的积淀。这种趋势使当时的文人画画风逐渐成为绘画的主流，影响了之前的绘画创作方向，从而逐渐改变了人们之前的绘画审美观念。到元代以后，文人画及其审美主张占据了主导地位，不再追求唐代和宋代的写生技能，追求一种苍茫的意境，这在一定程度上抑制了传统绘画的发展。元代是文人画成就显著的时代，文人画画家们十分注重表达自己的主观情感，当时人们认为绘画创作是为了表现出画家们洒脱、放荡不羁的性格。因此，倪瓒的作品就像他所追求的，画面有一种淡雅、萧疏、空旷的艺术效果。明清时期的绘画艺术在元代的基础上继续向前发展，显而易见的特点是特别重视“笔墨”的运用。明清时期的画家认为“笔墨”和“气韵”同样重要。明代最具代表性的画家是董其昌，他非常赞同郭若虚“气韵生动”的观点，他认为作画要想达到气韵生动的艺术境界不仅需要绘画天赋，后天的努力也是同等重要。到了清代，在文人画家眼里，笔墨就是“气韵”本身，清代的画家们进一步扩展了“气韵生动”的审美视野。清初的一位大画家石涛著有《石涛画语录》，提出“搜尽奇峰打草稿”“笔墨当随时代”等著名的理论思想，这些理论著述以及石涛留下来的绘画作品对后世影响深远。这些都是对“气韵生动”的补充和延伸。

（二）“气韵生动”对当代绘画的影响

黄宾虹先生是我国近现代著名的山水画家、理论家，他对文学、书法有很仔细的研究。他的绘画作品的特点是画面厚重、一气呵成、浑然一体，他追求笔墨华滋、幽远安静的画面，它的绘画艺术达到了中国画中所要追求的“气韵生动”的艺术境界。黄宾虹老先生在对中国古代山水画的长期研究中，汲取了前人的优秀经验，取其精华，去其糟粕，形成了自己独特的绘画语言。因此，“气韵生动”在当今时代仍然是品评绘画作品的标准。