清代“申溪款”花形壶赏析

王朝红

摘  要  在紫砂创作上，古人经典的作品给我们提供了取之不竭的创作源泉。我们要在自己和古人的身上找到差距，不断地弥补自己的不足，使自己经常能有提升，这也许才是稽古维新的真正意义所在。要摆脱过分陷于细节的问题，应该向古人的大架子、大气度上去用力。本文就是凭借对清代“申溪款”花型壶的赏析，试图表达自己对艺术的理解和感悟。

关键词  紫砂;光素器;花器;细节;气度

紫砂壶是中国传统陶瓷艺术当中的瑰宝，它是中华文明和中华智慧的一种结晶，充分体现了中华民族在艺术创造方面的高超造诣。紫砂壶作为茶道具和人们结缘，已经有数百年的历史，文人雅士的参与使得它有很多的经典传世，在艺术之林当中熠熠生辉。人们对于紫砂壶的熟悉和喜爱，其实从最初的泡茶、品茶的实用器，慢慢地关注到它的文化价值和艺术价值，除了实用以外，好的紫砂壶能够让我们赏心悦目、点缀空间，给我们带来美的享受，同时有些紫砂壶更是因为具有收藏价值而备受人们的追捧。

紫砂壶一般认为起源于宋代，但真正走上艺术化生产是在明代正德年间以后。宋元以前多煮茶，明清改为泡茶，紫砂壶的兴起与茶文化息息相关。从造型和工艺上来看，明代紫砂壶的总体特征是粗、大、笨，清代初期从陈鸣远开始，紫砂壶制作崇尚精巧、秀雅之风。虽然壶没有生命，但是我们往往说它有生命，它的生命就是制作者赋予的。欣赏一把紫砂壶，要看紫砂壶的精、气、神，如果没有这种精、气、神，紫砂壶就不能算作是艺术品，只能是商品或是工艺品。而紫砂壶的精、气、神其实就是作者的精、气、神，通过泥料、工具、技艺赋予这把壶的，有作者的文化素养和审美积淀作为支撑。

紫砂壶的创作题材表现手法多样，分为光素器、筋囊器和花器三大类，当然在创作中也可以把这三大类做充分结合。紫砂花器是艺术“源于生活、高于生活”的最接地气的表现，紫砂花器非常贴近中华民族的传统文化，中华民族是一个非常热爱生活的民族，能够在自然的万事万物当中取象，然后加以梳理整合、提炼概括，以艺术的手法和形式表达出来。最常见的紫砂花器就是“鱼化龙壶”、“松竹梅壶”还有“报春壶”，这些壶型都体现了人们的一种对吉祥寓意的向往和高雅的追求。紫砂花器可以说是深深植根于老百姓的生活，花器是广受喜爱的，这种民族性的东西有着非常广阔的创作基础和土壤。毫无疑问，紫砂花器会有一个非常旺盛的强劲生命力，而目前紫砂花器创作也呈现出了生机勃勃的发展态势。

清代“申溪款”的花形紫砂壶（见图1），这把壶在光素器的基础上加了一些花器的制作工艺，和我们当代的制作工艺、表达方式以及它所折射出来的文化信息含量是有很大区别的。我们所看到的这件作品是具备大气象的一件作品，它是饱满的、充盈的、丰实的。这把壶可能不算严格意义上的花器作品，只是用了一些花型，把一些花器元素揉在这个作品当中，颇有“弱水三千只取一瓢”的意思。于此也可见古人的态度，凡事不过度。“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。”在很长的时间内，被认为是齐白石先生的经典绘画理论，这种理论同样也适用于紫砂花器的制作，一味写实就落了俗套，或者是陷在“细枝末节”里出不来。从某种角度来讲，古代紫砂壺的制作有些像中国的写意画，当代的紫砂器制作则非常像工笔画。今人的作品往往工细有余，而古人作品的气度毫无疑问是胜过今人的。这把壶不像我们现在多数制壶作者的那种太过于细腻、太过于工细。所有的“工”只是为了一个非常有益的点缀和呈现，这种挺实的、饱满的、真力弥漫的创作理念和格局，似乎是我们当代的紫砂人最应该借鉴的一种东西。我们很多人就是太过于注重细节，而忽略了整体性，或者说是大的气度的把握和表达，当代的表达误区在这把壶当中丝毫却看不出，也许就是因为古人的心里头有大的气象、气度，才能把作品悠闲自如地表达出来。壶盖是以花型来表达的，这里面有很多类似于筋囊器的感觉;壶的底足也是用花型来表达的，这种底足在紫砂器物当中、在紫砂壶当中还是不常见的，给人一种很惊艳的感觉。

“借古以开今，继往以开来。”所有的理论都只是一种片面的表达，在创作当中似乎应该把这些东西融会贯通，才能够真正地创造出属于自己的东西。当代紫砂作品的创作不管是光素器、花器还是筋囊器都往往会走进一味工细的死胡同，这是值得警醒的事。在古人的经典作品身上，我们恰恰应该学习这种宏观的把握，让所有的部件、所有的工艺、所有的技法服务于大局，这样整体性才强，作品才能神清气足，才能够达到一种非常震撼的艺术效果。