在熟悉的生活中寻找陌生感——我的新疆题材美术作品创作随想

文/图：邓乐平 中央民族大学美术学院2020级硕士研究生

塞尚说：“艺术乃于自然平行之和谐。”也就是说，艺术家既观察提炼自然本质，又组织构架艺术形式。艺术来源于艺术家对生活的感受，不论表达形式如何不同，始终离不开一个具体的客观世界所留存的信息。正所谓“移情于景、触景生情”，正如塔西提岛之于高更、圣维克多山之于塞尚，画家通过所表现的主题，实现主观思想和客观世界的联通交互。

主题的选择

笔者的创作主题选择在作品中表现人在当下社会所处的外部环境下生存的一种状态，这里面包含了人朴素的一些情感和世界观，而载体是笔者熟悉的新疆人，特别是生活在喀什、和田地区的南疆人。选择这个早已被贴上“民族特色”标签的主题究竟还有多少可以挖掘的空间，笔者将用何种路径来避免重复，避开“风情画”的展示，并且还能表达出笔者内心最为深沉的那一部分，是笔者一直在思索探求的内容。首先问自己是哪一部分所见、所想、所感触动到了自己的内心，选择这个主题将会承载着哪些信息，而不流入装饰或者风俗的窠臼。

人在这样特定的自然环境下生活，依靠自然的馈赠和勤劳的品质，对于物质生活方面的需求是有节制的，更多地将目光投射在自己丰富的精神世界里，他们通过舞蹈和音乐就可以缓解身体的劳累，在巴扎上喝上几口甜茶就会满脸笑容地继续劳作，甚至到巴扎剃个头、刮刮胡子都成了男人们的一种消遣，也成为一种社交，这里的人们在日常生活里获得了精神方面的满足，他们看似平常的生活状态，却充满了对传统习俗的尊重和敬畏。

在学习艺术的路上，笔者很重视传统文化、艺术给予我们的启示，尤其是现代绘画。纵观艺术史，塞尚的出现似乎让艺术重新回到了那个智性的时代，塞尚说：“艺术家的工作不单是对可见事物的复制与如实拷贝—人们会期待他以这样那样的方式有所偏差地再现和歪曲视觉世界。”相比印象派那转瞬即逝的光与色，塞尚更关心画面建立起来的犹如博物馆里绘画作品的永恒性，简单说，就是塞尚的理想是将绘画从人的视知觉带回到人对理智的要求，所以塞尚被誉为“现代艺术之父”是不无道理的。他想要的博物馆绘画中的永恒性是与当时印象派对于19世纪资产阶级兴起、步入工业文明那种转瞬即逝，如过往烟云般的社会和文化观念发生变化的写照和描绘完全相左的表达观念。

由此，笔者的创作理想并不是简单的反映现实生活，而是将其提炼为自我的画面形式，将所感所知转换成自身的绘画语言来表达，结合传统绘画留给我们的遗产，努力挖掘经典图式，创造一个新的表现新疆人生活的社会景观和人文景观。

■巴扎暖阳 油画 180cmx160cm 2021年

形式语言的表达

绘画是一个静止的、平面的物理存在，从图像阐释的角度出发，笔者更关心能否在画面上呈现张力，展现出图形内部的力量所在，才能够吸引观者、唤起观者内心潜藏的那一部分。如果绘画会说话，那我们画画还干什么？对于形式上的思考，要避开视觉常态化的图式，关注图形的分解和关系，不是为了表现风俗，而直指人的精神，即“有意味的形式”。其次，“要发现想象力的视觉语言。”要怎样安排形式与色彩，才能给予视觉以刺激，从而最深刻地激发想象力。我们视觉当中，最为普遍的那一部分，包括任何与实际现象逼真相似的东西很难触及我们天性中至为深沉的情感和记忆，也无法将其释放。再者，艺术是一套约定俗成的符号，它之所以是艺术，恰恰是它背离了自然。在绘画的再现性中体现出抽象的因素，保留一部分客观存在的元素作为基本信息，避免走向纯装饰性。

■地平线 油画 80cmx60cm 2021年

回到文章开始引用塞尚的话“艺术乃于自然平行之和谐”，单纯的再现、复制对象乃无我之境，将艺术隶属和还原为自然或客观现实，“实现其感觉”则是唯我之境，将自然对象或客观世界隶属和还原成艺术；而塞尚所追求的是介于二者之间实现新的综合，塞尚艺术不断追求趋近于现实，实现其真实，同时“正是想要达到对不同原理进行完美综合的决心，或许使塞尚的感受性保持如此高昂的紧张”。艺术与现实世界确切的是“平行”关系，而不是一方被另一方约束。

选择艺术家的作品去做研究分析是不可避免的，我借鉴了美国黑人艺术家克里·詹姆斯·马歇尔的作品及其创作思想，在他的画面中我看到马歇尔对大师绘画传统学习的影子，马歇尔画面比较突出的特点是黑白之间的对比和画面具象基础上融入抽象元素，还有局部形状的修正和连接关系，这些对我都很有启发，当然马歇尔绘画背后的大的文化背景不容忽略，在经历了加洛林文艺复兴之后，美国本土涌现出一批黑人画家，如雅各布·劳伦斯、贺拉斯·皮平等等，他们的作品大都有一个共同的主题，那就是在美国社会存在的种族歧视，这些非裔的艺术家是如何做出回应的。同时我也关注了理查德·迪本科恩和R.J.基塔伊等艺术家的作品，并做一些研究和借鉴，如对画面图形分解、融入抽象元素和客观自然的图像异化，形成画面，从而将其从客观物象的捆绑中解救出来。在表现客观世界的同时，形式成为了构建画面的基础框架，而主观感受抑或称之为知觉的部分起到了对画面内在情绪的传达，利用图形之间的修正和建构，利用画面黑白灰色块的整理和串联，形成画面的节奏和韵律。

■午后 油画 80cmx60cm 2021年

■游子吟 油画 97cmx130cm 2021年

■新居暖阳 油画 100cmx80cm 2021年

■惊蛰打馕 油画 160cmx180cm 2021年

当代语境下的图像应用

许江先生曾经发问：“图像时代，绘画何为？”这是许江先生对这个时代提出的一个令人深省的问题。我们时刻被包围在这个充斥着图像的世界里，电脑、手机、多媒体等等迫使我们史无前例地每天快速读图，以便获取更多信息，同时照相技术的进步让人人手持一部手机，人人都是摄影家，人人都介入到图像的大洪流中。历史早已给出了坐标，从安迪·沃霍尔到李希特、图伊曼斯等一大批艺术家，早就尝试从影像中获取绘画存在的意义和必要性，借助图像，修正图像，建立对时代文化和观念的确立，展开对所处“时代精神”的表达或反思。

观看较之于图像显然意义非凡，约翰伯格在《观看之道》中提出，由于机械复制时代的到来，摄影、电影以及广告业的崛起，使得观看发生了前所未有的变化。图像的语境，决定了视觉过程中看到的对象、方式、意图等，因此观看既是心理过程，也是文化过程，社会政治、宗教等意识形态因素会影响视觉行为本身。贡布里希认为，艺术创作不是模仿自然，再现自然的过程，而是运用图式并对其修正的过程，艺术史就是图式的修正过程。贡布里希最著名的那句话说道：“艺术家倾向于看他所画的，而不是画他所看的。”我们在取材和创作构思过程中总是借助大量的图片资料，但是我们的目的不是为了把绘画变成照片，而是将图片信息提取出来转换成绘画语言，这一点毋庸置疑，再者，能不能让大家通过熟知的绘画材质、绘画语言获得一种陌生的视觉体验感，让观者从创作者的视角去观看这个世界。

对于笔者本人而言，创作这条路还很漫长，在这条路上会不断出现各种问题和疑惑，只有不断思索和实践，才能逐渐有所体悟，从而在绘画中得到内心的平静，笔者喜欢思绪游走于画布之间并沉浸于此。