博物馆制度下的公共艺术2.0时代研究

马艺菡

自20世纪以来，与政治有关或以艺术化面目说教的主题艺术屡见不鲜，这些艺术形式充斥着各个角落，强势占领了城市的公共空间。但事实上，这些艺术不具备成为公共艺术的条件。艺术在20世纪下半叶的发展和变革超过了过去数千年的总和。如果套用计算机领域的话术，可以认为在当代艺术进入公共领域后，就正式开启了公共艺术2.0时代。因此，对博物馆制度下的公共艺术2.0时代进行研究，具有十分重要的意义。

一、博物馆与公共艺术的概念和具体体现

（一）博物馆与公共艺术的概念

博物馆是地区文化的重要载体，能够对地方文化和发展情况进行展示。收集、保藏、研究、娱乐和教育是博物馆的主要目的，与此同时，还能满足人们的精神娱乐需求。博物馆担负着传承和发展人类历史文明的责任，作为地方文化的聚集地，其构建需要利用诸多要素，公共艺术作为博物馆的重要组成部分，可以反映博物馆的品质和文化内涵。

在博物馆中，公共艺术具有功能性的特征，属于博物馆环境功能机制不可或缺的部分。公共艺术可以使博物馆内各项要素相互协调。能否同时满足群众的精神需求和物质需求，是衡量一个博物馆是否优秀的重要条件，而公共艺术的融入，就如同画龙点睛一般，使枯燥、单调的公共空间环境变得生动活泼，因此，探析博物馆制度与公共艺术之间的关系和发展，具有十分重要的意义[1]。

（二）公共艺术在博物馆中的具体体现

雕塑属于重要的艺术形式，在博物馆中的地位十分重要。在博物馆中展出的雕塑，可以与观看者产生情感上的共鸣，这是艺术家设计雕塑的主要目的。但由于博物馆空间有限，雕塑在设置过程中，会受到诸多因素的影响，但正因如此，博物馆雕塑拥有与众不同的文化。如果一个雕塑拥有独特的精神内涵和表达形式，这个雕塑就可以对博物馆的形象进行代表。以北京自然博物馆中展出的铜质雕塑为例，该雕塑的形状为半圆形，属于地球的形状，在自然博物馆中放置，体现了不同生物在地球中繁衍生息的过程。这一雕塑与自然博物馆主题相呼应，同时凸显了时代的质朴感。

二、当代艺术进入公共空间的缘由

将艺术作为导向，对公共空间进行改造可以追溯到1959年，卡尔·普兰特作为雕塑创作营的发起人，在奥地利的一处荒废石场内与8位雕塑家共同组织雕塑活动，通过对废石场中材料的应用，雕刻出精美的雕塑作品，并保留在这个废弃石场之中，为当地视觉环境改造奠定了坚实的基础，这些雕塑也成了公共艺术的重要组成内容。德国艺术家博伊斯所实施的公共艺术作品《7000棵橡树》，使世界公共艺术创作思路受到了冲击，该作品的实施时间为1982年，博伊斯希望让公共艺术成为一个与人事有关的公共议题，而并非一项活动或一处公共景观。在这个公共艺术作品中，呈现作家抽象意图的载体就是橡树和石条，这些石条象征着生活在大千世界的人们，平凡人和普通人，取代了英雄形象，正式进入公共视野，在这个阶段，公共艺术进行艺术叙事的方式转变为了日常面貌[2]。

中国公共艺术发展的契机，是上述两种公共艺术思想的涌入，与国外相比，国内公共艺术起步时间较为滞后，以雕塑为载体的公共艺术1.0时代于20世纪80年代兴盛，在这一时代下，公共艺术实现了长足的发展，非理智时代束缚被成功摆脱，国民思想愈加开放。以广州解放纪念碑为契机，潘鹤提出保留工作委员会的职能，发挥委员会监管广州市及周边地区城市雕塑的职能。在这种制度下，珠江三角洲实施了《珠海渔女》《拓荒牛》等项目，这些项目均在日后成为所在地区的地标，承载了民众对城市文化的认同感。珠江三江洲的尝试，对中国公共艺术发展而言，具有十分重要的意义，可以媲美英雄主义纪念碑的建设，为中国公共艺术2.0时代的开启，奠定了坚实的基础。在这个阶段，艺术家意志与城市内涵的结合程度逐渐加深，博物馆公共艺术和公共空间产生了密切的关联，探究其本质，得知这种关联属于相互依存的关系。比如：《珠海渔女》，这个雕塑的所在位置是废石场，作为当地自然景观的有益补充，使所在地的属性发生了变化，采石场也由无人问津的废地，变为了以艺术品而闻名的公共空间，每天都会有大量游客前来欣赏雕塑作品。

20世纪90年代以来，中国公共艺术实现了飞跃式发展，但学术讨论却陷入了停滞不前的状态。导致这种情况出现的原因，并非是艺术品数量匮乏，反而是因为公共艺术在珠三角的发展，使全国各大城市争相模仿，导致劣质公共艺术大量涌现，舆论声讨也随即出现，从未停止，且始终没有被遏制。截至2011年，北京地区人口的地标设计和河南省大型宋庆龄雕塑的争议依然存在。对其进行思考，可以发现公共艺术的泛滥，在当前时代可能不会被遏制，究其原因，主要是随着社会经济的不断发展，政府需要通过公共艺术，对城市空间进行改造，以此来创造就业机会，在促进地区经济发展的同时，打造城市文化。事实上，这种弯路是公共艺术发展到一定阶段的必经之路，不是我国特有的现象，属于公共艺术领域的共性问题。简言之，城市发展使城市空间不断扩大，政府和人们对公共艺术提出了更高的要求，在这种趋势下，公共艺术必然会快速发展，但其质量却很难得到保障。但考虑到艺术家审美情趣与普通公众审美情趣存在不兼容的特点，如果对主观艺术过分强调，可能会导致艺术作品丧失公共价值，这样的艺术作品不具备成为公共艺术的资格，只是艺术家浪费公共资源和空间以及宣泄个人情感的不当行为。以《倾斜之弧》为例，这个作品由艺术家理查德·塞拉创作，雕塑位于纽约联邦广场，通过对大型钢铁铸件的使用，冲击人们的视觉感官，促使其产生强烈的心理波动，但这件作品却起到了反作用，具体表现为钢铁幕墙将整个广场一分为二，与周边环境已有元素形成了非常强的艺术呈现形式，艺术家的内涵目的得到了完整地呈现。但政府部门考虑到公共安全后，于1989年将作品拆除。该事件在发生后，学术界对公共艺术在雕塑领域之外进行了深入的思索。认为公共艺术不能仅局限在雕塑材料之中，应具备多元化的特点，只有这样，才能更好地走入普通人的生活之中，成为被公众所接受的艺术[3]。

三、博物馆在公共艺术2.0时代的意义

基于传统意义而言，博物馆并不属于公共空间，至少在文艺复兴之后近百年的时间内，博物馆只是达官贵族和知识分子所构建的图像知识学体系，可以满足贵族阶层的视觉和艺术追求，艺术应有的内涵，也被视觉愉悦和陈列所压倒。博物馆与博物展览制度结合后，为艺术品的展出和创造，提供了有力的支持。博物馆在对外开放后，是否会成为新的公共空间，成为公共艺术领域的热点话题，但在国家和政府部门的经营视野下，博物馆与公共空间之间的关系并不紧密。在查阅资料后得知，目前，进入博物馆的群体，依然以高收入和高学历人群为主。以美国博物馆为例，美国博物馆每年所吸引人数占城市总人口的30%以上，但在参观人数中，有50%以上属于高收入阶层，而75%以上参观者具有本科以上学历。而收入和学历水平较低的参观者，其人数仅占5%左右。与美国相比，国内博物馆在2008年之前，依然存在收费的现象，这些费用成为阻挡多数人进入美术馆的重要因素，如果没有学校或公司组织，部分人可能一生都不会踏入博物馆。在这种情况下，博物馆与民众和公共艺术之间的距离逐渐被拉大。

在2008年后全国博物馆实施免费政策，为中国公共艺术2.0时代的到来，创造了有利的条件。与此同时，也使博物馆经营者和管理者面临新的问题，长期以来，当代艺术在博物馆内展出，所受到的阻碍较少，艺术家还会以博物馆为载体，对艺术边界进行拓展，从而推动艺术的发展。艺术家和博物馆都清楚，不管是什么艺术，如果仅在博物馆这一狭小的空间内展出，对于全球艺术文化发展而言，都只不过是杯水车薪。因此，博物馆和艺术家需要对展品、收藏和专业观众之间的联系进行深入探索。但在博物馆对普通群众全面开放后，就会导致新的公共空间产生，此时，博物馆需要对旧有制度进行优化和完善，通过这种方式，加强艺术家与博物馆之间的互动，从而推动公共艺术的进一步发展。

四、结论

综上所述，公共艺术无疑是当代艺术未来发展的重要趋势，在公民社会尚未形成的情况下，任何与大众审美不符的公共艺术都会受到口诛笔伐，这也是当代艺术迟迟无法融入实体公共空间的重要原因，导致雕塑、壁画等传统公共艺术形式依然是现阶段的主要公共艺术。中国博物馆免费开放有助于公共艺术的发展，并开启了公共艺术2.0时代。在这一时代下，公共艺术创作者应该将目光投向博物馆，通过对现有制度的利用，促使观众对公共艺术，形成正确的思想认知观念。相信在不远的将来，现代艺术家与博物馆的有效互动，会成为推动公共艺术发展的重要力量。