色彩的解放<br/>——印象派绘画将色彩从形体中解放出来

色彩的解放
——印象派绘画将色彩从形体中解放出来

2021-01-28

大众文艺 2020年12期

（安徽当涂文化局,安徽马鞍山 243100）

大家可能在看完摘要内容之后非常想了解的一个问题就是，几百年前一直被认为附庸于形体的色彩是怎么从古典绘画中脱离出来的呢？接下来就让我来带领大家去直接进入这个问题的探讨，其中起着非常重要作用的绘画派别就是印象派和初期的抽象派的西方美学，其起到的作用就是直接让色彩从形体中脱离出来。古典的艺术在形体和色彩方面的侧重点是形体，色彩被认为只是属于形体的一种附属形式，色彩并没有被赋予太多的意义，例如：在称为文艺复兴三杰之一的米开朗琪罗篇幅非常之长的作品中，他所绘画的人物并不具备任何的色彩气息，其绘画中的色彩都被米开朗琪罗通过细密的调和进而近乎完美地融合到形体当中去了。

最终使得西方古典美学得到终结的印象派，其作为西方艺术的白话文运动，其使得那晦涩难懂，表达意思过于婉转的文言文式的美学得到埋汰，印象派作为文言文美学的终结者的同时也担任着西方美术通往现如今美术时代的出发点的角色。莫奈作为印象派的代表画家其在绘画的生涯当中对于造型一向都不是很上心，莫奈也是首个将光与色彩表达在画布上的画家，其系列代表作中的《睡莲》就是一个很典型的例子，他所创造的这系列作品的造型一向都是比较潦草的，但其色彩却让人看的感到非常愉悦，脱离了形体的色彩将莫奈想要表达的情绪表达得淋漓尽致，那不同颜色之间的切换让人们感受到作品主人心中的真实情绪，作者那喜，怒，恐惧，悲伤等情绪在那色彩的转变之中表现得淋漓尽致。这也是色彩第一次在画布上呈现出来，其已不再被形体所束缚，当光与色彩作为画画的唯一体现的时候，此时的色彩就像是被赋予了新的生命，即便此时的色彩不再作为形体的附属成分出现在画布上，色彩自身仍然具有其自身的意义，色彩作为整张画布的灵魂般的存在，绘画者想要表达的客观的事物和情绪在色彩中得到了充分的表达。塞尚，被后世称为“现代艺术之父”，塞尚对于印象派与立体主义画派来说是起着非常重要的作用的，《玩纸牌者》，是塞尚的代表作之一，这幅画中的所能看到的所有东西都是用一片又一片的色彩组成的。塞尚主创用“色彩效果”去替代“造型”，简单来说就是：塞尚想通过不同色域中颜色的有规律性的变换去增强形体的塑造。塞尚通过这种方式获得了属于他自己的成功，其原因在于：农民在生活中的态度通过这样一种坦诚爽快的方式表达了，并且还是通过色彩去表达的。因为色彩本身特殊性，使得其无视事物的形状，无论是红色三角形，还是红色五角星，其颜色都是红色，色彩本身就是一种很好的情绪表达物。色彩能在后期绘画工艺以及诞生于工业革命后的设计领域中起着重要作用的原因是：印象派绘画使得色彩本身就具有的神韵得到了绽放。印象派绘画并不像古典主义那样将绘画艺术放得很高，古典主义绘画只是将绘画艺术当成了人民应该追求的一门艺术，印象派绘画的目的之一就是希望将艺术带入更多人的内心当中。野兽派是继印象派后产生的另一个派别，虽然属于不同的派别，但两者都是让色彩在画布上得到比较好的绽放，都是利用着再简单不过的线条，和在艺术家看了显得略微夸张的颜色去使得色彩得到绽放。在欧洲的传统绘画中的色彩也在野兽派的艺术家那得到了解放，从那时起，色彩获得了自由，再也不用依附于任何一种形体之中，这也间接的表明绘画者用色彩表达自己想要的作品的情况得到了实现。如果想要运用色彩去表达自身情绪和视觉视角，那就需要将不同色彩合理的搭配起来，因为每种色彩都表达着不同的情绪和视角，在现代的绘画和设计中，色彩搭配问题常常是艺术家们常常会遇到的问题。现代设计师在开展工作的时候，要根据所接受项目的风格去选择合适的主色和帮衬的配色，这个是设计师在工作过程中必须要做的一件事。那如何给客户设计一个简单清晰且能带动客户情绪的产品外观呢？其中色彩在此方面起着非常关键的作用，通过色彩的选择与搭配，去将产品的个性展现出来。

一、米开朗琪罗：色彩服务于形体

在西方艺术的发展史上，米开朗琪罗可以算得上是一名影响力很大的艺术家，他画布上的画面充满了细节，且对细节的处理也是恰到好处，细节之中彰显着希腊文化中的人形体上的美，那健康强壮的身体，表达着作为希腊人的那种骄傲。在几百年前的文艺复兴时期的艺术作品大都表示着对人体形态的崇拜。达·芬奇，米开朗琪罗等艺术家的作品中人体的形象为：如同雕塑般健壮结实。米开朗琪罗的作品常给人一种画里的人物栩栩如生的感觉。从中我们不难发现文艺复兴时期的艺术作品之中色彩常常起着辅助性的作用，在整个作品中你很难发现其中会有一种颜色非常的鲜艳或者非常的暗淡，色彩都是被调和后，然后融合到作品当中，附属于形体，为形体服务。例如：在壁画《最后的审判》中，上帝的形象为：无论是皮肤还是衣服都是呈现着一种明暗关系的浅灰色，在袍子上的紫灰色也只是淡淡的，画中最显眼的要数从上帝耶和华绸上飘落下来的绿色绸带了，这是因为绸带的主色就是绿色。米开朗琪罗对于希腊人的身体中的阳刚之美的那种爱恋也是并没有通过色彩去表达，而是通过对壁画左边斜躺着的亚当身体的刻画去进行简单朴素的表达，亚当那健硕的肌肉也只是通过明暗的转化去塑造着，并没有用明显的色彩去描述，亚当背后也只是通过浅淡的颜色去勾勒。从以上的文艺复兴时作品的风格我们不难发现色彩在当时只是以一种服务于形体的形式存在着，色彩的生命力在当时并没有得到绽放，形体才是当时作品的吸引人之处。

二、莫奈：色彩摆脱形体

莫奈，其创作的《日出·印象》在印象派画家的第一次联合展览的时候震惊了当时在场的各位艺术家，因为这幅画中并没有走之前的风格，并没有像之前那样特别注重形体的构造，而是通过走出那密闭的画室去大自然中寻求绘画的真正的意义，去室外寻求着看不见，摸不着的光与影，而且在印象派出现之前，类似于光与影这种相比于实体物品显得比较虚无且有缥缈的东西都并不是画家特别愿意去商讨的话题，此外在莫奈的这幅作品中并没有健硕的形体，有的只是略显松散的色彩，人对画面的印象往往就是一瞬间的事，莫奈的这幅画给人的第一印象就是：日出时海边港口的光与影。这幅画中并没有突出形体，恰恰相反的是这幅画中的形体成了颜色的载体，画中的每一笔似乎都变得具有活力起来了，表达着光与影以及作画人当时想要表达的情感。印象派那革命性的存在使得其向古典主义宣战的过程中取得了胜利，最终色彩也是第一次被救活过来了。

三、梵高：色彩的神韵

梵高的名字几乎是家喻户晓的，文森特梵高，被后人尊称为太阳之子，他所创造的画画对于热情、奔放与温暖等情感都是有着比较好的诠释的，梵高也曾说过这样一句话：“其实在每个人的心中都存在着一团火，虽然大部分路过的人看到的只有那浓厚的烟雾。但是总会存在着这样一个人，能看到隐藏在浓雾中的这团火，然后朝着火的方向向我走过来，陪我一起。”

梵高的绘画风格和其他艺术家有着一定的差异性，后世的美术研究者们将梵高的作品归类于后印象派的行列当中，在梵高的作品中常常融入着印象派中鲜艳亮丽的色彩，有些作品中在表达自己想要表达的情感的时候都是完全用色彩去表达，甚至在画中有着很多的画面采用的表达方式都是纯平面的，这是因为在后期巴黎受到了印象派的冲击，让当时的画风都变得“亮”起来了。梵高在有生之年常常被精神疾病所折磨，这也导致其作品中更多的是其精神世界和情绪的体现，其画风直接颠覆了当时古典主义者对形体美的认知。同时也在梵高的那个时代，绘画的意义不再是对形体美学的追求，不再是对神的描述，也不再是对英雄主义的推崇了，而是绘画者对自身精神世界的视觉体现。梵高的代表作之一：《向日葵》，向日葵，一种植物，具有自己的形状，但在梵高的画笔上，画中的向日葵却全然没有具体的形状，画中的向日葵给人的第一印象为：那一抹抹黄色在那画布上呈现了一副生机勃勃的景象。梵高创作这幅作品的背景为：梵高字等待自己已经期盼很久的真挚的好友高更的到来。梵高想通过这幅画去表达自己对好友即将到来之时的那种迫切的心情，从这幅画所展示的画面中我们可以比较直观地感受到梵高那粗狂以及热烈期望好友尽快到来的那种的情感，在这幅画中色彩的生命力也是被运用地淋漓尽致。色彩也在这幅画中展现着其生命力以及其力量之大，梵高对色彩的真诚运用让色彩从画布上脱离出来了，让色彩仿佛具有了生命。其实色彩从古至今都并不是简单的附属于形体，它在画布中其实是有着很强大的力量和丰富的表情的，只有画师对色彩的真诚运用才可以让色彩真正意义上从画面中活灵活现其来，体现其独特的韵味。再例如：在法国圣雷米的时候，梵高创作的《星空》，在这幅画中我们可以对梵高当时的主观世界有比较清晰的了解，在这幅画中通过颜色强与弱的对比，将画面带入了一个非常神秘的地方，这幅画仿佛具有某种神奇的力量吸引着旁观者去对梵高的心思进行不断的揣测。