论专业音乐教育中音乐能力培养的问题

季天然 （江苏省南通市启东市文化馆 226200 ）

一、内在听觉的培养

内在听觉是表演者在表演之前将旋律在内心的显现。当表演者发出乐音以后，他的判断行为并没有终止，一方面需要继续在心里构建即将演奏的旋律，同时需要用敏锐的听力辨别自己的旋律是否有偏差，这是一项内在听觉与外在听觉相结合的审美活动。

布索尼认为真正的演奏技巧并不是肢体的控制能力，而是牢牢存在于大脑里的思维。当盲目不加任何思索地练习时，会发现错误一直在不断重复，这就必须培养学生的内在听觉，比如它即将出现的音响，在大脑出现某种理想典范的东西。 “于是你就在你所处的看似不太合适的场所开始‘练习’……这种‘练习’方法不仅有益，而且还特别有趣。”很多演奏家都习惯于在演奏之前将音乐作品在大脑里进行梳理，这让即将进行的演奏更具有完整性，作品的诠释也更加完美。俄罗斯钢琴家格里戈里·金兹堡认为头脑中的想象让作品中的音乐表现力更加精准。内在听觉的重要性已在众多音乐实践中得以体现，它是音乐表现力的必要条件，也是众多专业音乐者毕生追求的一项技能，对内在听觉的培养，决定了音乐人才是否能在专业音乐道路上走得更远。

二、音乐审美能力的培养

对于音乐工作者来说，音乐实践离不开审美能力。音乐是表达人内心情感的一种语言，当音乐被放在艺术角度来审视，它不仅仅是流动的音符，更是人类情感的升华，当我们去感受音乐时，会不禁被它所触动，这就是审美。

审美很大程度上归功于相对的文化底蕴，它决定了对音乐表现的深度。与其说一部伟大的音乐作品表现的是一段优美动人的音乐旋律，不如说是音乐家在用人生的阅历和深厚的情感在表现跌宕起伏的人生。音乐最终的目的是体现一种听觉美感、深厚的情感，而不仅仅是流动的符号。同样一部作品，怎样表达才最真实、最富有音乐价值，取决于学生以什么样的审美去审视音乐。改革开放后新的思潮冲击着我国的文化氛围，诚然，西方音乐文化为人类音乐的发展作出了巨大的贡献，但是中国文化的深厚底蕴润色了历代中华儿女，有独特的艺术价值。鲁迅先生在《且介亭杂文集》中说过：“只有民族的，才是世界的。”学习专业音乐知识，不是为了重复过去，而是应该发展我们自己的音乐。无论是李斯特、肖邦、鲁宾斯坦，还是萧友梅、聂耳、冼星海，没有一位不是怀着对祖国的满腔热情和深厚情感去表现音乐的。

三、音乐想象力的培养

音乐作品的价值之一在于真实的表现，这就需要丰富的想象力作为音乐表现的支撑。乔治·艾涅斯库曾经说过，他在演奏巴赫奏鸣曲时，如果不置身于18世的话，将很难把作品完美地表现出来。丰富的想象力是演奏者不可缺少的音乐能力。

表现一部作品不是空洞地重复一份乐谱，而是一种情感宣泄。对于受教育者来说，需要在内心建立一种想象意识来探索音乐家力图表达的情感。一份乐谱并不能代表作曲家的所有想法，即便可以很完美地演奏音乐，但是有价值的音乐不仅仅是重复别人。舒曼认为，在音乐想象中融入的思想，会对视觉、听觉起到一定的支配作用。视觉将音乐所表现的形象以清晰的轮廓显现出来，但是音乐中所表达的更深层的情感和内涵，是需要丰富的想象力来进行构建。想象力是艺术得以自由飞翔的翅膀，丰富的想象力可以挖掘出音乐家内心深处潜意识的音乐动机，无论是在创作初期还是后人进行二度创作，想象力始终贯穿于音乐作品的完美诠释中。苏珊·朗格在《情感与形式》中曾说：“创作需要各种技艺或技巧……但是，技艺、技巧并不是机械的、例行的陈规……每个艺术家都要发明自己的技巧，与此同时也发展自己的想象。”

四、音乐创造力的培养

音乐的表现应该具有创造性，任何音乐形式的表现都不应该是重复或者模仿。在学习音乐的初期，这些是练习基本功的途径。但是当学生的技术到达一个高度时，创造力所激发的内在潜能是不可估量的。一部音乐艺术价值最终的衡量点是区别与过去音乐表现的创造性的东西。指挥家亨利·伍德曾认为，艺术上的模仿将使指挥失去它的存在价值。苏联小提琴大师波利亚金和奥伊斯特拉赫同时演奏柴可夫斯基小提琴协奏曲，但表现的音乐却截然不同，波利亚金的音乐表现激情四射，充满力量，而奥伊斯特拉赫的音乐表现抒情委婉，细节处理得很细腻，如同潺潺流水温柔轻灵。不同的音乐家虽然演奏同一部作品，但是表现出来的音乐形象完全不一样，但具有自己独特的音乐个性。音乐创造力决定了音乐作品的诠释是否能得到延伸和扩展，也决定了演奏者音乐表现力的可塑性。

任何创造力不是凭空而起的，它必须建立在一定数量的基本功之上。在音乐基础没有打牢的情况下，绝不能一味追求标新立异，这样创作出来的作品很容易没有根基，经不起时间的沉淀。经典的音乐作品时隔多年人们依旧津津乐道，是因为除了作品本身具有一定的音乐价值外，更多的是拥有贯穿自身灵魂区别于他人的音乐创造力。

五、音乐技术的训练

技术是音乐表现力的重要条件，音乐作品的完美诠释需要足够的技术来体现。拉赫玛尼诺夫认为技术的熟练，是成为一位伟大钢琴家的首要条件之一。因此拉赫玛尼诺夫创作了大量具有相当难度的练习曲，为后人留下了宝贵的音乐财富。良好的听觉能力，丰富的想象力，创造性思维等因素都是音乐表现的重要条件，如何将这些条件得以实现？这就需要一定的技术作为支撑。“使音乐作品中的所有地方，每个最小的组成部分，都极致清晰。”这是古典主义时期音乐家在演奏中对于技巧的追求。正因如此，历史上各大音乐院校始终将技术的训练作为演绎优秀音乐作品的首要评判标准，音乐表现的自由需要有充分运用技巧的能力。

音乐技术需要身体机能、心理机能以及大脑思维的综合融合，更需要具备良好的思维能力。俄罗斯钢琴演奏家海因里希·涅高茨经常要求学生以非常慢的速度地练习华彩乐段，要求学生将一系列肢体动作以缓慢、平稳的状态进行移位，这就需要极其敏捷的思维能力来控制肢体的动作。很多时候学生习惯于用手来控制音乐的发展，但这在演奏许多难度较大的乐曲时会遇到极大的阻碍。随着音乐作品难度的增大，作品的表现更加复杂，肢体的动作需要更为敏捷灵活，因而良好的思维能力才是控制肢体、让音乐得以完美诠释的条件。技术教学应以一种循序渐进的方式进行，手的状态、内心的速度、听觉的速度以及心理状态都与整体的速度息息相关。列夫·尼古拉耶维奇·奥博林讲述道：“当我在弹奏奏鸣曲慢乐章时，我总是有意以更慢的速度来弹奏。”当任意一个因素都无法达到整体统一的状态，教师就不应当再对速度有所要求，而应放慢速度寻找科学的状态。

针对在专业音乐教育过程中出现的各种问题，我总结了较为突出的以上几点来详细分析。学生应该以客观的态度从最初的感性认识提升到足够成熟的理性认识；在音乐实践中以独立的思维方式挖掘自己的音乐潜能；面对众多音乐思潮，能取其精华、去其糟粕，树立正确的音乐价值观，学贯中西、洋为中用。当今系统学习音乐的学生越来越多，出现的问题也越来越多，专业音乐教育的实施面临着巨大挑战也肩负着重大使命。为培养我国更有水准的音乐人才，音乐教育者应深入进行分析、研究和总结，在自省过程中不断改进，为培养具有有一定创造力、可以担当我国音乐文化发展重任的音乐人才作出最大努力。