油画的色彩表现及技法运用

摘要：西方传统油画经过几百年的不断发展，在全世界广泛传播。油画艺术进入我国后，结合了各地各民族的特色不断创新，逐步成为绘画艺术中一种重要的形式，受到广泛认可。在传统油画的创作过程中，色彩和绘画技法是最重要的两个方面：作品中色彩的应用可以在极大程度上表达创作者内心的想法和情感，可以模仿自然中的色彩去真实描绘事物本身的面貌，也可以突出创新和奇幻的效果，通过主观上对色彩进行组合和搭配，利用物体的固有特征和创作者的奇思妙想，表达个性、展现自身的艺术风格。在技法方面，创作者要通过借助一定的绘画方式，选择适当的绘画工具来实现对画面中各个元素的呈现，最终展现更能体现创作者意图的画面效果，表达其内心的真实情感。本文将针对油画色彩表现形式和技法的运用进行探讨，以供行业内人士交流。

关键词：油画 色彩表现 油画技法

在几百年的不断发展中，油画已经成为世界范围内的主流绘画形式。油画擅长使用丰富且浓厚的色彩，展示丰富的画面效果，因为颜料的覆盖力强，所以，油画更能通过色彩深浅和叠加效果展现作品的生动性和立体感。随着色彩原料的多样化和色彩学的深入人心，人们对色彩的认知更加全面和深入，同时对艺术作品的欣赏不止停留在表面，也更加关注其创作过程和绘画技巧，所以这也要求创作者在油画作品中精研色彩和技法使用方式以创作更多喜闻乐见的作品，为油画艺术长久发展带来持续活力。

一、油画中的色彩表现

（一）色彩的重要性

自然界的万物都有其独特的色彩，人们也无时无刻不在和色彩接触，色彩避免了生活乏味和无趣，也是丰富人类生活趣味的重要影响因素，色彩对人的视觉充满刺激，所以色彩的运用尤为重要。此外，随着现代色彩学的应用在人们生活的方方面面逐渐渗透，色彩已经成为艺术作品是否能够获得成功的决定因素之一。从色彩本身来说，具有先声夺人的作用，它是欣赏者最直观的感受，是直接传达给观者的，所以，色彩奠定了油画作品的整体基调，能决定作品的影响力和感染力。从色彩对感官的刺激来说，它可以起到感官交互的引导作用，例如，在看见红色时仿佛可以感受到身体躁动和情绪的激越，味觉上也能有辣感或者刺激感。在现代油画作品中，主观表现已经成为一大创作方向，所以提高作品观赏性和引起观者情感共鸣要从色彩着手，借助最直观的表现有效地传达作品中蕴含的情绪和态度。

（二）油画色彩对情感的表现

油画色彩的运用主要有两种形式，一种是现实主义，根据真实的场景进行尽可能地还原，以给人带来身临其境的感觉，带给欣赏者沉浸感;另一种是超现实主义，这种形式下创作者会对现实物体进行变形或者扭曲以达成某种特定表现，同时，选择色彩时会根据内心的感受或者想表达的情绪进行创作，或夸张或完全相反，以带来更加强烈的冲击感和力量感，强调对欣赏者的视觉刺激和精神引导。从油画作品诞生至今，不乏优秀的艺术家借助色彩的使用在艺术史上留下浓墨重彩的痕迹。例如：荷兰印象派画家梵高，他本身对绘画有着极高热情，创作作品时情绪也比较激动，所以，从他的大部分作品中可以看到色彩鲜艳、色调强烈、明亮度高的特点，以及其对色彩的运用大胆且夸张，配合富有情绪、充满动态感的线条感，给欣赏者带来强烈的视觉刺激。这样的作品极具活力、动感和生命力，也是梵高对生命的积极探索和对艺术的狂热追求。在他的代表作《麦田上的群鸦》中使用橙黄色作为主要色彩基调，充满紧迫感，再使用绿色勾画出田中小径，将绿色的小径线条和黄色的麦田色块交叉，形成色彩对比和冲撞，传达出不安的情绪，再点缀以急促的黑色表现黑鸦运动时的快速，更能让人感受到催促感，即使过了几百年人们还是可以通过其画作感受到其创作时期狂躁的精神。在其几幅自画像和描绘星空的作品中，梵高使用色彩鲜明的短线条和旋涡用来展示其思维的跳脱性和内心的纠结感，是其不同生活阶段的写照。同样，爱德华·蒙克“心灵现实主义”之称也源于其色彩强烈的作品。因其童年时期受到的心理影响较大，所以他的作品情感较为悲伤且具有强烈的压抑感。一般来说，许多创作者会以蓝色描绘出平静的环境，但其代表作《呐喊》中使用黑色和红色塑造人物形象，让人感觉血淋淋的伤害感，虽然同样使用蓝色作为海面的颜色，但是更多的是恐惧感，营造出抑郁的氛围，让人仿佛能亲身体会到伤害。但不是只有对比强烈或者饱和度高的色彩才能表达创作者的情绪，例如，赵无极就更多地将西方古典绘画技巧和东方文化意蕴相结合，相比之下更显得情绪内敛，体现东方人更加平和以及追求中庸、平衡的态度。他的代表作《无题》整体选择的色彩都是平静祥和的色彩，对比度较低，色温也更加偏暖，虽然使用大量棕黄色调的色彩，但是通过深浅变换和笔触细腻过渡，展现出更加轻盈的效果，通过赵无极的作品可以体会到中国传统美学的审美内涵以及轻灵柔和意境的塑造。当观者在欣赏时气氛更加舒缓，也能体会到其无所拘束的安逸生活态度，以及和艺术浑然一体的状态。

二、油画技法的运用

在油画创作和发展的过程中，技法是影响其绘画成果质量的重要因素之一。技法所包括的内容比较宽泛：不仅有素材的选择还包括绘画布局以及绘画手法等，所以，创作者要不斷思考和实践油画技法，以提高自身实力。

（一）素材选择

传统西方油画作品有很多是宗教题材，但随着油画艺术在世界范围内和各民族文化不断融合后，油画题材逐渐丰富扩展，素材的选取大多数来自创作者周围实际存在的事物，以我国油画作品为例，素材的选择更多的是转向更生活化的风土人情和普通的民众，不仅展现了对自然生活的追求、朴素的愿望，更能引起受众的情感共鸣。比如，创作者会通过描绘废弃的街道和街道两旁的老旧建筑渲染一种萧瑟的气氛，表达画者内心孤独寂寞的情绪。例如，在我国70年代末期，一些创作者在乡村生活过程中，致力于描写乡野风景，其中非常有名的作品——何多苓的《偷走的孩子》，是乡土自然主义的代表。

（二）布局和构图

布局和构图是绘画作品中重要的基础元素，因为布局和构图奠定了整个作品的基调，是油画作品的首个步骤，同时技法和形象塑造、细节描述、颜色运用共同影响作品质量。在对大场景进行确定时，要明确角度的选择和细节的处理，比如画面留白与否，画中物体的摆放，人物的位置呼应关系、动势都要进行尝试，考虑到多种元素的组合效果，最终确定布局和构图，实现更加有层次感的绘画效果。

（三）油畫技法的运用

15世纪后的欧洲是油画技法发展最为繁盛的地区，卡拉瓦乔、伦勃朗等作为这一时期的杰出画家代表，他们在绘画过程中总结和所使用的绘画方法也是后世学习的教科书，是经验中形成的古典技法。一些人会错误地认为油画或者整个西方绘画艺术都不重视对工具的运用，但实则相反，油画作品的工具主要是画笔和画刀，每个创作者都会高度重视对工具的运用，正所谓“工欲善其事，必先利其器”。因此，创作者要掌握和运用正确的行笔方法，才能更好地将自己的想法和情感表现出来。油画的笔法包括点、涂、堆、拖、抹等多种类型，所选择的工具尺寸大小不一致，下笔的力度和角度都有差异。具体来说，油画的古典技法包括平涂、散涂、薄涂、厚塑、综合画法等。各种媒介剂的选择和使用，描绘方法和步骤，更体现着艺术家深深的个人烙印，某种程度上决定着艺术家的成就。

拉斐尔、达·芬奇等且擅长运用平涂法，这种技法可以更好地隐藏笔迹，做好笔画之间的衔接，降低油画下笔过程中的生硬痕迹，该种技法是16世纪和17世纪油画发展运用最广泛的。与之相反的是散涂法，这种画法强调笔画的存在感和明显的分散效果，借助笔触的大小和下笔的力度，充分提升油画作品层次感和突出自身风格的展示，更凸显画者随性的态度。此外，还有透明画法与不透明画法。这两种技法是发挥油画光影效果的主要形式，透明画法强调通透感，多数是使用透明色或半透明色来绘制作品以凸显光的投射效果，代表技法有文艺复兴时期的“格拉西法”，即创作者首先将颜料用调和剂稀释后，将较为透明的颜色一层一层涂抹在画面上，这种画法可以看成是颜色和技术的加法，利用色彩重叠的效果以及不同层的光透射强度的不同提升层次性。相对应的，不透明画法又称为厚涂法，在绘画过程中更多的使用白色颜料对画面进行调整，强调光反射作用。创作者首先选择适当的颜色覆盖画板，然后使用大量颜色进行绘制，通过画笔大块涂抹的方式甚至刮刀进行拖色来实现创作目的。目前，现代画家在吸收以上多种油画技法后形成更为综合的画法，既和古典时期的透明罩染法不同，也区别于不透明涂抹法，而是兼顾素描的清晰度和色彩明暗关系，和谐使用薄厚画法，使画面更加生动、更具表现力，以满足欣赏者的审美需要和实现创作者对自身情感的充分表达。

三、结语

综上所述，油画在欧洲产生、发展至今已有几百年的历史，在此过程中艺术家不断精进技艺，对绘画艺术的发展起到了重要影响。创作者对油画的内容选择和着色技法都因为时代的影响有所差异，但油画基本技法和颜色运用是具有共通性的，这直接影响了油画作品的成败。除此之外，艺术是无国界的，但具有个性、民族、时代等差异性，不同国家和地区在其历史和当前社会环境的氛围中会潜移默化地形成各自的特点，加之每位作者情绪变动而流露出的创作个性，在色彩和技法的认知和使用方面存在差异性，因此，在优化创作过程中要充分了解和尊重这些差异，汲取艺术传统的精华，在色彩搭配和素材选择上不断创新，在技法上不断精进，从而创造出更多高质量油画作品。

参考文献：

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[2]苏小琴.论述油画主要绘画技法及其实际应用[J].艺术品鉴，2018（15）：33-34.

[3]徐强.油画材料和绘画技巧在油画中的综合应用分析[J].音乐时空，2019（18）：38-39.

（作者简介：张光佐，男，本科，江苏省宿迁高等师范学校，讲师，研究方向：美术教育）

（责任编辑 刘月娇）