钢琴教学中对弹奏音色的把握研究

□郭元帅 中央音乐学院

一、音色在钢琴弹奏中的重要性

音色就是声音的色彩及特征，不同的发音体性质、形态，还有泛音的产生数目不同，呈现出的声音也有所不同。无论是器乐还是人声都会有不同的音色，不同的演奏家在同一架钢琴上弹奏出的音色也有所差异。因此，由于演奏者的不同，使得音色也丰富多彩。在钢琴演奏过程中，追求的是对美妙音乐的感受能力以及认真体会作品的感悟，从而形成独特的音色表现。

我们经常可以听出乐器学习者不能很好地掌握音色，一种是由于其能力有限，不能完美地控制好乐器的弹奏力度；另一种是由于反复演奏，不能将情感融入其中，使演奏曲调平淡无奇，弹奏不出美妙的音色。这就是所谓的“缺乏乐感”。在弹奏钢琴的过程中，倘若我们只是将大量的时间耗费在如何弹响音符上，这样付出的学习代价太高，并且没有任何学习的意义。然而在教学过程中，教师经常按照乐谱上的音符去规范地进行演奏，这样导致学生机械学习的后果就是辨别不出是莫扎特还是肖邦，从而将学生的音乐表现力扼杀在摇篮中。在演奏时，面部表情、弹奏速度都极其重要，但是我们需要明白，与气韵充盈的音乐作品相比，这些标记过于平淡、粗糙。规范地进行演奏固然没有问题，然而，规范从消极的角度来看，却是对自由以及创新的束缚，往往导致满怀激情的钢琴作品与古板的练习曲“混为一弹”。笔者认为，在钢琴教学中，要想克服这种教学上的不足，就要强调体会及把握音色的重要性。

二、钢琴音乐在不同时期的色彩

钢琴演奏的音色多种多样，将各类钢琴音乐作品的风格体现得淋漓尽致，通过每位演奏者的不断丰富，使我们更直观地感受到音乐的魅力。在巴洛克时期，古钢琴音乐的风格典雅清新、结构缜密，尤其在洛可可晚期阶段，风格更为精致小巧。在宗教意识的熏陶下，往往呈现出更为庄重的风格特点。巴赫的钢琴作品注重的是华丽的装饰、典雅的风格及精细的音响，用以表达自我奉献的精神及崇高的信仰。在巴赫的“前奏曲与赋格”中，只能用手指来完成各种声音的变化与统一，此种演绎风格一直传承到古典主义时期。

古典主义时期，具有代表性的演奏家是海顿与莫扎特，他们的钢琴音乐都强调晶莹剔透的音色、富有活力的节奏及圆润优美的声线，来体现古典主义时期独特的典雅气质。例如，莫扎特的钢琴奏鸣曲，大多是用手指创造出明亮干净的音符，而贝多芬表达出的大多是积极向上的乐观精神及人性的光辉，音色更加千变万化。

浪漫主义时期，在创编及演奏音乐作品的过程中，演奏家强调的是对音乐的艺术感受，抒情婉转，情真意切，跌宕起伏，对音色的要求丰富多彩。例如，肖邦的《夜曲》，细腻、柔和，好似身心都在默默地倾诉；然而，李斯特所表现出的风格又有所不同，如《西班牙狂想曲第二首》，要求声音洪亮，利用令人惊叹的和声，渲染出雄浑的气势，来表达内心的澎湃之情。通过应用丰富的踏板，使音色更加多变。

在印象派的钢琴音乐作品中，主要目标是捕捉自然界的瞬间印象，不专注于细腻的“线描”，主要通过作为色彩的和声来展现音乐，并且利用踏板以及突破传统的和声来刻画事物所渲染的气氛。例如，德彪西的《版画集》，其中第三首“雨中花园”所运用的是连续的快速音型，再与平行和弦相结合，通过光线的明暗对比，用独一无二的音响刻画出雨中花园的景色。然而，在现代派的音乐作品中，节奏更加多变，和声更加繁杂，表达出一种异想天开、斑驳陆离的音乐风格，大多数的音色都比较生硬，体现出在工业文化发达时期，物质给人性带来的扭曲、残害以及人性绝望的反击。例如，巴托克在《野蛮的快板》中，把钢琴当作打击乐，通过疯狂地敲击琴键，来表达音乐作品独特的风格以及不同的情绪。由于每个钢琴音乐作品的风格与个性不同，对音色的要求也有所差异。倘若摒弃对音乐作品本身的理解，机械地弹奏乐符是不可行的。

三、弹奏音色的影响因素

依照笔者在钢琴弹奏教学中的亲身经历，笔者认为在钢琴弹奏过程中，影响弹奏音色的因素主要有以下几点：

第一，优质的音色和弹奏的方式有直接的关系。手指在不断地跑动弹奏时，会发出晶莹剔透、纯粹干净的声音，通过手指跳音则可以传达出一种欢快愉悦的心情，若是用手臂的“重量”弹奏，发出的声响则是雄厚、有力量的。第二，优质的音色与触键的方式也有关联。通过指尖来触动琴键，发出的声音较为单薄，若是用指面的第一关节来触动琴键，发出的声音较为细腻、淳厚。第三，优质的音色与运用的踏板有关。踏板不同或者使用的方式不同都会使弹奏的声音有所不同，踩动踏板的深度在不同程度上也对音色造成了不同的影响。

演奏家在进行钢琴演奏时，首先感受到的就是乐曲的音色，然后通过不同的演奏方法、不同的踏板应用、不同的触键方法，产生不同的音色效果；之后练习演奏乐曲的速度、面部表情以及自身对音乐的情感，从而形成具有个人魅力的音乐风格。