“无题”的当代艺术

田雨婷

摘 要：当下的艺术世界，似乎已经进入了一个“无题”的阶段。在这个阶段里，我们已经不知道该用什么去评判什么是艺术了，因为艺术的范畴过于宽广，究其原因，在于艺术丢失了它美的标准。本文旨在从当下的艺术现场出发，总结当代艺术呈现出的“无题”特点。

关键词：当代艺术;无题;现场

现代艺术以来，以“无题”命名的艺术作品大量涌现，包括杰克逊·勃洛克、德库宁、马克·罗斯科、罗伯特·纽曼等艺术家纷纷创作出一系列“无题”作品。

现代艺术中的“无题”更多的在强调艺术家们对“何为艺术本质”的追寻与探索，他们强调艺术的媒介性，让绘画回到承载绘画的二维画布上，放弃一切可辨识的形象。回顾此前的艺术创作，艺术似乎从来未脱离具体的形象，即使是对虚拟的“基督”的想象，艺术家们也会用“人”或者“圣物”来表达他的存在。所以我们会发现，在现代艺术来临之前，艺术作品都有一个确切的作品名，标志它的完成与独特性。

二战以后，现代艺术的宏大叙事被“拆毁”或者说终结了。这种“大”的神话被拆解成为个人，日常的“小”神话。任何物件、人物等日常平凡物都可以被创造成非凡事物，因此也就形成了“日常神话”。“日常神话”带来的是，艺术家们像人类学家一样，不在创作形而上，或者过去的事物，而是将视线的焦点集中于现场，放置在日常生活，把自己当成现实生活的观察者，在日常中与艺术相遇，叙述属于“个人”现实艺术。

只要我们用感官感知世界，我们就能分辨出什么是美的。这样一句话，在当下已经失效了。上世纪以来，美学的观念发生了重大的转变。亚瑟·丹托在其著作《美的滥用》中说：“好的艺术未必美（Good art may not be beautiful）。”美不再是判定作品是否为艺术的标准，而不论艺术媒介还是创作手法的多元性，都使得艺术世界的范围被模糊了，它可以与商业、可以与音乐、可以与一切结合。

显然，当下的艺术不只有一种可能。至波普艺术开始，打破了精致艺术与大众艺术之间的界限逐渐被打破。安迪·沃霍尔的布洛里盒子让商店里的日常物也散发着独特的意味。可是这样的艺术与生活的区别在哪呢？

美——消失了。美在艺术现成品与生活用品之间已经无法用美学来理解了，因为两者之间太像了。艺术作品不再需要用美去衡量，也可以找到言说的意义。所以我们就需要换一种眼光来看美了，就像我们不能将艺术局限在单一的审美中一般。正如上述提到的，艺术作品之所以能为艺术，是观众在和作品的交流中，产生了火花。在这里我们可以把火花简单理解为对观众感知的触动。那么这种触动不仅来自作品的外在形式，它还源自与艺术家创作作品时的思想。

于是，我们不能在凭借着作品的外在美去评判其是否为艺术了，因为往往艺术内在美并不等于其外在①。内在美的作用在于彰显将情感与赋予艺术作品生命的思想关联起来的形式，透过这些形式，思想得以呈现于人的感受。①简单的论证似乎无法让我们直接理解内在美在当代艺术发挥的作用，于是我们利用几件艺术作品来认识，并以此为当代艺术家提供一些创作的思路。

在艺术家曹斐的作品《亚洲一号》中，她构造了一个“未来”。讲述了在2021年，一名年輕的女工，一名男工和一个可爱的AI机器人在大型自动化物流中心“亚洲一个无人仓库”中工作。经过长期的孤独和重复劳动，年轻工人开始对彼此有特殊的感觉。但这种在平淡无奇的日常工作中形成的“非人类”沟通，使他们似乎陷入了  “人类”和“非人类”（机器人）之间的情感纠缠。

显然，简单的影响艺术试图带给人们感官上的和谐，产生一种美，这种美是自然的。除此之外它还美在哪呢？艺术家借用身边的工厂，聘用演员，搭建起一个未来的舞台。在这个舞台里，观众看见了艺术家塑造的未来，这个未来就是艺术家的思想。在这个思想里，又存在一种对人性的担忧，当人类的情绪逐渐开始被机器人影响，无法正常表达、倾诉自身感情时，何为人？又成了艺术家在思考的，而这背后又隐含了对社会制度的思索，对未来工业发展的思考。

《亚洲一号》的“美”正如，并非仅是影像媒介自身带有的，而是艺术家背后的思想给予的。正如，丹托对林璎的《越战纪念碑》评论时所说的，“我可以预见，即使在促成纪念碑诞生的那场冲突国家的记忆中已经淡去，譬如像1812年的那场战争，它仍会被视为是美的，而其美仍将内在于其意义。如同巴贝克的苹果树林，它不一定能治愈灵魂却可以提升精神。”当下，作品要涉及的不是用某种形式去再现眼睛所见之物，而更像是艺术家感知世界后的所得。因此，发现艺术的内在美，就成为挑战观众心智力量的天秤，是作品内在的美在突出媒介的力量，让观众与作品的互动中更容易、更生动的产生艺术的火花。

当然，这也并不是说呈现作品的媒介不重要了，因为各个媒介的特殊性，会给观众带来不同的外在审美体验，这种体验也会帮助观众理解作品。如在艺术家托马斯·萨拉切诺的作品《Web of Attentent（s）》中，他将76种类型的蜘蛛喂养在同一空间中，让他们吐丝织网，而艺术家会根据蜘蛛织网的进度调整织网框架的方向，帮助形成特定的形状。以此形成的三维雕塑构成了作品。再次凝视作品，观众看到的是蜘蛛网的美，而蜘蛛网的背后是托马斯·萨拉切诺，关于人、世界、生命的思考。蜘蛛丝就像是人与人之间的沟通，而蜘蛛丝的交汇形成了社群，这个社群看起来丰富——复杂的生态系统，暗示这人们固定的、复杂的舒适圈，这要在这个社群里便是安全的。可是有些人却游离在社群之外，可是从本质上来看，无论是在社群中还是社群外，它们都是同材质的东西。而这些看似已成定局的生态系统，却是由脆弱的蜘蛛网构成的，只要一阵风便可以打乱整个秩序。

显然，只要我们静下心来便会发现，在萨拉切诺的作品中，内在美的传递很大程度上都依赖于蜘蛛网这种材质的特性。

总而言之，当代艺术的发展已经步入了一种无题的阶段。在这个阶段里，艺术家让出了部分“著作权”，让观众成为做作品的人。在这个过程里，艺术家从制定作品游戏规则的人，角色逐渐弱化，让作品成为开放的文本，观众只需进入作品便是艺术家的成功。与此同时在艺术创作形式上的无拘无束，也让艺术边界消逝，艺术品可以出现在任何地点，带来展场的无题。

但值得注意的是，当代艺术的发展虽然进入了一种无题状态。但是艺术家始终是社会的客观一员，如果要捍卫艺术家的特殊身份，就必须做点什么。艺术家的创作，或许就是坚持把艺术作为一种感性经验，找到合适的表达方式，然后观众与作品交流，最后形成一种不同于固化、僵硬体制的事物，唤起观众的真实感知。在这一过程中，无题的现象反而给了艺术家更多的发挥空间，减少了创作的束缚，带给艺术更多的可能，艺术家要做的就是为个人经验找到一条出路，并观众带来新的真实感知。

注释

①丹托提及：“内在美”的理念，即物件之美是内在与作品的意义。而自然之美永远是外在的。亚瑟·丹托著 邓伯辰译：《美的滥用》，国立编译馆，2008年，第189页。

参考文献

[1]佐亚·科库尔，梁硕恩.1985年以来的当代艺术理论[M].上海人民美术出版社，2010.

[2]丹托.美的滥用[M].江苏人民出版社，2007.

[3]曾焱.观看的方式[J].三联生活周刊，2013，000（022）：108-111.

[4]费恩伯格，王春辰，丁亚雷.一九四零年以来的艺术：艺术生存的策略[M].中国人民大学出版社，2006.