打破舞台美术再创造中的壁垒——记2019 iSTAN国际学术周

宋牧原

“国际舞台美术联盟”（International Stage Art Network，简称“iSTAN”）是由联合国教科文组织国际戏剧协会（International Theatre Institute，简称“ITI”）与中央戏剧学院（The Central Academy of Drama，简称“CAD”）联合成立的总部位于北京中央戏剧学院的非盈利性国际联盟组织。其宗旨是彰显舞台美术魅力，启示戏剧艺术创新，目的是发展舞台美术行业、推动舞台美术教育、促进舞台美术资源的融合与共享。

自2015年以来，中央戏剧学院每年都会举办iSTAN国际学术周，宗旨是推动国际舞台美术在理论与实践方面的专业交流，鼓励舞台美术工作者之间的创造性协作，推动并保护舞台美术行业的自由发展与权益。通过展览、论坛、竞赛、培训、工作坊和出版刊物等形式，促进舞台美术专业人士在艺术上的创作和学术交流。

2019年10月16日～25日，“2019 iSTAN国际学术周”在中央戏剧学院黑白空间拉开帷幕，主题是“舞台设计，舞台造型体现，舞台技术”，邀请了国内外诸多舞台美术专家，除专业讲座外，还有学术交流研讨会和工作访的活动，目的在于探讨交流促进舞台美术设计、技术和造型体现学科的融合的方式方法，推动舞台美术的发展。

舞台美术具有“假定性”，也被译为“剧场性”，是因为所有的舞美设计和呈现都是在剧场之中进行，“假定性”是艺术的共同特征，但剧场又在技术层面上给舞台设计带来一定的“限定”。像中国知名舞美设计严文龙所说，“尽管有这样那样的限制，但是我们可以在允许的范围内自由地发挥。” 这就是舞台美术重要的“再创造性”，从设计到体现到技术，都有各自的限制，也都有创造的空间和余地，这是舞台美术的自由度，要把握并开拓这种自由度，在各自的领域内进行毫无界限的创作，关键在于打破其中的壁垒。

1 打破身份的壁垒，更能多视角积累生活经验

一个优秀的舞美作品是空间、时间的综合，优秀的舞美设计师除了对设计和制作的了解之外，也需要能同时配合导演、编剧、编舞等完成多项职能的工作，需要充分理解剧作的内涵和主旨，甚至能教之于人，这样才能把想要表达的东西淋漓尽致地展现给观众。舞美设计师应“是一个在所有方面都能抗把子的人”，关键在于打破身份的壁垒。

舞台美术师也被称作“杂家”，他们需要具有“多重身份”。美国剧场技术协会副主席凯文·瑞格顿的设计往往同时包含布景和灯光设计；国际舞台美术联盟副主席张庆山不仅仅是造型体现师，也是优秀的舞台设计……他们如今并不“专一”从事某一专业，但是他们在多个专业领域都保持优秀。

他们也可能在其他的领域从事过不同的工作，有过不同的身份，比如电影的拍摄和制作、建筑、场景设计等等，但不可否认的是，这些身份、经历都会丰富他们创作中的灵感，或多或少都能在舞台创作中体现出这些领域的影子，为舞台创作者烙上浓郁的个人风格。

优秀的舞台美术作品离不开多种行业角度的综合表达，需要多种角色的视角沉淀、生活的经验积累，国际舞美组织执委玛丽娜·瑞琪诺娃提出，“舞台美术教育的初衷在于培养全能型的人才。”全能型是舞美从业者的必需品质，需要打破身份的壁垒，具有多项技能。

2 打破文本的壁垒，使舞台美术更具整体性

2.1 打破文本的壁垒

舞美创作的依据和根源都归结到文本。所有的舞美创作者都必须具有理解文本的技能，并在文本中找寻舞美创作的重点和亮点，当文本作用充分发挥时，舞台美术的壁垒也会不攻自破。中央戏剧学院教授刘杏林说，“不能放弃任何文本中描绘的重点场景”；凯文·瑞格顿自创了一种通过分解和重构文本来寻找主旨进而设计创作的方法；作为当代青年舞台美术师的代表之一，中国戏曲学院副教授张武认为，“当代戏剧中，文本的作用在逐渐削弱舞台美术的限制。”

由此看来，优秀的舞美作品离不开设计者对文本充分的理解和表达。深刻理解文本内涵，充分发挥文本作用，打破文本的壁垒，是舞美创作者必须具备的素养与能力。

2.2 打破舞台各部门之间壁垒

舞台具有综合性，是由多部门沟通协调，通力完成的，从设计初期、制作、合成到演出，从制作车间、排练场地、驻地演出到巡演剧场，从剧作家、导演、演员到剧场和排练场地，从国内到国外，交流与沟通都贯穿着舞台美术的方方面面。

当各个部门进入到剧场之后，舞台美术的剧场性就愈加展现出来，在这个过程中少不了各部门和剧场间的粘合剂：合作与沟通。国际舞美联盟技术专家刘峰表示，“舞台创作过程离不开对舞台演出流程和舞台部门分工的了解。”

在研讨会中，关于“舞台设计和舞台造型体现的关系”的讨论印证了舞台美术的完成和完善需要多部门的共同努力和相互启发，协力解决问题，甚至赋予作品更深层次的内涵和意义。张庆山说，“跟不同的主创交流的过程充满了乐趣，都是宝贵的工作经历。”

一般来说，一部作品合作开始时间越早，沟通越频繁越充分，最后的呈现就越优秀。刘杏林在谈到《二泉映月》和《柳永》等多部戏的创作时表示，“舞台设计在案头工作完成之后也需要参与戏剧呈现的全过程，在这些环节中参与其他部门的工作，甚至提出建议”。

因此，舞台美术应当积极了解并参与到其他工作部门的工作中，交流沟通协调促进合作，打破各部门间合作的壁垒，使舞台美术更加具有整体性。

3 打破观演的壁垒，更好地将作品呈现给观众

舞台美术所进行的一切工作都是为了辅助演出的顺利进行，是演出的一部分，好的舞美设计应该具有退居二线的自觉性，而打破舞台美术观演的壁垒是更为重要的课题。

3.1 打破观演内容的壁垒

演出的整体性包含了观众内心的感触，这种感触来自舞美设计的表达，他们希望自己的作品具有“唤醒”的功能，可以唤醒观众觉知、引发观众共鸣，让演出震撼人心。正如凯文·瑞格顿所说，“舞台灯光是照亮人的艺术，而舞台灯光设计是照亮戏剧的艺术。”“当我案头设计的时候，我想要让我的设计融入舞台气氛，融入观众。但当我完成设计之后，我希望我成为一个旁观者，来观察我的设计融入了现场观众的情感和气氛。”

具有震撼性的舞美呈现需要融入演出，激发观众的感情，打破观演内容的壁垒，将观众情绪带入到演出氛围中。

3.2 打破观演形式的壁垒

打破观演形式的壁垒，不仅要打破观演方式的壁垒，还应该打破观演概念的壁垒。

时代和城市的发展要求舞台美术具有更开放的观演方式，戏剧元素开始出现在公共空间中，逐渐融入城市文化，其公共关注性大大提高，并走向大众化。戏剧艺术不再仅仅是“剧院自己的事情”，而是“公众共同参与的事情”。国际舞美组织（OISTAT）主席、鹿特丹城市剧院总经理伯特·戴博德表示，“如今城市的中心广场也可以成为剧场，市民都可以参与其中成为观众。”这也要求舞台美术的展现形式更加具有公众意识，更加具有参与度。

当代先锋性的戏剧演出要求新的观演概念，舞美创作不应该拘泥于某一种形式的创作方式和展现方式，而应当改变或者颠覆原有的概念。有的完全改变了观众观看的形式，比如拆掉所有座椅，用棉被和床取而代之；有的完全取消观众和演员的界限，市民可以在舞台上走来走去；还有的彻底给观众加入了创造力，使观众也参与到舞台设计，可以在布景上任意涂抹。张武认为，“这些形式的变化都象征着舞台美术新时代的到来。”

舞台美术创作应当富有时代精神和创新精神，要打破观演内容和观演形式的壁垒，着眼时代，不断开拓创新。

4 打破内心的壁垒，永无止境地学习与交流

4.1 永无止境地学习，突破自我

严文龙说，“无论是艺术还是技术，都应该没有上限地发展，这是所有从业者的最高目标。”舞美从业者不应当被艺术或者技术的手段所限制，要完全展开想象力。打破内心的壁垒，在不断突破自我的过程中学习和积累。通过不断的量变促成下一次质的飞跃。

“突破自我”体现在“提升自我”和“打破自我”两方面。张庆山结合自己的工作经验认为，“拥有足够的经验和体会，才更能全身心投入制作。完成作品要有热情和原动力，才能感染他人。将每一次的成功和遗憾都转化成为经验，并更好地投入到下一次挑战。”张武表示，希望“在传统的废墟上建立自己新的尖锐性的城堡。”在他看来，传统的舞台美术方式就是他心中的壁垒，他将继续追求舞台美术的现代性创作和表现的手法。

打破内心的壁垒需要永无止境地学习和探索，观察生活，感受内心，打破传统，这是舞美从业者立足时代的根本。

4.2 积极交流研讨，开拓自我

开拓自我，一方面体现在舞美组织间的学术交流，另一方面体现与其他领域的技术交流。

国际舞台美术组织与国际舞美联盟的交流合作，包括中国舞台美术学会、美国技术协会等等舞美组织本身都是良好的交流平台，在丰富的交流展示活动中，不同国家和民族、不同专业进行文化的碰撞、成果的交融，不仅能够促进灵感的迸发，也会带来很多的合作机会、开阔参与者的视野和工作范围，提高专业水平，使舞台美术教育得到广泛而有效的传播。

舞美创作中很多问题的解决来自其他领域的方法，比如化学、建筑、新科技等等，领域的交流融合，是未来发展的趋势，舞台美术和其他行业领域的联结也将会日益牢固，跨界融合和多领域合作将成为舞台美术的发展方向。新西兰特效塑形设计师、Cut Above造型学院特效塑形导师马克·奈特说，“交流和研讨不应当只局限于舞台美术领域，更应当广泛拓展到各行各业的跨界交流。在这个过程中，要保持一颗对新生事物好奇和接受的心。”

只有不断地加强与其他部门、其他组织、其他学科和其他领域的沟通合作，舞台美术和舞美从业者才能不断注入新鲜的血液，保持长久的活力。

小结

在这次学术交流活动中，各个国家、行业、不同文化背景的舞台美术家的思想相互交汇、融合、碰撞，不仅交流了创作过程中积累的经验，还展示分享了他们在实践过程中产生的疑惑，分析了大量优秀的作品，介绍和引入了新的理念，引导舞美从业者了解：什么是优秀的舞美作品，应该创作什么样的舞美作品，这些优秀的作品是怎样被创造出来的、如何创造出更优秀的作品，以及应当成为怎样的创作者。

科技日新月异，信息日趋丰富，对传统舞美设计的传承与创新提出了严峻的挑战。优秀的舞美从业者追求的不仅仅是创作出旧标准下优秀的舞美作品，或是为了迎合新变化而生硬创作，而应该开创新的舞台美术的纪元，吸收和容纳优秀的传统和新技术，带动观演关系的革新，推动戏剧舞美界形成新的更高标准的审美观念。这需要众多舞美从业者孜孜不倦地学习和实践，积累和丰富，需要不断突破现有的条件限制和思想禁锢，打破其中的壁垒，促使自身的蜕变，完成新时代的舞美飞跃。