解读阿恩海姆的艺术“表现”理论

赵曦

摘要：鲁道夫·阿恩海姆是格式塔心理学美学流派代表人物，他使用格式塔心理学的理论和方法来研究美学和艺术现象，在《艺术与视知觉》这本书中他对视觉的效能进行了系统分析。油画作为西方美术史中重要的一部分，从开始到现在都离不开表现，阿恩海姆在《艺术与视知觉》这本书中第十章系统的阐述了表现的理论，解释了艺术表现的方法和原因，有助于了解艺术绘画的欣赏与创作原理。

关键词：阿恩海姆   美学   艺术表现

中图分类号：J0-05                   文献标识码：A                   文章编号：1008-3359（2020）09-0174-02

一、阿恩海姆前的艺术表现理论

关于艺术起源的大类分为五种，“模仿说”“游戏说”“表现说”“巫术说”和“劳动说”。其中，“表现说”是艺术起源中最重要的理论之一，该学说被系统的以理论方式提出来的是意大利的克罗齐，他认为艺术的本质是直觉，直觉来源于情感，直觉即表现，艺术是情感的表现。他认为艺术只能是在艺术家心灵中完成，没有传达心灵的必要。他还强调，艺术不是功利或是道德的活動，在他看来，一切艺术都是情感的表现。他在之后科林伍德又对克罗齐的说法做了进一步的解释，科林伍德认为只有表现情感的艺术才是真正的艺术，艺术就是艺术家的主观想象和情感的表现。在此之后，美国当代美学家苏珊·朗格从符号学的角度出发，进一步认为艺术是人类情感的符号形式的创造，艺术品是人类情感的表现形式。表现一直到现在依然是从事艺术创作的艺术家们遵循的理论之一。

二、阿恩海姆的艺术表现理论

阿恩海姆认为艺术的表现与狭义的表现不同。人们常常在心中默认了某种已经被界定的经验，在未来的生活中就会被这一已经界定过的经验而影响。传统理论的表现不是事物的视觉样式本身所固有的，人们是从自己从前认知的一些情感或事物中提取出来，这些知识被唤醒后会立刻转移到这件事上，也就是我们所看到的和我们所赋予这个东西的表现性并不是一回事，由于认知和生活的差异同样的东西在不同人眼中的表现也是千差万别。表现性不是由我们所看到的对象本身所传递的，而是由这些对象给予我们神经系统一定的刺激来传递的知觉对象，本身运动与否并不重要，重要的是他的视觉是否具有张力，我们才能知觉到他的表现性。

三、油画构图的表现性

绘画的开始都是从构图先开始的，一幅成功的作品从构图开始就是有斟酌的，所谓构图是作者表现作品的结构配置方式，物体人物的位置造型，把画面中的形象按照作者的表达方式构成画面和谐。常说的构图有三角形构图、S型构图、对角线构图、水平式构图、圆形构图、C型构图、倒三角构图。

法国浪漫主义画家热里科创作的巨幅油画《梅杜萨之筏》构图采用两个倾斜的三角形，船上的帆与木筏上的幸存者构成为一个三角形，成为画面中心，像大家展示出在惊涛骇浪里漂流苦难的人们的状态，有的人已经去世，有的人奄奄一息，有的人抱着亲人的尸体，有的人衰弱的无法动弹。而有一堆人冲破稳定的三角形束缚又构成一个新的动荡，激情的三角形。大家推举着一个拿着红巾的男子构成第二个三角形的顶点，推举三角形的人群构成另外两个顶点。热里科运用了形与线的视觉效果，通过人们的形态形成的三角形上升的金字塔构图有层次有节奏的把画面组织起来，再加上凝重的色调，强烈的光影对比，更增强了这个悲剧事件的气氛和震撼人心的力量。

四、油画色调的表现性

色调是指一幅作品中画面色彩的倾向，是画面的情感设色与浓淡。我们看作品时会发现有的作品颜色鲜明饱和度较高，从感官上能给我们带来强烈的视觉刺激。有的作品采用高级灰的色调，会让人感觉苍白带来冷淡的感觉。

西方油画之父，文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家提香·韦切利奥，他的色彩不仅影响了文艺复兴时代的意大利画家，更对西方的艺术产生了深远的影响。他的作品《天上与人间的爱》，白蓝色裙子的美狄亚，鲜红的衣袖避免了色彩的单调，褐红色的裙子衬托人物的手臂。画面稳重、匀称，而白色的裙子又给人强烈的视觉冲击力，画面色调柔和又浓重，人物和背景的山水，落霞又达到了似真似幻的艺术效果。

后印象主义画派画家文森·梵高是我们熟知的印象派代表画家之一，他的作品大部分都使用到了蓝色和黄色，蓝色代表着宁静，黄色代表着喧闹，并且他使用的颜色非常饱和。例如他的作品《夜间的露天咖啡馆》画面蓝色的天空和被灯光照成黄色的咖啡座组合，整幅画给人感觉安静祥和，他善于用补色的色彩对比，来增强画面的精神性，此时已经慢慢显露出来他的精神状态繁杂不安，彷徨紧张的状态。

五、油画笔触的表现性

笔触是指绘画中的笔法，是画笔上颜料的薄厚在作品上走向所留下的痕迹。颜料的薄厚，媒介剂的使用，用笔的走向，用笔的力度都会影响到笔触的表现。油画颜料的特殊性使得笔触成为油画创作中重要的语言之一。

特点最突出的是我们在上文中提到的文森·梵高，他喜欢用短、硬的笔触来组合画面，例如我们熟知的《星月夜》《向日葵》运用的都是短且硬的笔触。鲁本斯喜爱用长、曲线来创作，并且下笔肯定。《抢劫留西帕斯的女儿》中可以看出他的长、曲线塑造结实的人物造型。莫迪里阿尼喜爱用短而脆的线连成长而柔的线。他的人物外轮廓都是使用短线的连接来塑造。

六、油画肌理的表现性

肌理是指形象表面的纹理，也称质感，由于所使用的材料媒介的不同，肌理可以制作出粗糙、高低、光滑、软硬来更好的表现作者想表现的情感内容。做肌理的方法有很多种例如绘写、喷洒、熏、粘贴、拓印、刮刻、自流、压印、等。在绘画中，肌理是物质材料与表现手法相结合的产物，是作者依据自己的审美取向和对物象特质的感受，利用不同的物质材料，使用不同的工具和表现技巧创造出的一种画面的组织结构与纹理。任何物体表面都有其特定的纹理变化，这种特定的纹理变化所呈现出的神奇的视觉感受，正是绘画艺术所探求的肌理效果。肌理在绘画艺术中的审美价值不可低估，它有着其它表现手法难以实现的美学特质。

德国新表现主义画家基佛他的作品常以圣经、北欧神话、瓦格纳的音乐和对纳粹的讽刺为主题，并大量使用稻草、灰土、虫胶、石头、模型、照片、版画、沙子以及铅铁等金属元素他的作品大量运用油彩、钢铁、铅、灰烬、感光乳剂、石头、照片、木刻画、稻草、柏油等综合材料来作画。画面的巨大和复杂的肌理使作品充满了力量，给人以震撼的视觉冲击力。同时又结合了抽象和具象、幻觉和物质性，有着丰富的象征意义。其画无论创作手法还是呈现面貌均极为现代，但往往主题晦涩而富含诗意，富含着一种充满痛苦与追索意味的历史使命感。

七、油画造型的表现性

造型是指创造物体特有的形象，塑造物体特有的形象。看到一幅作品时我们最先看到的就是作品的造型，造型也是给观者最直观的表达作者思绪的方式。

达·芬奇名作《蒙娜丽莎》画面描绘的是一位资产阶级的妇女形象，背景优美，刻画细致，栩栩如生。人物坐姿端庄她的手刻画的柔嫩，身材丰润，近处的衣纹刻画的也非常细致，反映出他严谨的画风。整个画面给人感觉恬静端庄富有内涵。这种甜美的艺术风格和文艺复兴时期对人性的歌颂在当时可以和观众产生共鸣。

挪威表现主义画家现代表现主义绘画先驱爱德华·蒙克的作品《在灵床旁》画的是对姐姐的纪念，画中人物都是和蒙克年龄相仿的相貌，并非是姐姐真实去世的画面，而是表现出当时的时空维度，证明姐姐的去世一直影响着全家人的生活。他作品的造型往往没有非常写实边界线非常清晰，人物的处理也是大笔触，没有勾勒细节。他的作品表现的是人物内心的状态，作品颜色虽然丰富艳丽，笔触大胆奔放。但却给人一种强烈的刺激感，充满了紧张和不安的气氛，压抑和悲伤的情绪。

八、结语

鲁道夫·阿恩海姆在心理学基础上建立了格式塔心理学在心理学产生了巨大的影响。他认为知觉是艺术思维的基础。在《艺术与视知觉》一书中，第十章内容系统的阐述了表现理论，分析了艺术表现的方法和理论。在西方绘画油画中表现性也贯穿始终。油画的构图、色调、笔触、肌理、造型都是画家表现情感的方式方法，不同艺术风格的画家通过不同的手法来增强作品的表现力。艺术家们都想寻求新的表现力的方式，阿恩海姆的表现论述从理论上教会艺术家们科学的理论表现方法，给艺术家们的表现力提供了有力的理论基础。

参考文獻：

[1][美]卡尔·考夫卡.格式塔心理学原理[M].杭州：浙江教育出版社，1997.

[2][美]鲁道夫·阿恩海姆.艺术与视知觉[M].成都：四川人民出版社，2005.

[3]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大学出版社，2013.