追求大目标

郎绍君

林若熹简历

1963年出生。1988年毕业于广州美术学院并留校任教，2002年毕业于暨南大学获文艺学博士。现为中国艺术研究院艺术委员会委员、中国画院教授、博士生导师。

1989年《春夏秋冬》获第七届全国美术作品展铜奖；1993年《黄金时代》获首届全国中国画展优秀奖；1994年《夕阳》获第三届中国画展二等奖；2001年《幽香》入选文化部等主办的百年中国画展及《百年中国画集》；2010年《千秋》入选文化部主办的第一届全国优秀作品展。

2011年文化部交流项目《握手中国——雷米·艾融林若熹巡回画展》在广东省博物馆及中外巡回展出。

1993年、2005年、2017年三度在中国美术馆举办个人画展。1998年、2000年在台湾国父纪念馆、彰化文化馆举办个人画展。

2008年创立广东省林若熹艺术基金会。

有《白描研究》《中国画水论》获国家级课题立项。作品《秋NO.Ⅱ》等七件被中国美术馆收藏。

出版有论著《解读传统》《中国画线意志》和诗集《蜘蛛之吻》及多部画册。

林若熹在1993年的北京个展，我还记忆犹新。那时他毕业不久，是广州美院最年轻的国画教员。所展出的工笔花鸟，让我们近距离感受到了岭南自然的美，也领略到了林若熹驾驭构图和色彩的能力。10年后，我在广州再次见到林若熹的时候，他已是广州美院的副教授，让我惊异的是，作为一个画家，他读了暨南大学的文艺学博士学位，写了专著《中国画线意志》《白描研究》《解读传统》，还出版了诗集《蜘蛛之吻》。在现代，能够像这样跨越专业，寻求更高人文素养的画家，还不多见。当越来越多的人把绘画仅仅视为一种技术和挣钱手段的时候，林若熹的选择，表现了他不同一般的素质和追求。

最近，我读了林若熹的《解读传统》和有关文章，发现他对中国画和艺术问题的思考，很开阔，也颇有深度。比如他认为中国画不能“一味西化”，也不能“一味传统”；认为后现代主义“不能作为民族的文化方向”，认为商品社会也需要“理想和英雄”，认为“重彩中國画与日本岩彩可以相互学习借鉴，但不能转换，更不能混为一谈”等。我还发现，当他谈论中国画的具体问题时，又能将理性的宏观思考与技术性的微观把握联系起来，如认为“‘至中和成就了中锋用笔”，“从中锋派生侧锋、阿牛卧笔的发展过程，是用线造型派生出融合两类不同性质颜色的‘撞‘泼造型的发展过程”等。这种能“致广大”亦能“尽精微”的思考，是缺乏理性思考的一般画家和只能空泛议论的一般批评家都做不到的。

林若熹的画，在工笔花鸟的根基上，扩及工笔人体、写意花鸟、彩墨山水，在技巧层面由勾勒填色兼及白描、没骨、泼墨、撞水、撞粉等。他在解读中国画传统的同时，更对它作了一番认真而广泛的实践。这实践富于探索性，没有风格化。这探索包涵着借鉴现代艺术的某些因素，但没有远离传统，还属于古典艺术式的渐变而非现代艺术式的突变。

林若熹的作品，仍以工笔花鸟最具代表性。它们大多截取近景，方构图，平面化处理，色彩或求其装饰，或求其统调，或求其对比，其风貌不像江南的妩媚，也不像北方的强悍，而是清劲明丽，有岭南自然与岭南绘画传统的特质，但又是相当个性的。

林若熹的写意花鸟也喜欢近距离取景，构成性很强，意象更加简洁，让水墨唱主角。在《解读传统》一书中，我还看到林若熹的许多山水风景。它们带有较强的实验性质，大凡写生性的、构成性的、装饰性的、大泼墨的、青绿的、有抽象意味的、适当制作肌理的，应有尽有，它们的简逸豪强风格，也大不同于其工笔作品。

就大的印象而言，林若熹的画讲究设计，追求构图与色彩的新颖别致，重视造型与色块的关系，工中寓写，写中含工。但似乎缺少了一点随机和自然的东西，理性因素和人工意味重了些。理性和设计性必不可少，关键是“度”的把握。若熹是追求大目标的画家，但追求的航向是需要不断调整的。