时装艺术——时装与艺术的相遇

梁露遥（中央民族大学，北京 100018）

一、何为时装艺术

何为时装艺术？将“时装艺术”概念引入中国的吕越女士如是说：“时装艺术，顾名思义强调的是与时装相关的艺术，是一种艺术形式，这种艺术的核心特点是：强调以服装为媒介和题材，来表达个人情感与精神世界。属于现代艺术的一个分支，类似于现代艺术中的装置艺术，具有创造性、思想性、艺术性和前瞻性的特性，对服装设计具有导向和指引的作用。”从此概念的界定中，可以得知时装艺术即以服装为载体，寄寓创作者情思的艺术。

古人以文载道，今人寓理于“衣裳”。将“衣”作为一个媒介，传达自己对世界的认识、对人生的感悟。时装被赋予创作者的思想，进而完成了从消耗品到艺术品的升华。

二、时装承载艺术

图1 吕越《昼夜阴阳》

艺术作为社会意识形态的一种，是对事物的感观思想，是观念、观点、概念、思想、价值观等要素的总和，而时装艺术之所以能称之为艺术，是因为该时装承载了创作者的这些感观思想。服装一开始的出现，仅仅是为了遮羞保暖，其后由于社会经济的发展，服装有了彰显身份等功能，再到20世纪六七十年代服装才开始发展为一个单独的艺术分支。在短短的50多年的时间里，时装艺术经历了“可穿的艺术”（Wearable Art）、“不可穿的艺术”（Unwearable Art）、“时装艺术”（Fashion Art）这三个发展阶段，各自表现出不同时代的创作者不一样的诉求。

“可穿艺术”的出现，也正是由于设计师们对于工业化大规模生产出的物品不再具有情感，缺乏手工温度这一现象的不满所引发的运动。到了后期一些日本的设计师出现了新探索，常规的材料不再能满足创作者的表达需求，诸多的材料开始运用在创作上，塑料、灯具、木头、食物……只要还具有服装这一形式特征，都属于时装艺术的范畴，材料不应当成为表达想法的一个阻碍。于是“不可穿的艺术”在20世纪末顺应而出，这是对“可穿艺术”的一个完善与发展。

21世纪初，时装艺术这一表达形式被越来越多的艺术创作者接受，除了一开始的服装设计师、手工艺者、建筑师、画家，现代艺术家也开始加入其中。这时的“时装艺术”承载的就不仅仅是创作者对于过度工业化的忧虑与抗议了，时装艺术所能表达的内涵越来越丰富，如吕越女士创作于2010年的时装艺术作品——《昼夜阴阳》（图1），借玻璃灯泡、塑料灯口、金属丝这些具象之物，阐述艺术家自身对哲学中对立统一的深刻反思。另一位艺术家谈雅丽以铁丝创作的《冷》（图2）则表达的是艺术家对环境的珍视。韩国艺术家琴基淑的作品，则是借金属丝、珠子为依托，抒发自身对爱情、命运、生活的感悟。

图2 谈雅丽《冷》

如今时装艺术这三种表现形式并驾齐驱，极大地拓展了时装艺术的表达范畴。一年一度的“世界可穿着艺术大赛”（World of Wearable Art-WOW）从1987年开始，到如今已举办有32年之久。创始人苏奇·蒙克里女士的创办理念——将艺术从墙上走下来并融入人类生活形式中，旨在让设计师们挑战传统观念。每年世界各地的入选作品展示，可吸引多达35000名国内外的观众，规模盛大。时装艺术国际展（International Fashion Art Exhibition）则是从2007年以“和——中韩交流展”为开端，到之后08年的“从哪里来”、10年的“绿色态度”、12年“游园”、13年“日日夜夜”、14年“相遇”、15年“绽放”、16年“蓝之韵”到18年的“丝绸故事”已成功举办9届，时装艺术在中国这片大地上的发展方兴未艾。

三、艺术升华时装

时装是在一定时期（时间），一定区域（空间）出现，为某一阶层所接受并崇尚的衣服。所以说时装具有时效性，在一定的时间内为人推崇，但是一旦过了特定的时间节点，它就不能称之为时装了。时装如何冲破时效这个藩篱，成为永恒，艺术的注入为此提供了可能性，而“时装艺术”这种形式则是对此的一个可贵的探索。

艺术与时装结合的源起，在服装史上是有迹可循的。时装对于艺术抑或是直接运用或是作为灵感进行再创作的方式开始了融合，由于装饰性强的绘画可以直接地运用在时装之上；故此，时装与艺术最早结缘于视觉艺术中的绘画艺术。

最为人熟知的合作是艾尔萨·夏帕瑞丽（ElsaSchiaparelli）与萨尔瓦多·达利（Salvador Dali）的跨界合作。1937年，达利为夏帕瑞丽夏季高级定制系列设计了一款礼服，白色蝉翼纱长裙以手绘的形式画了一只纵贯裙摆的龙虾，与腰部的橙红拼接呼应，鹅黄浅绿的欧芹叶点缀其间，这便是服装史上极负盛名的“龙虾裙”了。一年后，达利以“身外之骨”一词为夏帕瑞丽创作了一幅女性骨骼素描作品。同年夏帕瑞丽的Le Cirque（Circus）系列中，以骨架为灵感的晚礼服长裙面世，用填充手法制作出立体的人体骨骼形态，诡谲且前卫。

夏帕瑞丽与达达艺术奠基者曼·雷（Man Ray）合作，创造出了极具超现实主义色彩的“催眠”眼镜。与艺术家让·考克拖（Jean Cocteau）合作，设计了一款巧妙运用视错觉的外套，在蓝色丝织晚礼服的背面，以刺绣的方式，呈现出两个对称的女子侧脸轮廓，轮廓的间隙奇妙地形成了一个花瓶形状，瓶中插满了盛开的粉色玫瑰。著名的带红色蟒纹指甲的黑色手套，亦是夏帕瑞丽从毕加索以手绘双手为主题的画作中汲取灵感从而设计出的作品，随后灵感愈加迸发，创作了诸多极具视觉效果的手套。

时装不断汲取艺术给予的养分，同时也在反哺艺术，二者逐渐呈现出相辅相成的态势。毕加索创作于1937年的一幅肖像画中，画作中女子穿着的正是夏帕瑞丽时装。而曼·雷于1938—1939年绘制的《好时光》（The Good Times），以夏帕瑞丽Commedia dell'Arte主题的高级定制系列中的一件由红、黄、黑、白、蓝菱形羊毛毡拼接而成的多彩外套作为画面中几何人物的形象。20世纪60年代，伊夫·圣·罗兰借鉴荷兰抽象艺术大师皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）的名作《红黄蓝的构成》，发布了举世闻名的蒙德里安裙（robe Mondrian），以上种种的服装都因为艺术的加入而被载入史册。

绘画艺术与时装的结合是最为广泛也是最直接的，其后，时装渐渐地从绘画艺术拓展到了雕塑、建筑、音乐、摄影……时装被赋予了更多的可能性。涌现出一批以时装作为喉舌为自己思想发声的时装艺术家，如侯塞因·卡拉扬（Hussein Chalayan）、亚历山大·麦昆（Alexander McQueen）、艾里斯·范·荷本（Iris Van Herpen）等。现今，时装不再完全依赖其他艺术形式来增强自身的艺术性，经过发展已成为艺术当中的一个门类，并逐渐为社会公众所认可。越来越多的时装艺术作品被博物馆或私人收藏，这时它们就已经冲破了时空的藩篱，不再存在时效性与过时，而是成为了如同绘画以及雕塑艺术品一样的存在。

结语

“时装艺术”在历经三个阶段的发展之后，通过展览、赛事等多种途径在世界传播，逐渐被社会公众所认可，成为艺术的一个分支，极大地丰富了艺术的表达形式。艺术不断地给予时装以养分，升华时装的艺术性，而时装也反哺于艺术，给予艺术新的灵感与构想，二者相辅相成，为艺术创作提供了无限的可能性。