古典绘画艺术的美学形式分析研究综述

王为为

摘 要：本篇论文将根据海因里希·沃尔夫林的形式对拉斐尔作品《雅典学院》进行分析。海因里希·沃尔夫林，瑞士人，是一位著名美学家与美术史学家，代表作《艺术风格学》，完成于1915年。这部书中提出了五对基本概念，把他的思想综合于完整的美学体系中，对后来的艺术批评有很重要的影响，作者将以五对基本概念对《雅典学院》着手研究。

关键词：艺术风格学 壁画 拉斐尔 《雅典学院》

一、《雅典学院》创作环境

拉斐尔，著名的意大利画家，后世把他的艺术称作“古典主义”，对巴罗克风格启发的同时，17世纪的法国古典学派也深受此影响。

《雅典学院》是一幅大型湿壁画，创作于1509年至1510年间，属于梵蒂冈博物馆构成中的一部分，且此作被广泛认定为拉斐尔的代表作之一。

二、《雅典学院》的分析与研究

1.线描和涂绘

线描在沃尔夫林的语义中是指描画的、塑形的，是触觉的图画，涂绘的是视觉的图画;沃尔夫林认为“线描是按线条观察的，在视觉上意味着首先在轮廓上寻找事物的感觉和事物的美”，它意味着内部形体也包含轮廓，而涂绘是按块面观察的，没有被强调的边缘;线描的视觉是明显的把形体与形体区别开来，它出现的是均匀清晰、坚实、相互分离的的线条，给观者一种安全感，后者涂绘则重于对象在整体中所进行的运动，不强调倾向于接合的边界，只产生事物的视觉外表。

根据沃尔夫林的概念划分，《雅典学院》是触觉的的图画，是属于线描的。从整体上看，我们能够从图中看出，画面中每一个人物都是分明的、清晰的，以及建筑物的每一条轮廓都是相互分离的，并不存在模糊现象;从细节上来看，每个人物的衣褶走向，弧度，不论在明面还是暗面中，都能够让观众看得清楚;通过遮挡关系，我们更能够看清轮廓的清晰性通过线的强调运用，让我从轮廓上找到了事物的感觉和事物的美，让我的眼睛从边界流转并且沿着边沿线摸索，线条均匀的围绕着人物形体移动。它不是涂绘表现出来的模糊特征，形体稳定，能够让观众信赖它。再细看他们的发丝和胡须，清晰展现出弯曲的弧度，仿佛能用自己的手指抚摸到触摸到这些边界，着实打动了我的触觉感。

2.平面和纵深

古典艺术把整个形式的各个部分归纳为连续的平面，平面是线条的生存环境，在一个平面上可以展开最清晰的形体，若不重视轮廓线将会弱化平面的重要性，而视觉观察大致就是把向前和向后方向的每个物体关联起来。

在《雅典学院》的构图中，利用了空间构成的技巧，将现有的建筑拱形墙壁的外轮廓画成一个高大的拱门，前景两侧分布有大致相等的主要人群，后方中间是一个小高度的空间，结合壁画下方的两层平台，给人在视觉上形成了强烈的纵深感，将画面内与现实中的建筑融成了一个整体。壁画中的建筑根据中心点，一层层向内部推进，借用光影，将人们的视线随着多层建筑引入到画面的深处，营造出一种庞大而深远的视感。

但是整个建筑又是平行于图画的平面，最简单就是从阶梯可以看出平行感，所以画面中阶梯往下的人几乎是在一个并排中。前景中的人群在这幅画的空间中有着墙壁一般的坚实性。后排的人群中与前景稍有不同，因为中间的空间，导致人群往后。相比较与纵深的画面，《雅典学院》虽带有透视短缩，但并未占据主导地位，图中内容还是能够在平面的街面上捕捉得到的。再联系到第一个概念“线描”在这幅壁画中的运用，它并没有随着纵深而忽视线描所以它的平面性也并未被忽视，他的“这种平面风格只是由一个接一个的水平的层次组成的”。

3.封闭的和开放的形式

这组概念类似于“构造的和非构造的”，我认为“严谨的和自由的”、“规则的和不规则”能够够通俗的解释它，便于理解，当然不如沃尔夫林的词更加贴切确切，只是为了自己更容易理解。

16世纪对称不是最普遍却是常常出现的构图形式。《雅典学院》重复了这种类似的构造，“封闭的构图风格是一种建筑上的风格”，拉斐尔就是巧妙地利用了建筑物的拱形状作为壁画的画框，位于正中间，而后面的背景则应用了圣彼得大敬堂的供廊作为装饰。宽广的走廊和平行的石阶扩展了空间，以柏拉图与亚里士多德两个哲学家的左右手之间的空隙作为消失点，把水平线与垂直线交织在一起，清晰可见，令人感受分明。而且对于“《雅典学院》这种崇高气氛的集会，只有中央被强调的演进图式才相配”。

4.多样性和同一性

“封闭形式的原则自然意味着图画是一个统一体”，“这种对统一性的感觉只是逐渐地发展”。如果说16世纪意大利艺术的基本特征是统一的构图，但是拉斐尔生活的这个时代对于后来的艺术来说，又是一个多样性的时代。17世纪的“有机体中这些相互制约并相互保持和谐的单独要素不再在图画中起作用，但是单个的形体，超出整体之外，被化为一条统一的溪流，呈现为纯粹的主要因素”，这是我对多样性与同一性的认识。

《雅典学院》所符合的是沃尔夫林的多样性发展，他的人物群在拱形的大舞台上，是一个有机的整体，但每一个部分又都是清晰的组成，看上去是可以相互独立的，但又好像是被整体规定的。它的色彩同样是整体中呈现出独立性，又被整体所规定。

5.清晰性和模糊性

这是一个关于主题的绝对清晰和相对清晰的概念，是近似线描方法和涂绘方法之间对比的对比。前者将对象个别处理给人塑形感，后者则把对象看成一体。古典主义特征同17世纪相比，17世纪艺术是自动把绝对的清晰牺牲掉了，描绘目的不再只是明确主题，而且构图、光与色彩也拥有了自己的生命，因此相对的清晰，作为一种包罗一切的再现方式，这是对世界的另外一种不同的态度，而并非背离了丢勒和拉斐尔时代的理想。

在《雅典学院》中，所有学者都展现在这个巨大舞台上，虽然主要人物和次要人物居于不同的位置，但次要人物依然是清晰的，作为背景的建筑物，它的每一条线，线的前后关系也是分明的清晰的。按照古典艺术原则，色彩在细节上扶持形体，也在整体上扶持形体，色彩把作为整体的图画接合为各个组成的部分，而且，“色彩的强调点也是构图的实际强调点”。《雅典学院》中色彩的一致的清晰性被色彩的局部的模糊性取代了，色彩不再是事物的附属品，而是事物借其取得可视属性的重要因素，是某种紧密的结合，每时每刻都在一致的移动着和改变着的东西。

结语

达芬奇说自己的艺术是追求数学的秩序，吴冠中认为造型艺术是形象的科学，《雅典学院》中的均衡与对称就是其中一方面的体现。沃尔夫林的这五对基本概念对我来说是一个新的认识，新的总结，让我在艺术作品中的理解有了更深一步的了解。《雅典学院》所表现的是一种理想的人类集会，也是人类思想的盛会，表现了对永恒真理的追求，给我们后人留下了珍贵的答案。

对于沃尔夫林的《艺术风格学》这本书，我自己本身还存在许多不明白的地方，所以文章有的地方可能存在理解错误，我会继续努力阅读这本书做到更进一步地理解，请多多包涵。

参考文献：

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