阿利克斯·玛莉：宽泛摄影的新方式

“宽泛摄影”这一词汇来自英文“Expanded Photography”，在英国，有一位策展人、作家露西·苏特 （Lucy Soutter）对这个领域有深入的研究，在我对这一领域资料收集的过程中，这个词汇的表述在露西·苏特的《为什么是艺术摄影》（Why Art Photography，2013年由英国罗德里奇出版社出版）一书的最后一章“摄影之外”（beyond photography）有提到并且讲述她对这个摄影门类的理解，同时于2016年在威斯特敏斯特大学发表的论文《宽泛摄影：摄影的持久性》（Expanded Photography： Persistence of the Photographic）中也有深入讲述。从我近十年来的摄影研究来看，这一词汇描述了用传统摄影定义无法描述的新一类别的摄影创作，一些艺术家使用互联网上的现成图像（found image）进行二次创作，另一些艺术家又重归非常规摄影工艺，并与其他媒介嫁接，这些跨媒介的创作仍然深刻烙印摄影理论的属性，但是并不拘泥于依赖相机的一系列活动。

如今的视觉艺术已呈现多样化的态势。从传统艺术形式对媒介的固有坚持，到这些媒介的使用方式被再次琢刻与合并；从20世纪初对现成物作为艺术的逻辑的延展，到当下多种类别的艺术平行并用，艺术家用各种不同的方式描述一种主题必要性，用他们的自我意识来构建他们心中的艺术边界。

当数码技术引领摄影和其他媒介展开新的融合之时，有艺术家试图用影像介入雕塑、装置和建筑等三維层面的艺术形态。这些艺术家的创作实践让我们看到，他们试图糅合的部分，使我们对传统摄影有了新的认知，摄影的媒介属性与他们创作的关系，让我们重新思考摄影的本体，同时也因这样，摄影可以生成表达更多的寓意，扩展了词汇，法国艺术家阿利克斯·玛莉（Alix Marie）的作品就体现出这一方向的创作，让大家看到一种新鲜的表达。

阿利克斯·玛莉于2008年中央圣马丁艺术学院完成了纯艺术学位之后，2011年至2014年在英国皇家艺术学院继续攻读摄影硕士学位。她的作品越来越多地被展出，并获得广泛关注，包括罗马的Material画廊在2017年的个展，以及2018年杜塞尔多夫摄影周的个展都一一排上日程。一系列业内重要的奖项和提名也都榜上有名，包括2017年荷兰FOAM博物馆的新锐奖（FOAM New Talent）。

玛莉的作品常以影像作为索引，用一种强有力的方式展现出摄影和物理性的追溯。在玛莉的其他相关作品中，我们可以看到这些对身体的凝视，人体、皮肤、躯干、手臂、胎记、淤青等等，照片被裁剪和拼贴，或悬挂、或印刷在布料上，让我们看到另外一个奇怪的生理表面，这些身体看上去是这么的不完美。这些违背我们既定认知的形态，就像是以内在和外在的感受来描绘触感、愉悦和痛苦。人体的皮肤在这里就像是隐喻—作为一张照片的皮肤，从一种呈现到另一种再现，都只是存在影像世界里的真实，被装裱起来的身体就像流动的观点，让我们自我矫正。

例如，在系列作品《奥兰多》（Orlando）中，玛莉运用影像来制作雕塑装置。观者站在一整面像石块一样的堆积物面前，仔细观察这些物体表面附着带有人体皮肤的照片，可以看到细节表面混合着人体皮肤、蜜蜡、粉红色大理石和生肉。身体的再现成为了一种经验，皮肤或者肉体这一概念被延展，成为岩石，成为堆积物，成为表象，并作为信息交换的场所。

再如，在系列作品《尼俄伯的惩罚》（La Femme Fontaine）中，这个法语词汇来源于希腊神话尼俄伯，故事中她的14个儿子因自夸而全被杀死，她悲伤不已，后化为石头。这些作品根据特定展览空间再次设定，艺术家在创作中串联了两个关键元素：艺术和医学，例如一系列用医学X光底片作曝光的人体形态影像，以及用有流动状态的影像和水泥所塑造的人体局部器官装置。坚固的混凝土装置到物影摄影模糊的影像流动，艺术家用一种影像的流动性，来讲述性别的流动性，以及神话中如何用历史观点指引女性特征。

在摄影和当代艺术之间试图为摄影找到更宽泛的定义并非新事，艺术家拓宽摄影边界，从墙上到纸张或电子屏幕，成为空间的切割者，检验了摄影师不仅仅是拍摄行为的完成，还包括其对影像的思考，怎样融合新技术、增添新的视觉语言。作品中对平面照片所进行的改造，似乎对摄影的根本增添了新的界定，在美感和观念上挑战了大家对身体的认知，制造了一种不熟悉的却富有逻辑的叙述架构。这些“宽泛摄影”作品，我们看到关于照片和物件，作品表现和展览呈现之间的关系。在下面对阿利克斯·玛莉的采访中，对她的创作思路也做了进一步了解。

问：你可以介绍一下你的教育背景，怎么和摄影以及非常规摄影发生交集？

答：我从小在巴黎出生成长，2008年搬到伦敦上大学，刚开始在中央圣马丁艺术学院学习预科和本科的艺术课程，后来又去了在英国皇家艺术学院完成摄影硕士课程。在本科学习期间，我就试图混合雕塑、物质触感，以及摄影之间的关系。当我在皇家艺术学院学习时，也开始对“宽泛摄影”产生兴趣，并探索作为物件的照片在三维表现上的可能性。这些学习经验让我开始深入研究雕塑和摄影之间的关系，并引出了我所理解的关于摄影的“指代”（indexicality）和形象铸造。我们熟知的这两种媒介的特征，雕塑是铸造事物本体形态，而摄影是铸造光影，两种媒介都具有收集关于特定时间痕迹的属性。对我来说，创作的重要性体现在作品和观看者的对抗，并且试图为作为主体的观看者去制造一种视觉体验或一种身体经验。

问：你的基本创作方法是什么，你是先选择物料，还是主题先行呢？

答：当我有个新项目的想法时，便开始拍摄相关素材，然后把影像打印在塑料、布料或者玻璃等材质上。用这些打印物制作一个雕塑，又或是重新拍摄这个雕塑。对物料的选择取决于语境和项目的主题，它们必须有密切关联。摄影和雕塑相互提供，有时甚至是一个永远不会结束的过程，这也正是我喜欢它们的原因，不停探索耗尽其可能性，不停地推进程序和工艺，直至感觉对了为止。当做展览的时候，我一贯地考虑展览空间、城市和建筑，这些会影响到作品的形态。这并不意味着事物的形态被另一种媒介消化吸收，这是一种持续状态的练习和创作，也是我一直感兴趣的摄影化的影像创作—不论是通过在网络空间或现实街道上，还是在一本书或一个相框，影像外形的转移和构成都充满无限可能。

问：你怎么看待你的在当代摄影中对创作解读作为语言转向（linguistic turn），以及托寓的期待（allegorical expectations）和你作品的关系，以及怎么理解你研究生导师奥利佛·里雄（Olivier Richon）的理论？

答：我一直以来关注词汇的不同寓意和影像的关系，很幸运我可以在作品中阐述一二。还有很重要的一点，法语是一种非常视觉化的语言，在我的創作中也经常扮演我的思考模式，同时也赋予我创作灵感和标题。我非常喜欢奥利佛·里雄（Olivier Richon）的 “表述理论”（orality），关于相机可以被比喻为吃掉世界的嘴，而不是用来观看，成为用来吸收和消化的器官。这个观点对于我拍摄人体的创作具有指导意义。这就像是一个关于欲望、亲密关系、死亡的链接，也是摄影不可否定的并且需要广泛研究的原因吧。对我来说，特别是当我开始拍摄我身边最亲密关系的人群，包括朋友、家人和恋人，相机成为一种用来吸收的工具，我可以把它当作吸血鬼来思考：色情和权力的转移、摄影化过程中对主题所造成的可能性的暴力和干扰，这些最终物化成为一种不朽的存在形式。

（徐浩 2014年毕业于英国创意艺术大学艺术硕士，现在上海持续从事写作、策展和创作。）