余晖犹在

郁 俊

余晖犹在

郁 俊

写在前面：《画刊》对我们这一代人来说，是本特别有影响的杂志。30多年前，也就是我刚开始启蒙的时候，《江苏画刊》就给出了当时很难得的资料呈现和审美标准，精美得都有一些异样。记得当时我死盯着梅清、萧云从和王原祁的山水画，目光贪婪得都不愿意挪开。我至今仍保留着当年《江苏画刊》的创刊号和第2期。第一次啊，是第一次看到这么精美的印刷品。当时这些图像的惊艳程度，不是今天看惯了真假二玄、眼高于顶的美院学生可以体会的。

风水轮流转，纸媒风光不再。我揣摩，靳卫红主编和她的团队，也经历了一些辛苦，才能够让这本杂志保持了一贯水准和格调。南京，是令我百感交集的美丽古城，也是让我的职业生涯开始步入正轨的福地。不仅仅大丰先师，几乎所有一线的南京前辈，都或多或少对我本人产生过影响。本文已是我的专栏第12期了，给大家交一份年终小结。如果这个专栏能够为此地诞生的艺术杂志贡献一点绵薄之力，实在也是很荣幸的事。

我暂居的地方，距离本焕祖庭弘法寺，很近。南北窗都可看山。深圳这几天又多雨，早上起来，看到山被云彩笼着，山上一堆一堆，满布葱绿的树。

写了一年的专栏，这次是最后一篇。其实也没有什么特别精辟、特别新鲜的话题再来交代，无非是就着这么好的雨云笼罩的山色，来写一点对当今绘画的遗憾和期待。

虽然我一直不太认可中国画这个提法，但是为了理解起见，就这么来约定俗成地说说看。中国画几百年来，最大也最令人遗憾的问题，就是色彩。

如果粗略划分的话，国画的基本元素是线条，就像油画的基本元素是色彩，在照相无限普及的今天，造型准确与否，已经慢慢让位于其他的绘画问题，所以线条和色彩，是现在从事绘画这一行业的人，理应比较注意的课题。但是国画，如果没有对色彩，甚至是写生色彩关注的话，其实也是不可能发展和走到今天的。

上海博物馆有一张特别引人入胜的画，谈不上镇馆之宝，不过这幅画和董其昌的《秋兴八景》，一直是上海博物馆绘画收藏方面非常非常难得的杰作。这张画就是《吴兴清远》手卷，原为赵孟頫所作，上博收藏的是赵孟頫外孙崔彦辅所临的摹本。

历来都把赵孟頫定位成一个复古的书画家。他对身边的遭遇、元人统治，可能不太满意，他对南宋，当然也不会太满意，甚至对北宋也不太满意，所以他老人家要穿越，回到唐朝去。这张《吴兴清远》，一般人也认为是对唐朝山水画的模拟之作。但是很多人忽略了这幅画在色彩上特别微妙、特别写生的一些运用。

那幅画是所谓的平远山水。在视平线的尽头，山的轮廓线和天空交界的地方，赵孟頫非常细心地用赭石染出了一片很漂亮、很瑰丽的晚霞，使得前面大青绿画的山水衬托得有一点点苍白。整幅画的天和水都是经过精心计算和反复渲染，这种处理技术，包括对色彩的敏感程度，根本不输给印象派主义大师。

百年来，很多有抱负的艺术家都在考虑，如何把中国画和西画做一些良性的组合和嫁接，但是很少有人认真去考虑色彩问题。因为站在中国画的角度上，艺术家首先解决的问题，必然是线条，把色彩慢慢地忽略掉了。反而是晚清，岭南居家兄弟和任伯年，还带着一点有意思的追求。民国这一块弱了，用的色彩都非常简单僵化。

当时的浮世绘呢，色彩精妙、敏感，对实景写生的尊重，甚至情绪的表达，都已经优于同时期的中国艺术家。印象派宣称对浮世绘的借鉴，并不是他们没有看到中国画的好处，而实在是一个从美术史上来讲，特别顺理成章的选择。

最近的一些中国画家，也会谈到色彩的问题；但是主要考虑什么是矿物颜色纯正性之类，还是在所谓复古命题上纠缠。而在科学昌明的今天，色彩的耐久程度，其实和是不是矿物并没有什么特别的关系，主要还是看原料厂商的良心。这种单纯的材料问题，并不应该成为一个值得艺术家去关注，甚至可以自我炫耀的点。

《吴兴清远图》[元]崔彦辅摹赵孟頫 绢本设色

虽然本世纪已经不是一个架上绘画作为主流表达的艺术时代了，可是西方绘画界，依然有尤恩·厄格罗(Euan Uglow，1932-2000年)这样的大师，在色彩上、在造型上，取得了空前的突破，依然不停地有色彩大师涌现出来。

国画的材料，因为水性，毛笔的尖锐、敏感和流畅程度，都是西方油画不太能够企及的。放弃这样的优势，放弃千百年来我们的色彩教养，去做一些程式化的东西，太令人痛心了。这也和当代的国画美术教育有关，和当代的国画色彩观落后陈腐有关。

说穿了，还是这句老话，所有问题，都是基本功问题；解决好基本功，你什么都有了。可惜了，我们这个时代都比较着急，想到基本功问题的人并不多。唉，色彩，不是最起码、最基本的绘画课题吗？

好了，诸君保重，有空再喝茶聊天，谢谢。