和慧声乐大师课观摩笔记

和慧，享誉世界的著名华人女高音歌唱家，其光辉的艺术履历不仅记录着辉煌的艺术生涯，同时也让她在欧洲歌剧舞台上占有重要的一席之地。她以独特的嗓音、完美的艺术表现征服了挑剔的欧洲观众和众多顶尖剧院，取得了其他人难以企及的艺术成就，成为六大世界顶级歌剧院炙手可热的女主角。

2017年5月16日至18日，和慧受聘成为中国音乐学院“中国乐派高精尖创新中心”客座教授，并主讲了为期两天半的声乐大师课，为广大热爱声乐艺术的青年学生传道、授业、解惑。众多学生、教师以及声乐爱好者的学习热情，与北京室外35。C以上的高温天气相比，有过之而无不及，更有甚者特意从其他地方赶到中国音乐学院观摩学习，一睹大师风采，足见和慧巨大的影响力。

没有华丽的词汇堆砌，摒弃了许多令学生极其头痛的抽象描述与想象，和慧老师的讲解言简意赅、通俗易懂，正如她自己开场时幽默地自谦：“我不善言辞，说得没有唱得好。”在笔者看来，声乐技术技巧的讲解理应是单刀直入、简洁明了的，太过晦涩的讲解势必会给学生带来一定的心理压力和思想负担。在授课过程中，和慧老师对每个乐句、每个音符的范唱都极其认真、一丝不苟，大家被其高超的演唱技巧和完美的艺术表现所折服，其高雅、温暖、如丝绸般顺滑的嗓音宛若天籁。

虽然此次大师课时间有限，但是和慧老师给予大家在声乐技术及艺术层面的启发和思考却是无限的——三种呼吸练习方法，声音的想象，声音的审美，严谨对待乐谱，语言准确等，都是此次大师课强调的内容。本人不揣浅陋，试将此次大师课所讲内容进行梳理与分析，期待与同行及声乐爱好者们共同交流探讨，不当之处恳请大家及时纠正、不吝赐教。

一、歌剧演员所应具备的职业素质

成为一名出色的歌唱家或优秀的歌剧演员是每个声乐学习者的梦想，然而歌唱作为极易入门却难以精通的艺术，很多人选择了“中途退场”，无法坚持到最后。和慧老师认为：成为歌唱家，靠的是30%的嗓音条件和70%的后天学习，嗓音条件突出的歌者未必可以成为顶级的歌唱家或艺术家。职业歌剧演员需要具备方方面面的素质，和慧老师将其归纳为“科学家的思维，运动员的体魄”。

作为一名成熟的歌唱演员，一位演出过数百场歌剧的歌唱家，和慧老师的亲身经历就是最佳例证，为此她总结了十条学习歌唱及从事歌剧事业的经验，与广大声乐学习者进行分享。第一，学习声乐的过程是发现自己声音的过程。人生充满奇迹，声音的可塑性极强，在不断学习、揣摩歌唱技术技巧的同时，也是挖掘潜力和创造奇迹的过程。第二，学习应该是全面的。声乐的学习与其他学科密不可分，文学丰富人的情感，哲学武装人的大脑，美术提升人的审美……这些相关学科的涉猎，使得音乐表演更加丰满、立体。第三，严谨的学习态度。声乐学习者对谱面内容一定要十分严谨，否则将无法与乐队、指挥及其他演员合作。歌剧演员进入乐队排练环节时，确保不存在任何谱面问题，这是成为职业歌剧演员最基本也是最重要的一项素质。第四，学习声乐的道路是一场马拉松。众所周知，声乐学习道路枯燥且漫长，经常会遇到瓶颈和障碍，要有坚持不懈的勇气和毅力。第五，学习的过程是不断对自身加深认识的过程。真正的声乐学习，依靠的永远是自己的反复练习、不断探索，世界上最了解你声音的永远是自己。因此，声乐学习的过程也是一个不断认识自我、完善自我的过程。第六，学习语言是非常重要的。互联网、高科技让我们的生活日新月异，在信息技术如此发达的今天，英语已经成为国际通用的基本语言，除了英语之外，歌剧演员还应该熟练地掌握意大利语、法语、德语等歌唱语言。第七，心理准备。面对生活中和学习中遇到的种种挫折，你是否准备好了成为一名职业歌唱家？更多的时候你不是在享受舞台、鲜花的簇拥，而是要勇敢地面对和承受一个人的孤独与寂寞，因此想成为职业歌剧演员，内心一定要非常强大。第八，触类旁通的能力。歌剧演员在学习作品和艺术创作阶段都需要对作品的时代背景、历史文化进行深入了解，并将其深刻地融入艺术表现中，赋予音乐鲜活的生命力。第九，合作能力。一部歌剧的成功上演，对歌剧演员来讲，充满极大的挑战，不仅自身要具备歌唱、表演的基本素质，与他人的合作更是至关重要，与对手（演员）、指挥、乐队、合唱团等配合的默契度，关系到整部作品的演出质量。第十，文化的跨越。每个人的嗓音条件、生理机能各不相同，如何突出自己的优势，如何把握人物，自身的文化审美十分关键，跨越地域、身临其境地感受和体会文化的魅力，有助于歌剧演员成功地塑造人物、表现人物。

歌剧舞台上考验的是演员的综合素质，歌剧演员的职业生涯异常艰辛，用功是必需的也是必要的，最用功的歌唱家往往也是最成功的歌唱家。和慧老师结合自身多年的从业经历所总结的歌剧演员应该具备的十项素质，不仅是对广大年轻歌者、青年学生们寄予的强烈期望，而且是一种鞭策和鼓励。

二、呼吸的训练

1. 三种呼吸训练法

呼吸是歌唱的动力、声音的依托，“用气息裹着声音”“用呼吸调整声音”“合理的分配气息”，此次大师课中和慧老师一再强调呼吸的重要性。呼吸是每位声乐教师都反复研究和讲解的课题，也是每位声乐学习者听到的最高频的专业术语。在呼吸训练中，和慧老师归纳了三种行之有效的训练方法，并在课堂上一一传授，无论是舞台上接受指导的学生，还是观众席中的声乐爱好者们都跃跃欲试，认真地体会和学习每种呼吸方法。

第一种：要求练习者将体内的气息排空、吐尽，吐到极限后，口鼻同时深呼吸，腰腹部肌肉充分膨胀、扩充，然后发“si”音。在发声过程中将气息均匀吐出，这个音在不抖、不晃的情况下坚持30秒以上，然后再重新吸气，重复上述过程。通过此项训练，部分学生的呼吸观念、呼吸意识或强化或改变。尤其针对一些气息较浅、僵硬不流动的学生，呼吸方式改变后，声音质量也发生了惊人的变化，声音变得圆润、温暖。莫扎特的歌剧《狄托的仁慈》中女中音的唱段《我走，我走》是大众较为熟悉的，全曲由变化发展的三个乐段构成，层层递进、由浅入深，速度也随着剧情发展发生着变化。其中第一段，从容、缓慢的速度需要演唱者在有效的气息控制下做到声音的连贯。学员在演唱这首作品时，每每演唱到句尾就容易出现气息不够，乐句无法完成的情况。运用和慧老师传授的呼吸方法后，不仅气息不够的状况大为改观，乐句间的衔接也更为连贯自然。

第二种：“火车式”呼吸法。用鼻子吸气、嘴巴呼气，快吸快呼，主要练习腰腹部的力量。在呼气的过程中发出“噗”的声音，像火车在行进，因此而得名。这种呼吸方法多用于华彩部分和速度较快的作品演唱中。在咏叹调《我走，我走》的第三段出现了华彩部分，变为非常快速的旋律进行，往往会给演唱者带来不小的挑战，容易气息衔接不上或者速度达不到谱面所标记的要求，出现“连滚带爬”的尴尬局面，快吸快呼的训练是解决这一问题的重要途径。通过反复练习，使腰腹部形成肌肉记忆，在演唱过程中歌者不断调整呼吸，达到自己相对舒适的呼吸状态，取得事半功倍的效果，华彩部分的演唱也会更加灵活自由。

第三种：此种呼吸方法与第二种有异曲同工之处，也是快吸快呼，并发出“噗噗”的声响，但是将动力支点集中于胃部，胃部均匀有力地向外弹动。这种呼吸方法同样解决的是华彩部分声音不够灵活，速度跟不上，演唱中无法及时调整呼吸等疑难问题的。

这三种呼吸训练方法有效地解决了“吸不进去”“吸不下去”“气息不够”的难题，但是如果要熟练地运用到作品的演唱中，还需要平时大量的练习和体会。另外，在大师课的授课过程中，部分学生就自己声音“不够松弛”、声音不通畅、高低声区不统一等问题向和慧老师寻求调整的方法，她讲道：“出现上述现象，最根本的问题还是气息，要运用呼吸来调整声音。”

2.气息的分配

乐句有长有短，自由延长记号在声乐作品中是十分常见的音乐符号，因此气息的合理分配极其重要，关系到能否充分完成整个乐句的演唱。完整诠释作品内容，常常需要完成长乐句甚至是超长乐句，因此很容易出现气息不够用的状况。然而在乐句中加入额外的气口，一方面会破坏句子的连贯性，另一方面也是歌者演唱技术不过硬的表现。成熟的歌唱家，往往十分注意演唱过程中气息的控制，相反刚开始学习声乐或技术受限的学生经常会将大量的气息消耗在乐句的开始部分，以至于不得不中途换气。更有甚者，随意切割词语，加入气口，破坏歌词语义，这是歌唱的大忌，尤其是演唱外国作品时，这种现象时有发生。

在本次大师课中，经常听到和慧老师提醒学员“省着点儿气，合理分配气息”。普契尼的歌剧《艺术家的生涯》中咪咪的咏叹调《人们都叫我咪咪》是女高音非常熟悉、也是演唱频率较高的咏叹调之一。此次大师班演唱这首作品的学员是一位本科二年级的女高音，声音条件非常突出，作品完成较为完整。但是普契尼的作品以抒情性见长，情感化、内心化、个性化是演唱普契尼作品最大的挑战。在这首作品的开始部分，由于演唱者气息与声音搭配不够好，容易在句尾产生位置不统一、声音“掉下来”的听觉效果。出现这种现象一方面是气息没有保持，另一方面就是没有合理分配气息，以至于句尾气息不足，难以支撑。在另外一首普契尼的经典歌剧咏叹调《晴朗的一天》中，对气息的要求更为严格，如果不能很好地控制和运用气息，在“Vedi？E venuto! Io non gliscendoincontro”（看它，已靠近岸边！但我不去迎接）这一部分的演唱就会比较吃力。课堂上学员曾多次尝试，不难发现，如果呼吸方法不正确、气息没有分配好的话，歌者的气息难以支撑到乐句结束，以至于情感也未能充分表达，整体演唱质量大打折扣。相反，如果及时调整呼吸，气息分配得当的话，声音也会更有光泽，声音力度的控制更加熟练。良好的呼吸方法，合理的气息分配是获得娴熟的歌唱技巧的有力保证，无论任何声部都应当十分重视气息的运用。经常听到声乐教师劝诫年轻学生们：唱歌不要拼“本钱”，要学会保护声带，延长嗓音寿命，用“利息”歌唱。其实，所谓的“利息”就是通过呼吸来调整声音，减少机能的损耗而又保持声音的规格，从而使歌唱寿命更长久，为嗓音“保鲜”。这是声乐专业的学习者及从业者应该时刻谨记和追求的歌唱准则。

三、歌唱中声音的塑造与想象

1.声音的位置

“声音的位置”是声乐教学和声乐演唱中又一重要且常见的术语。如何获得并保持声音的高位置，一直是困扰很多学生的难题之一。在本次大师课中，和慧老师也明确指出部分学生歌唱状态不积极、上口盖塌陷、口腔没有充分打开等问题，都可能导致演唱者声音位置不够高，以致音准出现偏差、缺乏共鸣，给听众造成了听觉上的不适感。

要想获得声音的高位置，在身体舒展和正确的呼吸状态下，还应当注意以下几个方面。

第一，口腔要充分打开，保持打哈欠的状态，舌头放松、放平，小舌头（悬雍垂）自然抬起。第二，想象在鼻翼与耳垂间画一条横线，歌唱时始终坚持在横线以上至眉毛间的区域歌唱，声音要集中。第三，唱高音时，尤其是女高音，在有良好气息支撑的前提下，想象头顶被人“拎”起来，声音“飘着”的感觉。一位学员演唱了咏叹调《我是上帝谦逊的使女》（选自齐莱亚的歌剧《阿德里安娜·莱科芙露尔》）时，由于她发声时肌肉力量很大，感觉声音“卡”在了嗓子上，完全凭借自身的嗓音机能在歌唱。和慧老师先向该学员讲解了呼吸方法以及如何保持气息等相关问题后，让学员打开喉咙、保持打哈欠状态、寻找高位置，从而解放喉咙的力量，在高声区充分打开口腔，保持后咽壁直立。在和慧老师的反复引导下，学员的声音大有改观，喉部也明显松弛。

声音的高位置是声乐技术层面关注度极高的问题，是解决高音上不去，中低声区与高声区音色不统一，获得正确共鸣的有力手段。即使是中低声部，也应当重视声音的高位置。例如，一位本科五年级的男中音演唱完莫扎特歌剧《费加罗婚礼》的选段《睁开你的眼睛》后，和慧老师指出，即使是男中音声部，在演唱过程中也不可一味地用喉部的肌肉“撑”声音，让声音变得“浓郁、厚重”，这是很多声乐学生进入的一个误区。其实，最了解自己嗓音的永远是自己，不要模仿或“做”出不属于自己的音响效果。就这位男中音而言，其声音应该是灵巧型的，但由于演唱过程中腰腹部的力量运用不够，没有充分吸气，在一定程度上影响了声音的位置。另外一个重要原因是由于声音位置不够高，以致高音吃力、音准不够。通过和慧老师的点拨，学员努力尝试在演唱中保持高位置，声音集中，不再向后“倒”，高音问题得到解决，演唱也变得更轻松、自然。

2.声音的想象

歌唱中声音的想象，包括音高的想象，声音形象的想象。成熟的歌唱家在演唱中一定是意识先行于声音，因此和慧老师告诫学生们演唱时头脑要十分冷静，尤其演唱高音时切忌冲动；在张嘴之前，意识上要先想到声音，因为只有想到了才有可能唱到，如果想不到永远也唱不到！

授课时，和慧老师点出了大家在声乐学习过程中普遍存在的一个问题，即对声音的想象不够。部分学生在演唱中时有音准偏低的现象；还有部分学生声音太过“结实”“死板”，过分“认真”，以致即使高音拼尽全力，也不尽如人意。其实，歌唱的过程也是一个不断调整声音的过程。演唱的作品不同，要求的声音形象也各不相同，用气息调整声音、用声音塑造人物，是声乐表演最突出的特点。歌者在演唱中应当时刻保持清醒，在脑海中一定要有音高概念，对所演唱的音有一个预设的想象，不要逢高就“拼”“喊”，万万不可以粗鲁、野蛮的方式演唱高音。

另外，在塑造人物时，有些角色是高贵典雅的，有的角色是深沉忧郁的，还有的是热情奔放的，不同的人物用什么样的声音表现，演唱者应该提前有所设计。即使是同一部歌剧或同一首咏叹调，随着剧情的发展，人物的心理也在发生变化，演唱时应该提早规划。单一的用声，没有层次的音乐表现，缺乏对声音的想象，不仅会让听众产生视听疲劳，对演员的嗓音及身体机能都会产生严重影响。

想象为声音提供了更多的可能性，但是若想让想象中美妙的声音得以实现，前提条件必然是歌者具备灵活且高超的声乐演唱技术。只有想象与技术相结合，才能完美演绎作品。在日常练习过程中，歌者要不断精进自己的演唱技术，将想象中的音响效果变成实际演唱效果，心所想、力所达，这才是歌唱的“自由王国”。

四、如何用功

处理音乐是否严谨，是专业声乐演员与业余声乐爱好者之间最大的区别。大部分声乐专业的学生在学习和演唱中不够严谨，主要表现为读谱不仔细，语言不准确，对作品的诠释无法接近作曲家的真实创作意图。因此，学生们在声乐学习中，应该严格要求自己严谨对待谱面，语言精准。这是成为一名职业歌剧演员所应具备的基本职业素养，有时候甚至比嗓音条件更为重要，关系到你是否能完成角色的塑造，是否能与乐队、指挥及其他歌唱家顺利合作。

1.读谱须严谨

乐谱是记录音乐内容的主要载体，是音乐作品一度创作的成果，想要完成作品的演唱，仔细阅读乐谱、学习乐谱是第一步，也是最为重要的一个环节。然而声乐专业的学生普遍存在读谱不严谨的问题，这与长期形成的不良学习习惯有很大关系。我们常常看到很多优秀的歌者，虽具备一流的嗓音条件，演唱技术也炉火纯青，但却无法在声乐艺术道路上一直走下去，最根本的原因就是读谱能力欠缺，读谱不够仔细、严谨，演唱自由、随意。长期以来，声乐专业的学生在学习中存在一个很大的误区，认为声音是第一位的，有了好的声音就有了一切。这种错误的认识，让很多有潜力的歌者在后期从事专业的声乐演唱、歌剧表演时遇到了重大的挫折和打击。

在大师课授课过程中，部分学生无法准确地完成谱面内容，随意延长音符时值，作品速度不准确，该快的部分演唱拖沓，而应该慢的地方又容易出现气息无法支撑的尴尬，跟伴奏的配合也经常出现脱节现象，抢拍、拖拍等问题时有发生。这些都是由于演唱者在前期的学习过程中不严谨所导致。和慧老师以其多年在国外演出歌剧的经历，向大家讲解了仔细读谱的重要性。她说，一部歌剧作品的演出，在挑选演员时最看重的就是演员的读谱能力，其次才是声音。指挥宁愿选择读谱能力突出而声音条件一般的歌剧演员，也不愿意选择声音很棒但是读谱不严谨的演员进行合作。可见，仔细读谱对于声乐学生乃至演员的重要性是不容小觑的，理应引起学生们的重视。

此外，和慧老师就如何学习新作品，提出了一些建议。首先，在乐谱学习阶段，要反复边打节奏边小声唱谱，确保每个音的音准及时值准确无误。其次，相对熟悉乐谱之后，对于谱面所标记的表情记号、速度记号等都要在小声练唱中体现出来。声乐是一门需要反复练习的学科，想要成为专业的歌剧演员每天都要保证八小时以上的学习时间。当然，不是放声唱够八个小时，练唱时间大概在一个小时左右，状态不太好的情况下，可以适当减少练唱时间；大部分的时间应当用于对作品的仔细研究和学习方面。和慧老师说，自己直到现在依然坚持每天工作、学习十几个小时，大家在惊叹之余更是报以热烈的掌声。“台上一分钟，台下十年功。”和慧老师也借此古训激励同学们认真学习，仔细钻研。

2.语言应准确

语言是文化的基础和精髓，通过语言可以了解和感受文化的魅力，从而传播文化、传承艺术。对于想要从事歌剧事业的学生或年轻歌唱家们来讲，演唱的作品大部分都是外国作品，因此外语的学习就显得尤为重要了。当和慧老师问及所有听课人员有多少人正在学习外语时，举手的只有零星几个人，她当即鼓励大家努力学好歌唱中所要用到的歌唱语言，至少学习并熟练掌握一门外语。这种学习，不仅仅是简单拼读，更重要的是要了解语言的发音规则，掌握语音、语调，提高自己的语感，并能进行简单的交流沟通。在学习声乐作品时，对歌词内涵、单个词语的中文含义都应当烂熟于胸。

授课中，有些学生对歌词内容一知半解，对单个词语的意思一概不知，甚至一些词语在读音方面都存在严重错误，使得歌词含义发生了改变。此外，部分学生不会发意大利语中的大舌音“r”，有失意大利语的纯正，令其演唱留有缺憾。还有部分学生意大利语的双辅音发音不准确，德语作品中词末辅音不清晰等现象也颇为常见。这些错误的发音习惯，如果让母语国家的人听，有些词语的发音势必会引起重大误会，差之毫厘、谬以千里。

歌词是声乐作品内容的主要表现方式，有着举足轻重的作用，关系到演员的演唱能否准确表达作品内涵，从而打动观众内心，引起共鸣。有时候不经意间的一字之差，或是偶然的错误读音，有可能让歌词意思截然相反。

声乐演唱是一项需要与他人合作才能完成的艺术创作，严谨性体现在各个层面，长期养成的不良学习及演唱习惯会制约歌者艺术水准的提升，看似简单实则至关重要的音准、节奏、语言等基本问题，有时候却是提升艺术品质的巨大阻力。

结 语

两天半的大师课不仅让大家学到了许多声乐演唱技术层面的知识，也让大家在艺术表现及艺术审美方面受益颇多。和慧老师从专业角度为学生们指点迷津，以一名有着多年海外学习、演出经历的歌唱家、歌剧演员的身份，向大家讲述了从事歌剧表演所应具备的专业素质，同时也为听课学生点明了今后学习中需要注意的诸多细节问题。平易近人、谦虚低调是大家对她的一致印象。总之，声乐学习道路漫长且艰难，枯燥和孤独是常态，对于在歌唱艺术上有着强烈热情，正在坚持不懈、努力拼搏的年轻歌者们，多练、多学、多思考是应该被我们铭记于心的声乐学习行动准则。