声乐演唱中常见问题及解决对策探析

李佳桦

【摘 要】声乐学习需要长期的练习与培训才能达到预期效果，也就是说要坚持不懈地进行学习与练习。声音是无形的物质，在练习中可能会发生许多情况及问题，笔者针对声乐学习过程中遇到的问题在该文中进行了详细解析。

【关键词】声乐演唱；常见问题；分析

中图分类号：J616.2 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）11-0050-03

声乐艺术要通过持续的练习才能得出总结，并不是只单纯依靠课本中的理论知识就能获得成果。声乐在艺术门类中并不存在着实物，它是无物质的抽象的，唱歌时总会有很多的情况与问题使我们很困扰，也经常会有很多喜爱声乐的人找不到正确的方式，一些初学者经常会被引入错误的道路。针对这些问题我们进行了一番探讨，以下是关于学习声乐时需要了解的一些问题。

一、声乐演唱中如何进行情感表达

音乐是一种能够产生共鸣效果的声频，而声乐演唱则是有别于器乐的音乐表演艺术形式。声乐演唱是指用歌声，以嗓音为主的音乐演唱，但是这种演唱始终体现的是人对于自己内心情感的抒发，因为那种融于音乐高于音乐的感情才是其表演的灵魂，才会让人产生共鸣。许多人不断加深自己对声乐作品的了解，运用一些技巧使声乐演唱的内容与情感呈现在人们面前，使声乐成为大众文化，努力做到雅俗共赏。这篇文章就从声乐演唱情感抒发的角度出发，通过大众对情感的理解，来向读者展现情感抒发的方式。

社会在不断发展，我们向小康社会一步一步迈进，人们所追求物质生活达到一个饱和点，渐渐向精神生活迈进。音乐是融于现代生活，人们喜闻乐见的精神文化，它能精确地反映人们内心的情感，使人产生共鸣，身心得以放松。情感是声乐表演最重要的一部分，演唱者必须投入最真挚的感情，精准地把握观众的情感，以达到表演的最佳效果，把声乐的艺术魅力展现到极致。

（一）声乐演唱中情感表达的意义

情感的抒发是声乐演唱的基本支点，如果声乐演唱缺少情感的支撑，声乐艺术就丢失了灵魂。演唱者运用情感的感染力使声乐作品得到升华，使单纯的词句富有活力，使静止的文字变成跳动的音符。事实上，通过观察我们可以发现，同样的声乐作品，不同的演唱者对其进行表演，它所达到的艺术品位是不尽相同的，这与演唱者自身付出的情感有很大关联。如果情感输出比较少，只是盲目地重视演唱方式，忽视作品的基本涵义，只会失去作品的感召力；不过，情感输出过多，对歌曲的表现形式进行夸大，也不能精准地反映作品的情感内涵。所以，恰当的情感输出至关重要，只有演唱者对情感有精确的掌控力，才可能演唱出最佳的群众喜欢的声乐作品。

（二）声乐演唱中情感表达的影响因素

1.演唱者对音乐作品的理解。演唱者在声乐演唱时，对声乐作品了解的层次是影响情感抒发程度的重要因素。声乐作曲家运用作品来阐明自己的感情及情操，而演唱者必须加深对作品的理解，感同身受才能完美地演绎作者所表达的情感。因此，演唱者在上台前要全方位地了解演唱内容的时代背景、表达的意义，在尊重原有情感的同时，形成自己的感情韵律和独有的演唱方式。

2.演唱者对声乐作品歌词的把握。语言是世界上最美的艺术，也是人类抒发情感的主要工具，音乐作品的词句既能充分体现情感的意义，又能完美展现作品的重要内涵。演唱者在上台前首先要熟悉词句内容，联系作曲家的写作想法领会其作品的情感意义。所以，演唱者想要表演出好的作品就要充分了解歌词的意义与价值，挖掘其作品的深层内涵，对情感的抒发有绝对的掌控力才能演唱出高水平的声乐作品。

3.演唱者对演唱技巧的运用。演唱者在演唱时需要高超的演唱技术才能把作品的情感完美地展现出来，而演唱技术则要求演唱者能够精准地掌握作品的节奏、韵律等。作品的内容与情感是运用音乐韵律的快慢、强弱展现出来的，情感跟随韵律上下浮动。演唱者要恰当掌握作品的速度，有技巧性地抒发不同的情绪情感。与此同时，演唱者必须把握歌曲演唱的力度，在演绎激昂的情感时要用逐渐增强的力度，反之，在抒发哀伤的情感时要用相对弱的力度。总之，对演唱技巧的精准掌握是影响情感抒发的重要因素。

（三）声乐演唱中情感表达的方式

在声乐教学和演唱时，我们经常发现，演唱者过度强调声音的控制、声腔的音调等技巧层次的表达，而忽视了作品的情感、词句的音律、艺术造型等深层次的意义，这不仅失去了音乐审美学，也泯灭了声乐演唱的内涵。黑格尔从音乐美学的角度出发，认为音乐所表现的方向就是情感。事实上，人们普遍认为，能够演绎人们生命意义及情绪情感的音乐作品才最具价值。歌曲演唱不仅需要绝佳的技术技巧，最关键的因素是完美地展现歌词曲调的涵义。

（四）加强歌曲演唱中的艺术处理

在声乐演唱时，情感的抒发是经过声音传达给欣赏者的。因而，演唱者演唱时对音调音色的控制力度，也是表达作品欢乐、哀伤等情感的主要方式；对于节奏、韵律的精准控制，更是打造音乐艺术的必要因素。

1.加强声音的变化对比。人类的情感是心理变化的体验，如果这种心理变化体现于声乐演唱里，就会表现在声音音调的力度、速度及音质上。演唱音调的力度是声乐表演的主要手段。如果乐曲缺少力度的调节，那么这种声音就会平淡萧瑟，不会拥有艺术魅力。音量的强与弱对乐曲具有较高的表现作用，声音的渐变过程能体现人类情感的起伏。光亮的音色体现出活力和激情，阴沉的音色体现出忧伤和郁结，纤柔而温婉的音色则体现出了亲和、柔润与轻抚的情感等。声乐演唱时，演唱的速度也能影响情绪情感。愉快而富有活力的作品，演奏速度相对快；哀伤而忧愁的作品，演奏速度比较慢。速度呈现情绪与情感，它们相辅相成。因而，演唱者在演唱时，更要对声音进行细致处理，发掘所演唱作品的情绪情感。

2.准确地呼吸与停顿。因为乐曲的韵律源自生命的跳动，与身心统一有紧密联系。因而，对韵律的精确掌握是影响创作、演奏声乐作品的重要因素。艺术层面的词句是顺滑的、圆润的、延续不断的，不要因为呼吸就减缓韵律，这会对乐曲艺术的塑造产生一定压制。演奏时，演唱者要在把握乐曲韵律的前提下，对词句进行精细区分，形成精准的呼吸和抑扬顿挫。一般而言，演唱时呼吸的停顿与词句的停顿是相同的，借助词句的停顿对韵律的呼吸进行停顿通常是相对可信的。有的时候，韵律的演奏并没有停顿的意思，但是因为词句停顿的要求形成暂停或急促停顿的现象，是增强艺术魅力的体现。因而，在乐曲演奏时，要减少没用的呼吸，防止乐曲支离破碎，没有连贯性。不过，在一些特殊的语句中，也能使用呼吸来强化表情。精准的呼吸与抑扬顿挫，会影响音乐演奏的激情，就像有一只无形的大手，使词句间具有连贯性，使乐曲韵律自然流畅。

（五）歌唱中歌曲的表达方式

声乐演唱时，演唱者想要完美地展现出作品的情感，需要把握下面一些技巧。首先，演唱者需要精准控制情感的起伏，展现旋律的韵律美，生动地把僵硬的词句变成优秀的艺术作品，完美地将作者的情绪情感传递给听众。其次，声乐演唱时韵律的把握非常重要，把握整首曲子的旋律，使歌曲流畅自如，使欣赏者置身其中。最后，需要把握演唱的韵律、速度及力度。因为任何人都有自己的特点，所以演唱者必须挖掘自身的潜在能力，搜寻恰当的演奏技巧，运用它完善自身的气质，使歌曲完美地展现给听众。

（六）演唱者全身心投入

声乐演唱者不管是上台前的准备还是演唱时，都要拥有平静的心理状态，做到身心合一。一心一意地融入到工作中去，先感动自己再影响他人。台上一分钟，台下十年功，演唱者在上台前必须反复练习，熟练地演奏乐曲，自己的意识中要有一个完整的舞台形象。进行声乐演唱时，精准地掌握自身的肢体语言、表情的变化及恰当的情感抒发，只有这样才能真正打动听众。

总之，优秀的歌曲演唱应该是技术精湛、身心合一，只有这样才能感动他人，产生优秀的艺术作品。一个合格的演唱者是擅长打动人心的，因而激发观众的情绪情感，把作品的意境流露出来，流动到其他人的心灵里，影响他人，这才是艺术的真正魅力，才是艺人的成功。

二、唱歌时如何正确使用嗓子

这个难题使许多的歌唱爱好者受到困扰。一部分人认为练习声乐时根本用不着嗓子，原因是认为嗓子一定不能用力，要充分放松，否则就会有嗓子过于疲惫的状况。一般情况下有这种观点的歌唱爱好者在唱歌时就很容易出现声音微小、颤抖以及破音和无法持续的问题，这类现象就是持有“用嗓就一定费嗓”这类观点所造成的。我们唱歌时一定要用到的就是我们的嗓子，这个器官位于喉部，如果它不被拉紧，同时不能更好地关闭，就不可能发出更好的声音。一般情况下任何声音的产生都是源于物体的震动，如琴弦一般，如果没有使其紧绷，就难以弹奏出好听的声音。那么演唱时究竟需不需要用到嗓子呢？答案当然是肯定的：一定要用到嗓子。而这样演唱是否会伤害到嗓子呢？归根结底还是要看在歌唱时能否正确地运用嗓子，如果能够正确运用嗓子，不但不会伤到嗓子，反而还能加强声带的力量。国际知名的声乐大师也难以做到在演唱时不费嗓子，也会有些许的嗓子疲劳感。在这种情况下，我们要做的就是要寻找到一套适合个人嗓音情况的正确的发声方法，从而使对嗓子的消耗不断优化减少。

三、歌唱中打开喉咙的技巧

“喉咙属于全称，其包含喉与咽这两个部位，咽部又因为其部位的不同而被细分为口咽、喉咽与鼻咽。而喉则是用软骨支撑起来的，我们的声带就位于喉结内部，我们所说的打开喉咙就是指在使喉咙进行扩张后还要使其拥有向下的力量，与咽部反方向扩张伸展而形成的垂直拉开的状态与力量。”从表面上来看，要比平常更向下扩张。我们所有人在生理构造上都会有着这样那样的细微区别，女人与男人相比，女人的喉结比较小巧和隐蔽，而男人的大且明显。就身体构造而言，大家的脖子长短不一，喉结也有大小与位置的不同，因此在演唱过程中喉位的运用程度并没有一个衡量的标准，也就不能单纯地通过视觉来衡量。从内部来说，如果在唱歌过程中能够打开牙关，使鼻腔顺畅，喉与喉结的底部处于一种向下的力量且较稳定，口咽、喉咽与鼻咽都十分积极的时候，也就是正确地使喉咙打开了。我们所说的喉结的向下力量与稳妥并不是说要去压喉咙，有一些歌唱爱好者在学习之初为了使喉咙稳定在下面，就会用舌头的根部去用力地压住喉咙，使喉头向下，这样从表面上看虽然会很明显，不过并不是说这样就算是打开喉咙了，是不是正确打开喉咙不能只是单纯通过对表面的观察来确定，而是要根据其演唱时喉咙的状态，观察其喉头能否自然顺畅地下沉，更重要的是舌头要松懈且舒展，不要使劲向后压。很多声乐教育家就倡导在演唱时要有一种半打着哈欠的感受及状态，这也是使我们的喉咙能够正确打开的最为简单且有效的方式。那么在演唱时打开喉咙究竟有什么作用？为什么要注重喉咙的打开？笔者认为：

第一，打开喉咙是为了在演唱时得到更好的呼吸循环。喉咙不但是发声器官同时也是呼吸器官，只有正确地打开喉咙，才能创建一个更好的发声管道与呼吸通道。在演唱时如果不能正确打开喉咙，就会造成气息微弱且难以持续的现象，就难以使横膈膜与四周肌肉群进行更好地搭配，就会使发出的声音颤抖无力。

第二，能够使发音部位有更好的共鸣。口咽、喉咽与鼻咽的打开能够形成发音管道，我们发出声音的音色好坏与音量大小都取决于发音通道与胸腔和头腔的共同作用。

第三，是发声部位的主要保证。通过进行“打哈欠”这样的方式来带动喉咙部位的震动，以发出更高位置的声音。在演唱时声音高度的不同和声带震动的频率有很大的关联，音区较高喉咙的边缘震动就更快，音区较低喉咙震动的幅度就会更慢。将喉咙打开了不但能够得到更好的共鸣，同时也能够为我们的音色从高至低地灵活运用以及发声器官的正确调节提供不可或缺的基础。

四、歌唱时如何做到混声演唱

我们唱歌时总是会有假声与真声这两个极端的现象出现，想要弄明白这个问题，就一定要先弄清楚真声与假声的概念以及区别。真声是在声带关闭时气流通过声带所产生的声音，这样的声音比较重且位置较低。假声是声带的部分与周围的器官所产生的后咽壁的震动，这样的声音比较轻浮且没有质量。这两类音色都有其存在的缺点，声音难以统一，音区较小且难以产生共鸣。如果想使声音更加的饱满有质感且嘹亮有冲击力，就必须把真声与假声更好地配合运用，这样才能更好地完成繁杂困难的声乐曲目。主要是要使喉咙保持稳定，要使各部腔体得到统一的共鸣。混声歌唱会用到我们身体的所有共鸣腔体，从而成为一个整体的系统，其中最主要的就是要学会怎样达到咽腔共鸣。其次是要有正确的演唱呼吸。声乐艺术到如今一共有三种演唱呼吸方式，分别是胸腹式呼吸、腹式呼吸以及胸式呼吸。胸式呼吸的缺陷就是气息不够并且浅薄，难以使喉咙完全打开，导致音区与声音难以统一。腹式呼吸是利用腹部的肌肉群来掌控气息，它的缺陷就是气息难以轻松流动，无法提高声音。混声唱歌最主要的是对呼吸气息的掌控，相对正确的呼吸方式就是胸腹式联合呼吸法，其是通过横隔膜、胸腔以及腹部肌肉群的统一运用而形成的呼吸方式，可以更好地以整体系统来控制呼吸器官的震动及发声，得到更为稳定的气息，以获得更加有质感的优美的声音。

五、歌唱中如何有效培养良好的心理素质

（一）培养学生的自信心

在全部的声乐教学过程中占据主要地位的就是自信心，因为关于音乐的教程本身就是很枯燥繁冗的，每一个音乐初学者在每个学习的阶段内都会有各种各样的情况发生，会有不一样的理解和表达，也就是说，需要学生具备很强的自信心才能坚持到最后。学生在学习声乐的第一个阶段可能会有不错的感觉，不过在经过专业的学习后就会出现这样那样的问题和困惑。比如在练习时总是发不出正确的声音，发声位置难以确定，气息太乱，难以流动，当出现了这些状况时，我们就要调节好自己的心态，正确地去处理问题。要始终对自己充满信心，不要害怕困难以及挫折。只有这样慢慢地培养学生对于学习声乐的自信心，才能使其进行更深层次的探讨。

（二）选择适合自己的歌曲

每一个演唱者的发音部位都不相同，也就使其音色以及音域都不相同。比如，一些演唱者的声音特点是嘹亮高亢，这样的嗓音条件就适合以演唱民歌为主，还有一些演唱者的声音特点是低沉、宽厚，这样的嗓音就适合以演唱美声为主。每一个声乐学习者都要找到适合自己嗓音的歌曲，然后进行探讨与练习，这样才能更好地挖掘自己的天分。

（三）提高演唱技能技巧

每个成功的演唱者，都是要在学习以及练习中付出许多许多的努力。在学习声乐时要努力地创新，不断挑战与突破自己，只有这样，才能使自己的整体能力得到质的飞跃，同时也能使自己的自信心不断充实，成为一个成功的演唱家。

（四）经常参加演出实践活动

身为演唱者，一定要主动自觉地参与演出实践，这对加强自己的演唱能力有着非常重要的作用。身为演唱者，必须要在舞台中历练实践，通过舞台的检验来提高自身的实力。

六、结语

声乐学习需要持之以恒的毅力，要将其变成自己的习惯。在学习的各个阶段中也许会出现许多无法避免的状况，作者认为最重要的就是要弄清楚科学的发声方式，通过理论学习和实践来进行系统练习。