音乐对芭蕾发展及对训练与表演的重要性

■苏钰琳

音乐对芭蕾发展及对训练与表演的重要性

■苏钰琳

芭蕾舞经过了几个世纪的传承与发展，一直不断地追求完美，渴望突破。在当今时代已经成为了一种优雅的代表，高贵的代名词。从路易十四时期到现在芭蕾界盛行的爵士芭蕾与现代芭蕾，芭蕾舞经历了很多不同风格的时期。从宫廷礼乐到古典音乐，再到富有各种风格的交响乐，以及现在许多编导常用的摇滚乐、爵士乐。芭蕾舞表现的内容正随着音乐种类的多样化也渐渐发展广泛。由此可见，音乐在芭蕾艺术发展史上，对于舞蹈表现的意境以及风格都起到了一种不可代替的引导作用。

古典交响乐与古典芭蕾

在俄罗斯学院派古典芭蕾舞剧中，最众所周知的的代表作就是柴可夫斯基的“三大梦幻芭蕾”——《天鹅湖》《睡美人》和《胡桃夹子》。柴科夫斯基是一位非常热爱大自然的音乐家。俄罗斯美丽的大自然给予他激情，而他也经常留意在那些激情之中捕捉某些素材，这能够给他的创作带来无止境的灵感。在柴可夫斯基的《天鹅湖》中，尤其可以在音乐中聆听出这一特点。整部舞剧乐章透明度高，动感十足。

第一幕和第三幕中炫目华丽的色彩将辉煌的宫廷盛宴表现的淋漓尽致。第二幕与第四幕表现天鹅湖畔的乐章，音色华丽，质感柔和，低音深沉哀怨，中音平滑、高音纤细，仿佛白天鹅一切的形、动、声都在每一个音节中展示在观众的面前。整部乐谱节奏感清晰，强弱拍突出。从而，《天鹅湖》的编导彼季帕，也自如地运用了芭蕾舞中上百种大小幅度不同的舞步来表现每一个音色需要诉说的故事。演员在熟悉了舞步之后，能够有足够广阔的潜在空间可以将自身融入进音乐，用自己的肢体将乐章“唱”出来。其音乐内在的魅力，完全能够将演员带入真正的天鹅湖畔，如天鹅般偏偏起舞。

芭蕾史上第一部有完整戏剧情节的芭蕾舞剧：彼德·哈尔罗德·赫特尔的《无益的谨慎》（又名：《关不住的女儿》），当时为了用芭蕾舞高雅的表演方式讲述一个乡村姑娘的爱情故事，从而加入了许多与民族风格有关的民间元素，整个作品都富有浓郁的乡土气息。与此同时，随着音乐风格的带动，舞剧里也不仅仅局限于芭蕾舞足尖的表现，还有木屐舞。编导根据音乐风格，利用木屐的特点而设计了用木屐鞋踢打地板的动作来发出脆响的声音与那一段音乐风格作出了巧妙的辉映。

现代交响芭蕾的引导者——乔治·巴兰钦

1904年出生于俄国圣·彼得堡，1924年移居美国，并且被后人誉为现代交响芭蕾巨匠的——乔治·巴兰钦，在芭蕾舞历史上有着不可替代的影响。他改革和丰富了古典芭蕾舞，使芭蕾舞成为揭示音乐形象的主要表现手段。

通过《小夜曲》（1934）、《巴罗克协奏曲》（1941）、《水晶宫》（1947）、《竞技》（1957）等一系列作品，巴兰钦形成了自己独特的“音乐芭蕾”风格。他本人在音乐方面有着非常高的造诣，因此他及其重视芭蕾舞与音乐的和谐一致。在他看来，纯舞蹈性的芭蕾中没有故事，没有外界力量，只有音乐。演员们用美丽的肢体语言表达音乐，用音乐节奏和舞蹈结构充斥着某种思维或是肢体动作的纯真之美。在他的作品中，对于动作在音乐节奏方面的处理，常常与以往的古典芭蕾有很大差别。单从音乐来讲，他所用的乐章，每个

小节的拍数经常会出现不同的变化，而非古典芭蕾中正常的八拍，并且在动作上对身体重心以及动作的重拍的处理上也可谓是“变幻莫测”。这就对演员有了更高的要求。这种情况下，只有当演员真正了解了编导的意图与编舞的思维逻辑，以及确切地熟悉了音乐的内容之后，才能够更加深入地用肢体语言揭示出这种非同寻常的音乐表现手法。

巴兰钦的交响芭蕾是现代芭蕾的开端，他完成了芭蕾舞从古典到现代的蜕变，因而成为美国乃至世界现代芭蕾的主流，也获得了经久不衰的赞赏，并且受人敬仰。

风靡当代的爵士芭蕾、摇滚芭蕾

爵士芭蕾与摇滚芭蕾，顾名思义就是以爵士乐、摇滚乐作为音乐伴奏的芭蕾舞。它们是当今世界各地的现代芭蕾舞编导们最青睐的芭蕾舞的表现种类及手法。

随着社会的进步，音乐种类的发展，芭蕾舞也随之出现了各种各样的表现形式。遍布世界各地的编舞家们，也都纷纷大胆的尝试用芭蕾舞足尖的方式，配合各式各样的音乐风格，来表现不同的作品内容。在这一类型的芭蕾舞中，动作与音乐更是不可分割的。编导们通常运用爵士及摇滚音乐中，突出的节拍特点，以及各种重金属乐器的特殊音效，尽情地展开思维想象，运用各种尽可能的方式，甚至借鉴许多其它类别的舞蹈动作，来体现爵士音乐和摇滚音乐的个性特点。从而利用当今时代的音乐作品，来表达现代人的思想方式、审美方式，甚至一种生活状态。

演员在训练中对音乐节奏把握的重要性

从接触芭蕾舞的第一天起，音乐伴随着整个课堂从开始到结束。那么由此可见音乐对于芭蕾舞来说，不仅仅是在舞台上的组成部分之一，在课堂里它也同样重要。

芭蕾舞的动作，规范总结有上百种。训练中，音乐的风格与动作的风格一定要做到吻合，在训练过程中也必须清楚音乐节奏的区别，以及两个动作之间性质上的差别。在训练中并不是单纯的数节奏，而是需要真正地融入到音乐风格中去，了解音乐节奏的意图。尤其到了中间的练习，由于脱离了扶把的支撑，不成熟的学生便容易为了动作而动作，刻意地为了节奏而数节拍。这样的情况很糟，但却是最常见的。

因此，对于训练来说，一个好的钢琴老师在整个课堂里就成为了重中之重，如果音乐选择不好，或是钢琴老师的水平不足以能够体现出音乐的风格、节奏与性质，那么它会影响一个演员做动作的激情与积极性。尤其是对于年龄小的学生来说，也会失去训练他们在动作中如何恰到好处地处理与把握不同风格的音乐的意义。所有的动作看上去都会没有生命力。

从艺术表现的方式上来说，舞蹈与音乐分别是给予欣赏者视觉和听觉两方面的感官享受。因此，音乐对于舞蹈来说是不可分割的。在芭蕾舞的发展史上，每一个不同时期的音乐和每一位不同的作曲家，在他们的作品中都有他们各自的风格，并且都会带有当时的文化艺术背景特征和不同国度的文化艺术特点。演员诠释舞蹈作品的同时，如果能够深入音乐、了解音乐，很大程度上对于作品的内容理解以及角色塑造方面有着不可言喻的帮助。一切的动作都是在深入音乐后，发自内心的表现出来。用音乐体现舞蹈，用舞蹈表达音乐。