网格与色彩的抽象重塑

梁潇

近日，以非裔美国艺术家收藏著称的纽约哈莱姆画室博物馆举办了斯坦利·惠特尼Stanley Whitney的“舞动橙色Dance the Orange”主题展。这也是画家首次独立开展。1946年出生于费城的凭借直白的色彩抽象画作自1990年代中期赢得了广泛的关注。自6月16日起到10月25日，本次展览将集中展出斯坦利·惠特尼2008年到2015年之间创作的29件油画以及纸本作品。

“哈莱姆画室博物馆作为首家为斯坦利·惠特尼举办个展的机构”，总策展人塞尔玛·高登说，“我们感到无比荣幸得以呈现他丰富的画作。斯坦利·惠特尼1968年移居纽约，同年我们博物馆成立，如今在博物馆成立五十周年之际能举办这样一场美轮美奂的展览，对于我们来说是一次历史性的事件。”

陆续在中西部、纽约和耶鲁接受了艺术教育的斯坦利·惠特尼已经在近年来收到艺术评论界的关注与好评，曾荣获美国艺术暨文学学会奖等艺术奖项。据他自述，在画家生涯的早期，他用大量的时间去思考与寻找让他感觉到真实自我的创作方式，他回忆起那段日子时，曾叙述到：从1972年到80年代晚期，我在画室中，不断地去思考，在艺术创作中不断去探寻，为尝试创作出让自己满意的作品。在九十年代中期，惠特尼先生游历埃及与意大利，这段经历为其艺术创作提供了许多富有新意的灵感，惠特尼先生在此时形成了类似建筑构造理性化的艺术思维，这种思维方式形成了其现在富有标志性的个人艺术风格。其画作中，富有旋律的韵味，伴随着预先设定的造型结构与即兴式创作，这种即兴式创作有一部分因为他对于爵士乐的喜爱，并且方格状的造型样式丰富多彩，运用单一的色彩，并且配合着水平色彩带，这一切都经过惠特尼先生的深思熟虑。

两个互为补充的由油画和纸本作品构成的展览充分地体现了惠特尼先生在抽象艺术方面不懈的探究与努力，这个展览便是在纽约哈莱姆画室博物馆举办的“斯坦利·惠特尼：舞动橙色”，这个展览展示了斯坦利·惠特尼对于艺术作品视觉表现力和清晰度强化的视觉探究道路上持续七年的艺术努力与成就。另一个展览，是由纽约东区的轮回画廊和艺术出版商集中了一系列很冷门的创作于90年代的艺术作品，这些艺术作品反映了关于艺术创作中对于勤奋的遵循，这些观念直接催生了在哈莱姆画室博物馆展示的作品，尤其是那些挂在墙上具有的沙龙风格的艺术作品，上面往往有铅笔、色粉或油画习作的痕迹。（想要更多了解斯坦利·惠特尼艺术创作道路的细节与详述，可以参考由卡尔马出版的新书，这本书复制了多达311幅从1978年至2014年的画作和创作手稿）

抽象绘画以其让人们难以理解，略带晦涩的视觉呈现形式不断地进行新的视觉图像的重塑和绘画语言的探索。有时，抽象绘画超越并且挑战着人们的传统审美观念，让我们不断触碰着新的艺术样式，正如，苏联艺术家马列维奇在1915年创作的名著《黑方块》，美国著名抽象表现艺术家杰克逊·波洛克从1940年代末期开始以滴画法进行的抽象艺术创作，以及美国艺术家弗兰克·史戴拉自60年代的初期以立体画布和金属条纹为特征的抽象主义创作。但同时，抽象艺术的发展有时似乎会处于一个停滞的状态，它会满足于重复已被人们接受和认可的对于抽象艺术的定义以及视觉画面中所具有的抽象艺术的形式特征，例如抽象艺术中对于色彩的简化，即对于单色的运用，以及对于网格构图造型样式和条纹的运用等等。

但是，某些艺术家会在对于原有艺术观念的坚持中，发现自我的艺术本质和自我内心的诉求，从而为观者展示出新的艺术生命力和视觉样式。美国抽象艺术家惠特尼，可以说是对于这一艺术观念最好的践行者，他在手绘几何形和一系列大量且强烈的色彩中，发现了其个人化艺术风格创作的途径，这种艺术风格既没有停滞在其已有的历史创作轨迹之中，并且也没有对于原有艺术观念的重复。但他平稳且坚定地完成了抽象艺术在形式和意义方面可能性的扩展。

在斯坦利·惠特尼的作品中，通过对于饱和的纯色和具有现代主义特征的网格状造型形式这两个方面共同的艺术革新与运用，从而为其抽象艺术的创作注入了新的生命力。他通过这种艺术创作方式，探索出一种即兴的且高度凝练的极简主义艺术样式，在这种艺术形式之中，轮廓鲜明的边缘、规整的线条和固有的造型系统被忽视和打破，从而使得用色更加自由。这一切新的艺术造型手法给予了观者丰富的视觉信息量与视觉感知，促使观者对于画作细致的观看和思考。

惠特尼先生的视觉造型系统具有灵活而简洁的视觉特征：在方画布之上，他将音乐般绚丽且富有节奏感的色彩的分区排列成灵活的且边缘放弃了直边造型的方格状，用至少三条色彩水条平带来加强色彩方格状的色彩分区。当这些色彩水平带与色彩分区相称时，方格状的色彩分区悬挂于色带上的效果会使视觉空间发生改变。这些方格常常被其描绘成不规则的形状并且方格之间小块的色彩经常浸入其它方格色区的边缘，这种造型手法使得其它色彩分区在不经意间已进入了观者的视野之中，产生了一种不同的画面排列方式。

在画室博物馆每一件展出的画作中都具有以上所阐述的艺术造型特征，但这种艺术造型特征在惠特尼先生的作品“舞动的橙色”中展示了其特别的视觉复杂性特征，这件在2013年创作的作品贴切地阐述了其作品名称“舞动的橙色”，五种不同色调的橙色色彩分区环绕挤满在一块区域面积较大的黄色区域，并且通过与五种不同橙色的混合或者不混合的水平橙色条带来加强黄色区域。色彩之间的冲突通过画面右侧两种蓝色和一种黑色的堆积进行调和。

一如美国非洲裔艺术家的作品，这种画作鼓舞着这样一种对于艺术的理解，即每一个色块区域是不同的，它们拥有着自己的形状和比例以及色度，平面区域和与整体造型之间的关联性。这种丰富的造型条件受到视觉、哲学和政治层面的影响。

惠特尼先生于1946年出生在美国宾夕法尼亚的东南港城市：费城，并在这里长大。在堪萨斯城艺术学院获得艺术学术学位，之后在1968年他移居纽约，并在1972年，在耶鲁大学获得美术硕士学位。在与前工作室博物馆馆长洛维里·斯托克斯·希姆斯的一次访谈中指出的（此采访内容是本图录最根本的文献），非洲裔美国人的身份，间接地推动了他在艺术道路上的前进。惠特尼一直清楚地认识到其画家的社会身份，但是一直到了1970年代晚期，他成为了一名完全自由的抽象艺术家，并在90年代早期，其在抽象艺术创作生涯中迈出了一大步。但是他不得不去思考作为一名黑人艺术家这一身份所要面对的一些社会问题，比如他的黑人肤色，男性身份以及“只是作为—个普通的个体”等问题。惠特尼就这些问题对希姆斯女士这样叙述到：“当你面对一个空白的画布，你需要将所有这一切你所面对的问题表达在画作之中。”他对于这些问题的思考清晰地表达在其作品之中，并且作品中充满了对于自我清晰地认知，这些认知与理解需要艺术家对于自我真实的感知。

惠特尼先生的艺术与整个20世纪绘画的历史有着紧密的关联性。他对于颜料的运用与其他美国籍非洲裔的艺术家非常相似，尤其是著名的人像艺术家鲍勃·汤普森和雅各布·劳伦斯所提倡的鲜艳且不透明的色彩的运用，他们很少使用白色。

惠特尼先生作品中白色的实质性的消失建立了极好的色彩动力视觉系统和视觉内在张力，被填满画布的花样图案的运用反映着他对于抽象表现艺术家波洛克艺术作品的认真研究与学习。

虽然“舞动的橙色”与取自来自里尔克的诗篇，惠特尼先生作品的主题有时也提及政治态度或者文化认同："Radical Openness”和“Unpronounceable Freedom”（ atKarma）：也包括在工作室博物馆展出的作品：“Congo”和“James Brown Sacrifice to Apollo”。同时，在博物馆里，“My Tina Turner”祈求着一种对于著名黑人艺术家的特殊的，具有个人性艺术观念的理解与回归。那副非常漂亮的“My Name Is Peaches”就是以来自妮娜.西蒙的“FourWomen”的诗篇而命名。

惠特尼先生与现代主义艺术有着紧密的联系。他凭借直觉与即兴而创作的色彩与马蒂斯的作品遥相呼应，但其内部结构却更接近蒙德里安的作品。在访谈中，他表达了对汉斯.霍夫曼明亮帆布（鲜有白色作品中的翘楚）以及西奥尔西奥.莫兰迪仍关注于静物写生的敬仰。这里也做出了关于约瑟夫，阿尔伯的色彩同轴方块和玛丽.海尔曼的徒手几何图形的比较。

在卡尔玛艺术展览中，你会看到色彩造型因素在作品中呈现出的重要性。在这里，作品中的色块布满着明亮的光彩，形状更像是不规则的石子，对比随意而潦草的会唤起你对于涂鸦艺术和儿童绘画的造型图像的认知视觉图像之时。在由工作室博物馆副馆长劳伦·海恩斯策划的工作室博物馆展览中，色块填满封闭了整个背景，并且色块仿佛凝固了。随意涂绘的自由，有着不透明的单色如光滑柔和的肌肤一般和颜色的底纹虽然是涂擦的，但是在下面的色彩有时是看得见的。色彩是未稀释的，没有反射的光芒，颜色在画作中有着重要的作用。

此刻当观赏—个静态艺术作品时，行为艺术的拥护者通常会摒弃没有必要的部分，参与式艺术或社会实践|生艺术倡导“被动的冥想”惠特尼先生的作品充满了互动性和参与性。不是说“所见即所见”，斯特拉先生关于他早期抽象概念提出的封闭宣言，而惠特尼先生或许会提出“所见即所始”。加快我们的行程，每个人都是不同的，惠特尼的作品为我们提供了几乎取之不尽的精神食粮。

在由工作室博物馆副馆长劳伦·海恩斯策划的惠特尼先生：舞动的橙色，精美的画册将伴随着展览的举行而发布，在画册中通过劳伦·海恩斯、斯托尔、洛厄里·斯托克斯·希姆斯对于惠特尼先生作品的评论性文章，以及惠特尼先生的自述全面的聚焦其艺术生涯的贡献，并且希尔马·戈登先生将会为画册书写序言。

哈莱姆画室博物馆于1968年成立，哈莱姆画室博物馆是一所主要关注美国非洲裔艺术家，以及非洲艺术家作品的当代博物馆。博物馆通过艺术品收藏以及个人展览向观众展示独特的地方文化以及区域性文化的视觉图像。