顾潜馨：梅景再传，翰墨悠香

王悦阳

顾潜馨摄影/ 吴轶君

春日暖阳照在上海书画院画师、当代海派工笔画领军人物顾潜馨先生的画室中，愈发显得明净的画室生机蓬勃，欣欣向荣。在画案背后墙上挂着的，是顾潜馨自己创作的工笔花鸟四条屏，雅逸清新，笔墨隽永，令人观之流连不已。另一边则是刘旦宅大师题写的斋名——紫东草堂。朝南的阳台上，放着一桌二椅，案头供着清茶一杯，盆栽数个，从碧绿生青的菖蒲，到遒劲多姿的苍松，甚是好看。玲珑剔透的假山石上，藤曼垂青，偃仰多姿，面对良辰美景，笼中小鸟也不甘寂寞，不时欢鸣起来……在周浦镇上能有如此雅室，难怪顾潜馨笔下的花草鱼虫，一无俗态，超凡出尘了。

在顾潜馨作品中，人们可以品味到浓浓的古意——高雅的气韵伴随着深厚的传统功力。其立意、造型乃至笔墨、赋彩，都显得华丽而典雅。再看他的笔墨功夫，线条精到挺劲，变化多端，描写物象时一笔不苟而又放松飘逸，充满了生命的律动，这正是南齐谢赫所说“六法”中的“骨法用笔”，笔笔刚健、讲究而有活力。因此，在他的画上不但有黄筌的“富贵”，也有徐熙的“野逸”，精工绝伦复又潇洒放逸。无论是色彩鲜艳、象征富贵的牡丹芍药，还是水墨清淡、喻示高洁的兰竹梅菊，总给人以一种温柔清雅、如沐春风的感觉，沁人心脾，经久不散。这种感觉又令人联想到民国时代的国画大师吴湖帆，而顾潜馨先生的老师张守成正是吴湖帆的弟子，身为梅景书屋再传弟子的顾潜馨，当仁不让地接续了那瓣悠远的馨香。

一代宗师吴湖帆以山水著称，花鸟则最擅长荷花竹子，主要承袭南田一路没骨小写意的风格，而旖旎风流之处实有出蓝之誉。张守成的花鸟画艺术恪承乃师，所描绘的对象则丰富许多，并不限于一两种，是梅景书屋众弟子中专擅花鸟的一位。顾潜馨师承张守成，专攻花鸟，在老师的精心指导下，打下了扎实的笔墨基础，可贵的是，他在艺术的取法上并不拘于门户，眼界也不限于明清的小写意，而是追溯到宋元两代，在花鸟画的技法最完备最精到的时代汲取养料，再将其与梅景书屋特有的温雅格调相融合，由此形成了自己别具一格的画风。

如今的顾潜馨，已是花甲之年，虽然一头白发，却初心未改，依旧热爱着工笔画，每天用手上的一管笔描绘着他心中的自然世界。想当年，他在30多岁时就已在声名赫赫的朵云轩开过个展，不僅观者如云，更引起圈内热议。那时，尽管身为后生晚辈，他却得以与谢稚柳、刘海粟、刘旦宅等大家一起，为出版社画了许多年画、挂历，影响深远。改革开放后，多次举办画展的他更是声名远播，来自新加坡、港澳台地区的画商甚至一度踏破家门……然而，任外界如何纷纷扰扰，顾潜馨的内心，却始终是“回也不改其乐”，一门心思在绘画本身上，用他自己的话来说：“画画，不是画钞票，不能急吼吼;用心画，才能画出好作品。”

梅景再传

《新民周刊》：提起工笔画，其实最初在中国画中并无此一说，宋元的绘画几乎都是工整细腻地描摹自然、刻画人物为主的。直到明清生宣的出现，写意画的盛行，“工”与“写”才渐渐有了区分。到了近代，工笔画得到新的发展，诞生了诸如张大千、于非闇、谢稚柳、陈佩秋、俞致贞、田世光等一大批优秀的工笔画大家。可到了今天，写意画似乎更多地占据了画坛主体，特别是由于工笔画费力费时，因此能潜下心来创作的画家更是不多了。

顾潜馨：的确。工笔画，亦称细笔画，属中国画技法类别，与写意画相对应，宋代的院体画、明代仇英的人物画等，都是工笔画的典型代表。工笔画工整细致，要求“有巧密而精细者”。所以我们画工笔画，一般先画稿本，光稿本也需反复修改数次。然后覆上有胶矾的宣纸或绢，先用狼毫小笔勾勒，再随类敷色，层层渲染，最终达到形神兼备的艺术效果。

《粉态含香露未干》

《新民周刊》：1939年7月，张守成与陆抑非、徐邦达、朱梅村、俞子才等八人同日拜吴湖帆为师，入室“梅景书屋”。可以说，在中国近代绘画史上，“梅景书屋”的意义与影响力是巨大的，以吴湖帆先生为核心的一群艺术家，不仅高举复兴宋元优秀绘画传统的大旗，也展开了大量古代书画的研究、收藏、整理工作，其影响直至今天。而在这群学生中，张守成先生无疑在绘画上的贡献尤大，那么您是在怎样的机缘下得以拜张老为师的呢？

顾潜馨：以前在我年轻时，上海中国画院的很多老画家要下生活，他们就常常来我们周浦，对我们这批喜欢绘画的年轻人做指导，像陆俨少先生、张守成先生等。当时张先生、陆先生等的情况都不好，特别是政治待遇上，张老师还是“右派”，但他对我们很热情，也就是在这样的机缘下，我走近了张老师。1971年，我正式拜入张守成先生门下，一直跟随他老人家学画，直到数年后他老人家出国定居。那时起，我从一个爱好者正式走上了绘画艺术的道路。

《新民周刊》：听说张先生对您的教学方式完完全全是“口传心授”的传统教学方法，需要您“笔追心摹”，加倍努力，是这样么？

顾潜馨：对。当时学画，我每月去老师家两次，每次要从周浦换乘两部公交车到市区，早上9点准时到老师家，受教一天。先看老师起稿子，然后是勾线，接着上色……听他一边画一边指点，晚上临走前，老师会为我勾一幅画稿，要我带回家临摹。那么接下来的一个月里，我就发奋用功，细心揣摩老师的用笔，他画一幅，我就临十幅，下次再带去让老师评点。

《新民周刊》：张守成先生一般是如何给您勾画稿的？

顾潜馨：张老师基本功非常好。一般工笔画家画稿都要有写生稿，或者粉本、底稿，但他不需要，他在起稿子时，只要用柳条朽笔简单地画一些线条以确定位置，一个椭圆就代表一只鸟，随后就放笔勾线了。当然，他的娴熟源于大量的临摹与写生。比如他要画一幅紫藤，就会先把以前的写生稿拿出来看一看，他的写生稿极为道地，逼真极了，细节的结构、颜色的变化，都标注在写生稿上，但他看了之后，真的画到纸上，却未必都画出来，而是根据画面要求，抓大体感觉，弃局部抠描，因此画出来的效果特别好。

《新民周刊》：在强调写生与临古之余，张守成先生的笔墨艺术也拥有极为鲜明的时代特征与个人面貌，大胆创新，特别是在用色、用笔上，可谓独树一帜。

顾潜馨：是的。他画工笔，示范如何染色给我看。一般的工笔画家手里拿两支笔，一支蘸颜料上色，一支蘸清水晕染，但他不是，有时他就是一支笔转动着使用，利用水分与颜色的渗化关系，一下子就在纸上分出浓淡，鲜活得很。

他在画画时，也非常注意画面的构图与造型的把握，有时还会停下笔来问我，这里是不是应该加一朵花，加一只鸟……以此来启发、锻炼我。每次我遇到难题，比如树干的笔墨如何表现，山石的皴法如何画等等，就会紧张起来，不知如何落笔，因为你别看这些细节，一不注意画坏了就会影响整个画面。每每我向他请教，张老师总是乐呵呵地对我说道：“不要怕，便当的，便当的”，随后就用笔示范给我看，经他一画，真的就活了起来，一下子也消除了我的紧张感，随后自己学着用笔就轻松起来了。

《新民周刊》：作为“梅景书屋”再传弟子，您的笔墨技巧，书画水准早已有口皆碑，但是这些年来，生性散淡、低调的您却几乎从来不提自己的“背景”， 这与当下一些想着法儿傍名师的人，实在有云泥之别。

顾潜馨：师承没什么好炫耀的，重要的是自己画得怎样。凡是见到张守成画作的人，没有一个不称赞的，但我跟随先生多年，也从不见他打吴湖帆的名号。这对我的影响很大。

独得之妙

《新民周刊》：您在张老师家扎扎实实地学了近三年时间。除了临摹他的画稿，他是否还会教您如何写生描摹自然界的花花草草？

顾潜馨：是的，写生是很重要的一块。从历史上来看，优秀的工笔艺术作品，都来自对生活的观察、感受、提炼与表现。比如说唐代花鸟画家边鸾，据说他能画出禽鸟活跃之态、花卉芳艳之色。古籍上说，他作的《牡丹图》“光色艳发，妙穷毫厘”，观者甚至能分辨得出他画的是正午时分的牡丹。再有五代时期的画家黄筌，他笔下的禽鸟翎毛因工细逼真、呼之欲出，而被苍鹰视为真物而袭之，这则故事记于《圣朝名画评》。可见，优秀的工笔画作品，最高标准就是形神兼备。而何谓“形神兼备”？就是在写实的基础上追求神韵。

所以说，写生写生，就是要“写”有生气的、活的、自然的。张老师教我，写生要描摹对象的不同面貌，要全方位，不同角度地立体地去表现对象的不同姿态。因为写生是最可贵的生命记录，是不可重复的，不可多得的，所以要愈加珍惜和尊重。如果折一枝腊梅带回家对着画，固然方便了，腊梅却没了生气。再比如我画的月季花，即使画的都是粉红色的，懂花的人也能分辨出不同的品种。因为每种花的花蕊都是不一样的，不是所有花的花蕊都用笔那么一捺一摁的。当然，也不是一板一眼彻底逼真就对，而是在了解物体的情况下做到意到笔不到，这就需要有过硬的线条功夫，要画得松，就可以画出生气来。你看齐白石笔下的鸟虫，仔细看，和真的不一样，但怎么看，都像是真的、会动的。所以，张老师也教我画小写意，要求我学一些写意画的笔法，因为工笔和写意，是传统中国画的两大表现手法，不分高下，关键要画好。画得好的人，都是有自己想法的。绝不是越工越好，有些地方需要放松，甚至用一些小写意的技法，这是很对的。

《新民周刊》：您的大名为美术界所知，最早就是您的作品参加了“吴湖帆师生书画展”而引起的关注吧！

顾潜馨：1980年，张老师与他的师兄弟们一起筹办“吴湖帆师生书画展”，地点选在展览中心，没想到张老师还推荐了我，让我作为再传弟子，选了两幅作品参加了画展。也就是在这个画展上，引起了出版社有关同志的注意，他们后来找到了我，邀请我为出版社画年画。要知道当时出版业并不发达，画家没有什么机会出画册，轮得到画年画印刷出版的，都是像谢稚柳、程十发、陆抑非、刘旦宅等等这样的大家。因此我很珍惜这个机会，记得第一次根据要求画的，就是牡丹条屏，全幅都要求画红色的牡丹，但要画出层次和变化来，我动足了脑筋。就这样，我先后为出版社画了近十年时间。

《新民周刊》：再次在上海画坛引起轰动，是您1990年在朵云轩举办的个人画展。当时举办个人画展的画家并不多，更不敢想象能卖出。但您当时展览的作品几乎全部卖出去了。这也是社会对您绘画艺术的一大肯定。

顾潜馨：记得那次展览开了六天，不少观众甚至连看五天。有一个学校的美术老师，连续几天来看我画的一幅荷花，我问他为什么，他说要研究我画荷叶的线条是如何这样流畅的，我笑着告诉他，找是找不到的，这是接笔的。还有一位朋友，整整看了一上午，到了中午赶到楼下买个粽子吃了，下午接着再看……也就是这个时候开始，我的画拥有了一定的市场，除了本地的画廊，还有香港、台湾甚至新加坡的畫廊来与我合作。

《新民周刊》：两宋时代是中国花鸟史上的第一个高峰，在格物致知的时代背景下，无论是造型还是赋色，花鸟画的写实技巧达到了巅峰。能够准确逼真而又艺术地表现自然，不仅是一段艺术发展历史的必然历程，也是每一个艺术家的坚实基础，您的许多作品，如《竹枝螳螂》、《荷花蜻蜓》、《鸢尾蟋蟀》等，正是深厚传统功力的体现。

《荷塘鹡鸰图》 《紫藤双鸠图》 《竹间双雀》 《双雀雁来红》

顾潜馨：这些作品都可归为小品式的折枝花鸟，这种南宋时期最盛行的图示以特有的方式、双钩赋色的技巧描绘花草禽鸟最精微的情态，因其取景不过一枝一禽，画面必然要以造型色彩取胜，而两宋的花鸟画家正是于此二道孜孜以求，精益求精，才得以在盈尺之间小中见大，在简单的景物里观照出大千世界。

《新民周刊》：在小品之外，另一类尺幅较大、取景开阔的全景式花鸟则是您最精擅的，而这一类型的作品也最能反映出您在花鸟上的造诣。全景式的花鸟画流行于北宋，元代也有画家擅长。这类作品场景较大，往往是山石、花木、禽鸟甚至走兽的组合，画家不仅要能精美地描绘出这些山石花鸟，还要将它们结合在一起，经营位置，安排主次，营造气氛的能力。

顾潜馨：以《枯树栖禽》为例，画面上我描写一株老硬的枯树，枝干如铁，片叶不存，一只野禽栖于树上，圆睁双目，侧头望向树下，似乎刚被什么惊起而飞上枝头，又似乎突然听见了什么动静正欲展翅而起，空气中弥漫着一丝隐约的清冷紧张气氛。再如《牡丹鸳鸯》中，玲珑的湖石旁斜倚著一丛牡丹，三朵粉色的牡丹花开得正盛，后面衬着遮天蔽日的浓绿芭蕉，缝隙中几竿翠竹摇曳生姿，花下两只羽色斑斓的鸳鸯回首相望，花开似锦，鸳鸯成双，是人间最旖旎的风光，这样富丽雍容的景象接续的是两宋院画的风流。尽管取景、经营、形象、色彩、气氛都是宋代的面貌，但我的用笔施墨却较宋人显得轻松写意，并不刻意追求一丝不苟的严密整饬，这一点在树石等注重笔墨的地方表现得更加明显。《枯树栖禽》中的枯树虽从整体看神完气足，但其树干的皴笔其实并不繁密，表现纹理质感的皴笔加上转折关节处的略加提醒就完成了，而树下的石块更以皴染结合的方式表现。两处虽然用笔不多，但树干的老硬与山石土石结合的轻松感依然表现得淋漓尽致，这种易繁为简，较为轻松的笔墨技法更接近的是元代的墨花墨禽。

《新民周刊》：尽管您的花鸟画取法众多，几乎涉及到了中国花鸟画史上众多主要流派，但除却表现技巧的不同，您的所有作品都流露出一种共同的格调，无论是精工的还是写意的，无论是赋彩的还是水墨的，从画面上散发出来的都是一股平和、恬淡、文雅、清丽的气息，精工的不会显得呆板，写意的不会显得粗野，赋彩的不会显得俗艳，水墨的不会显得寡淡，中国传统的文化中最崇尚的所谓“乐而不淫”、“哀而不伤”就是如此。

顾潜馨：宋人画非常精细，我很喜欢，但在构图上，则尽量追求与之不同。我的画面追求一种恬淡平和，天真醇厚的韵味。在用色上，也尽量避免石青、石绿这类颜色在画面上直接表现，而是在花青、赭石中加一些淡墨，通过烘染、渲染、对比等手法，整体呈现一种灰色调，饶有古韵，却又区别于他人，渐渐取得一些属于自己的面貌。我觉得，一幅画面的最高境界，就是有一种幽静的韵致，我就是这样去努力表现的。但说实话，画画要画得好，有成就，真的很难，不用功根本不行，我还在努力。

《新民周刊》：尽管您被誉为当代海派工笔画领军人物，但您却很少应酬，始终耕耘在画案前。面对画室外五光十色的名利场，会不会有一种失落或寂寞感？

顾潜馨：不会，我享受这种寂寞。我住在周浦，这里离市区远，也离名利场远，清净。我这辈子从事绘画，就希望能尽最大的努力表现好，画好，这就足够了。

我从小喜欢画画，长大能够以画为业一辈子，已经很幸福了，于是就这么一路画下来。我们所处的这个时代对画家来说，既是好时代，也是坏时代。书画市场现在这么火，那是当初没想到的。但如果画家心里老想着钱，画画就像在画钞票，哪里能画得好？