浅析油画作品中的美学性

2015-05-30王娇

商 2015年50期

王娇

摘要：美学是研究人与世界审美关系的一门学科，即美学研究的对象是审美活动。那么，美到底是什么，这是很多位哲学家从古到今一直研究的问题，且众说纷纭。笔者从美学的三种不同形态来谈这个问题，一一举例道出油画领域中的这三种形态美在作品中的表现。

第一部分，阐述油画领域的自然美，列举最自然最纯粹的旅法女画家的作品，并对她作画材料和绘画语言进行分析，从中领悟到画家心中自然美。第二部分，从莱热作品去了解社会美。通过对莱热所处时代和生活背景的介绍，结合他的画作所表达的寓意，领会其作品中的社会美。第三部分，结合世界大师对艺术品的创作理念来谈艺术美的审美标准，得出艺术美的评判是不能按照世俗的眼光下定义的。笔者通过对自然美、艺术美、社会美的深刻了解，得出真正的美应该是从心灵出发，带给精神上的触动才是美学领域应该重视的。

关键词：艺术美；自然美；社会美；精神；油画

一、美学与其形态美

（一）美学的定义

美学是研究人与世界审美关系的一门学科，即美学研究的对象是审美活动。传统美学的任务，是研究艺术作品中“美”的标准，很长一段时间对美学的认知是理性的，但是我们知道理性的认知是必然通过感性的认识过程而被认识的。所以美学不是靠硬性标准理论来赏析作品，更多的是通过感性去体会、理解。

（二）自然美、社会美、艺术美的定义和联系

在美学中，主要有三种不同的形态美，那就是自然美、社会美和艺术美。首先，自然美是指各种自然事物呈现的美，它是社会性与自然性的统一。自然美是经验现象，是我们最容易感受到而不加学习的美，当我们出去旅游时所见的大好山河、日月星云、花鸟树木等等之后所发出的赞叹都是对自然美的直接感受。其次，社会美就是现实生活中社会事物和现象所呈现的美。它的美是来源于社会实践，是与社会最接轨的美。最后是艺术美，是指各种艺术作品所显现的美，这是最难让人评判和理解的美。艺术作品是艺术家创造性劳动的产物，每个艺术家在创作的过程中的精神是不一样，画面所表达的画境也是不同的，是艺术家把自己的思想加于艺术品里的美。虽然大部分艺术家是遵循美学规律的，但也不能以同样的审美眼光去赏析作品，否则会得到片面的领会。

由此可见，在美学中，社会美是强于自然美而低于艺术美的。艺术美之所以能占头筹，是因为艺术美是要靠艺术家克服自然美中的缺点和社会美中的局限性思想，是要把社会美与自然美通过一种感性形式的结合与统一所产生的美。我会从油画作品中举例，具体分析这三种美在作品中的体现，阐述我对这三种美的领悟。

二、艺术作品中的美

（一）自然美之我见——瞿倩梅

自然美，是指各种自然事物呈现的美。我认为，其中理应也包括材料属性的自然，如一改往日化学性的油画颜料，将自然界里的水、土、树叶等真正的融于作品里，也是一种自然美的展现。

当我还局限于印象派莫奈对光和空气的捕捉而在画作中通过色彩来展现自然美的时候，我忽然想到了一个真实把自然材料用于媒介的旅法女画家。瞿倩梅，她不是靠用传统写实技法运用油画颜料来描绘风景，她所表现的艺术材料语言是独一无二的，是与自然界的结合。

她的西藏系列里的任意一幅作品，都好似存在着朝圣者纯洁的灵魂。我最喜欢这个系列里的《A4》作品，或许是红色吸引了我，或许是它的斑驳质感打动了我，也或许是她那不经推敲的作品名字。说也奇怪，她的作品名称大多是以数字字母组合的方式来代替富丽的辞藻。难道，这是为了让我们更集中于去领会作品所带来的视觉感受吗？我想，大概是作者在作画时所付出的情感与体力是一般画家所不及的吧，那对画面的感受是无法用词语去修饰和描述的，这就是只可意会不可言传的画境吧。正如此，名称的简单，让我们可以静下心去细细品味她画面里的意境。

她是艺术材料运用里的高人，在她手里高岭土已不再是制陶的原料，不再细腻白皙，而是有着土本有的质朴、淳厚的气质作为画作的肌理效果。在《A4》作品里，高岭土成斤的堆积延伸塑造出不同的形态，像是墙上岁月的斑驳，又像连绵的黄棕色山脊，更是大地肌肤的真实呈现。画作上的颜料是她一次次用力搅拌的高岭土，一个个如山脊的形态是她用铲子一个一个刻画出来的，她的画作里有着她的汗水，有着她对西藏之行的感悟和认知。她把自然材料作为艺术媒介的大胆运用来展现自然世界里的天地万物，用自然形态的材料再次创造出了新的自然性形态，把高山雪原、蓝天白云下的西藏化作了带有泥土大地的自然气息，和那印着布达拉宫的红色墙壁让没有去过拉萨的我都感受着灵魂的洗礼。她的作品是原生态的，她的作品不能单单用大众意思的“美”去解释，而是那种超俗脱然的自然美，带着震撼人心的精神性，那是生命和自然的和谐美。

如她所说：“多少年的生活积淀，多少年的心驰神往，化作创作的激情和汗水，交融在高原的红土里，交融在梦中的画面里，一发不可收拾……”

（二）社会美之我见——莱热

社会美是人类社会生活的美，源于人类的社会实践，是社会实践的直接体现，具有时代性、民族性、阶级性。社会美一定是具备推动社会发展，促进人类自身发展的性质。

油画经历了各个时期的转变，不管是形式上还是题材内容上，是从描写宗教、自然、农业到工业，还是到任何一个领域，油画也是随着时代而变迁的。在这个过程中，人们意识到实践力量的强大可以产生一种情感，这种情感使人类的劳动活动本身获得了审美的价值，同时也使描绘劳动题材的作品拥有了社会美这一特性。

在现代，我们生活在和平年代，科技的发展也使我们的绘画充满了更多的可能性，我们更多的是考虑如何使自己的画面更具视觉冲击性，我们的题材内容，更多来自这个大千世界下我们所感兴趣的流行东西。如果一个画家的作品没有受到他生活环境和时代的影响，那是不可能的。比如赵开坤老师的绘画，他之所以爱画乡间的田野、大自然的树木、遍地的野花这些自然景观，是因为他成长于的那个年代和他的家乡。

同样的，在莱热所处的那个动荡年代、战争频发的时代，我们不会将关注点投到享乐主义之上。作为一个艺术家，莱热知道自己的首要任务是什么，是要用彩色的画笔来实际描绘这个时代带给人们和自己的真实情感，还要积极地通过画面把黑暗转为光明，把对死亡和战乱的绝望变成每一天都有的希望。

从第一次工业革命的开始，第一次世界大战的结束，二次工业革命的兴起，二次世界大战的来临，它们带来的好与坏，都在莱热的作品里被充分的表现出来。首先，莱热看到了蒸汽机的出现让社会的进程发生了转变，人们的生活节奏也随之变了，他把自己农民般的朴素和务实用在了描绘工业时代的画面上，把握住了机器时代下艺术该有的特性。其次，在参军时经历了生死离别之后，他开始描绘战争之余士兵们的生活，是与平常人一样的过日子，以此痛批战争带来的血腥与残酷。

莱热的绘画内容一直都是联系着人民的生活，是关于现代文明下的面貌，他把自己朴实的人文思想加入到了自己的画作之中，用色彩的单纯来代替绚丽繁复的颜色。莱热就如同农民种地一样，他的绘画作品也是需要他不断基肥和耕种的，更是需要汗水的积累，才能收获真正用心的果实。而他的日常穿着正如他笔下的人物形象，是单纯和朴实的，没有一点聒噪，从里到外都是一个正在认真描绘“机器”的农民造型。在这么一个特殊时代背景下的画家，他把对社会的感情充分地体现在自己的绘画上，是具有社会美的。他不照猫画虎的画，而是重新利用这个时代的特殊性来定义自己的画面，按自己内心的想法来表现社会美。他一直喜欢描绘身边的小人物，画一些如同社会纪录片的作品并结合民间工匠的技艺，真实展现了社会中平凡人的面貌。

艺术是可以尽情地大喊，也是可以平铺直叙地诉说，只要把社会实践中所产生的美，结合独具自己个人风格的绘画语言表现出来，那就是社会美的体现。莱热的作品与他的时代是合拍的，他在理想和现实社会之间探索到了自己绘画的生存空间，就算他的作品没有任何签名，我们也能看出哪幅作品是他的。因为，他的画里有他自己对这个社会的思考，把内心的所见所感所想绘制出一幅作品，这是他自己对社会美的认知。

（三）艺术美之我见——世界大师

艺术美是指各种艺术作品所呈现的美。那么，油画作为一种艺术门类下的画种，它的美都有哪些呢？我认为，先从“艺术”下手是很有必要的。

首先，艺术是指用形象来反映现实，但比现实有典型性的社会意识形态。可以这么说，艺术的具体研究对象即是形象，那么油画作品中的艺术美，也可以从形象下手。在谈油画作品中的形象所产生的美时，不能单单局限于“形象”这个名词。油画作品中的“形象”，而是广泛的，也是整体的。油画作品中的形象，是作者通过对现实生活的感知和观察，运用油画的表现技法所展现、概括、提炼而具有一定思想性的画作。如风景油画，它的一整幅作品都可以看作为形象，简单理解为整体形象，即画面。

研究的对象既然已经定了下来，那么我们就可以来谈它的艺术美了。现在就阐述一下，我对油画作品中艺术美的初步认识。我认为油画作品中的艺术美，也就是这幅作品的“美”是有评判标准的。那种内在美，是可以发出震撼精神的声响的，这才是真正的艺术美。不能限定在“美”这个形容词下，就好比去问“如何看待一幅画”，不能单用“好坏”来回答。

在丹纳的《艺术哲学》中，提出了两大一理论，一个是“种族、时代、环境”三元素说，另一个是艺术批评的三种尺度。而我认为，在赏析一幅画作或是谈论油画作品的艺术美时，应该不去过度追问画家的生平背景和他的创作动机。应该追随自己的本心，就是当站在某一幅作品面前，能感到自己的目光要被吸进去，一种自由的心灵触动。就像丢勒的作品，虽然《母亲》是个素描作品，形象上也不存在大众认知下对“美”所下的标准，可他对母亲神态的淋漓刻画怎能不去引起一部分人的感知。我想定会有人在他的画面前驻足停留，看着母亲脸上斑驳的纹路，赞叹丢勒把年老母亲的形象逼真灵动的描绘出来，同时也会有一些人觉得丑。可是，单从题材来看，母亲这个形象一般都是与丑陋无缘，更多地是光辉伟大的，不管是他的写实展现还是有意进行的对比，都给人带来了深深的触动，那这便是艺术美。同样，毕加索的作品《格尔尼卡》，形象上的夸张变形，那可是一般人无法接受的美，但在看到那幅作品时，观者的心情会随着画家笔下所概括的立体形象和所描绘的跌宕情景而起伏不定，体会着作者笔下的人间地狱。村上隆的作品，是充满儿时童趣的绚丽色彩和大胆的形象设计，与古典主义下的油画形象背道而驰，没有了优雅却也深入人心，频频获奖。再看贾科梅蒂的雕塑，没有圆润的过度，更多的是僵直的线条和枯萎的身形，这与罗马时期那种有意神化描绘身体皮肤的美感不同，却能直击你的内心，感受到那个时期之下人们内心的绝望和痛楚。难道这些顶级大师的作品，要用“坏”去评价，要用世俗的“美”去判断吗？真正具有艺术美的作品，应是自由的，是精神上的呼唤，也是纯粹的。

我们深知，绘画是门再创造艺术，而它必须是带有力量的，可以与精神共存的。就如同，画家和观者的关系，它的联系是依靠于精神语言的碰撞、相交。“如果画家把他的精神力量运用进了绘画作品里，从精神上也会告知画家要如何表现”，康定斯基提到。勃克林，也说“真正的艺术作品是伟大的即兴创作”。在油画作品中，每种颜色都可以作为内在美体现，作为一种丰富精神起到震撼的作用。

所以，我想，油画作品中的艺术美应该是自由无约束，可以让观者体会到不同情感效果的，而作者在作画的过程中，也是可以靠其作品生动地诠释内心独白的。

三、油画艺术中的美与心灵

我们从美的概念及艺术作品中的人性、生活、自然的美，明白了油画艺术是艺术家们通过心灵表现出来的美。在生活中我们看到某个人、某个事和某个景的时候，常常脱口而出“好美”二字，这是我们对生活的体验所表现出来的认知。那么在油画作品中，画家是把在现实生活中对美的认知而画下来的，这个创作过程与相机不同，是需要画家主观的把不利于表现美的因素去掉，再加上自己的绘画语言重组而成的，是对美的一种升华表达。

艺术家通过眼睛直观感受现实生活的美，把心中对美的感受通过油画艺术形式表现出来。不论他的题材是战争、宗教、现实生活、风景还是人物，我们都会从画家的画面里感受到美。艺术家在自己的想象世界里自由创造美，通过画笔和颜料反映自己的内在精神，并把这种精神传递给观众，让观众们为之撼动。美通过精神达到了升华，进入到了一个更深层次的审美活动，指引着观者的心理向艺术家靠拢，同时激发了大量艺术家对生活的感受力，从而创造了更好的作品。

结语

美学主要是研究审美，即心理学的分支学科。而美三大主要对象，即自然美、艺术美、社会美，无论是主观还是客观的研究，都是经过人的感性、理性作用之后的结果。在当下的这个时代，越来越多的人把关注点放到了对视觉的审美盛宴里，而忘记对内心的审美，越来越多的画家也为了取悦这种错误的审美观而绘画，这造成了审美培养的混乱。

纵观那些世界著名的油画作品，我们不难看出，一个用心去绘画的作品是比跟随大流所绘的作品要经典的多，要感动人的多。本文在对艺术作品中的美进行分析和对自然美、艺术美、社会美的深刻了解后，得出真正的美应该是从心灵出发，带给精神上的触动才是美学领域应该重视的，才是正确的审美观。我们的绘画应该是把精神性放在第一位，用画笔传递我们的情感为最终，只有这样，才是真正的美。（作者单位：吉林大学艺术学院）

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