浅析中国画中的哲学方法

2014-03-11林洁蕾广西大学艺术学院530004

大众文艺 2014年20期

林洁蕾（广西大学艺术学院 530004）

何为哲学方法？这是我们首先要明白的。它是辩证唯物主义和历史唯物主义的世界观和方法论。是我们认识世界、改造世界、从事任何科学研究都必须遵循的最根本方法。那么，何为中国画的哲学方法？早在先秦时期，中国的美学思想观念就与风俗、宗教、各种文化表现融合在一起。最具代表性、最有影响力的就是儒家美学思想和道家美学思想。对古人而言，古人画山水不是表达对山水的理解与把握，而是旨在追求亲近自然山水的意愿，绘画的功能就在于沟通天地人神，使人能够与自然和谐相处，旨在表现诗意地栖居于大地之上的意境。在中国传统的审美体验所衍生的一切创作与欣赏的活动，可从中领略不少在中国画中存在的哲学方法。

一、动静结合：动中有静、静中有动

动，指形体外部和体内“气息”（感觉）的运动，有“外动”，和“内动”之分。静，指形体与精神的宁静，也可分为“外静”与“内静”。“动静结合”是画者思想表达的一种方式，往往是在一种意境里描写动态与静态，形成物象在意境中和谐统一的手法，是画者将自然界的美加以发现、挖掘与浓缩，创造性地凝固在画布上的艺术。它是静止的，又是自然界运动美的体现。“动静结合”在中国画中的运用不可枚举，齐白石的《虾趣图》可谓体现得淋漓尽致。

二、虚实相生：虚实结合

在中国画的传统技法中，虚，是指绘画中笔画稀疏的部分或空白的部分。一般来说，空疏、轻薄、淡漠、稀少、遥远、浮动等为虚，它给人以想象的空间，让人回味无穷。实，是指绘画中勾画出的实物、实景以及笔画细致丰富的地方。如密集、凝重、浓厚、繁多、近景、稳定等为实。

虚与实是相辅相成的，既然二者能相生，则表明虚也是一种存在，虚绝不是无。这种存在，是靠实生发出来的，是在实的基础上通过大脑的想象创造出来的。“虚实相生”是指虚与实二者之间互相联系，互相渗透与互相转化，以达到虚中有实，实中有虚的境界，从而大大丰富画中的意象，开拓画中的意境。要表现“竹林桥外锁酒家”的诗意，只需画“旌幌”；要表现“深山藏古寺”的画意，只需绘出打水的“和尚”。在这里，“旌幌”“和尚”是实，“酒家”“古寺”为虚。在虚与实之间有一座桥梁，那就是观者的想象。

“情感”是相对画者而言的，它是画者艺术创造的灵魂，但情感是看不见摸不着的“虚”的东西，要将这种虚表现出来，就得化情思为景物、化虚为实。而观者则须化实为虚、化景物为情思。因文识象，由象悟道。从意象出发，抓住景物特征，融入所营造的气氛，体会其情感。谈到景物和情思的关系，也是形象与抽象的关系，但抽象的东西不只有情感，一切难写之景、之事均为抽象。声音是抽象的，几枚蝌蚪即能表现出“蛙声十里出山泉”的境界；香味是抽象的，几只蜜蜂或蝴蝶即能表现出“踏花归去马蹄香”的情景。

总之，实境乃是一种真境、事境、物境；虚境乃是在此基础上给欣赏着创造的一种想象的空间、诗意的空间。不难发现，虚可生实，实可生虚，想象则是其桥梁，正是观者想象的介入，才使画面更为饱满，充满灵气，充满诗情画意。

三、变化与统一

中国画中任何物象形态总是由点、线、面、三维虚实空间、颜色和质感等元素有机的组合而成为一个整体的画面。变化是寻找各部分之间的差异、区别，统一则是寻求他们之间的内在联系、共同点或共有特征。

“变化”寓于“统一”之中，在“统一”中求“变化”。这在中国山水画中的运用是极其丰富的。在中国山水画中，画面各物象的大小关系、聚散关系、多少对比关系等；画面各不同物象之间、相同物象之间的相互连接，相互交融；事物的“重重叠叠”，画面空间及前后左右的生趣关系等。纵观历代画家山水作品，若没有几个商旅、几座屋宇、一叶扁舟，那可谓大伤画面之灵气。若通过商旅、樵夫、扁舟、房屋等物象的刻画，不仅可以烘托出各物象间的关系及微妙变化，而且可以使得画面更加丰富，这也正是中国山水画中不可或缺的部分。同时，也顺应了人与自然和谐统一的哲学思想。

无论是在中国美术还是在西方美术中，变化与统一的观念始终都是一个不变应万变的绘画哲学方法。变化与统一在中国画的鉴赏与创作中是相辅相成的，不能单遵变化，也不能单求统一。也就是说，要保持画面的均衡性，重叠性、连接性、协调性。没有变化，则单调乏味、缺少生命力；没有统一，则会显得杂乱无章、缺乏和谐与秩序。只有变化才会有生趣，只有统一才会更和谐。

四、形神兼备：以形写神、传神写照

顾恺之是中国绘画史上赫赫有名的画家，他画裴楷“颊上益三毛”，充分展现了顾恺之作画不只是以写实为上，而是根据人物性格的分析，表现自己的理想要求，增添“新元素”于作品之上，这个“新元素”不是描写对象的表象所固有的，却有助于强调、凸显、传神的表达画着本意及那看不见的抽象元素。

顾恺之所画裴楷肖像，脸颊上本无“三毛”，但他为人俊朗、精明、有胆识。所以，顾恺之在他脸上加上“三毛”，借此来强调裴楷的人物特征。他再现的不是其实然的样子，而是其应然的样子。这个应然的样子代表模仿对象的本质或理想状态。因此，在绘画实践中所要传达的绝不是如照相机般的写实，而是带有精神性理想色彩的表现。画者应该运用想象力，激起观赏者的联想，达到“以形写神”的最高境界。艺术作品所表现的“神”就是一些看不见的抽象精神品质，如：俊朗、清秀、纵情山水等等。能够表现出这些看不见的抽象精神，就可以说达到了“传神写照”的境界了。那么，既能展现出“形”又能把握住“神”就达到“形神兼备”的境界了。

五、意境：“景外意”与“意外妙”

意境是指绘画作品中呈现的那种情景交融、虚实相生、活跃着生命律动、韵味无穷的诗意空间。“景外意”与“意外妙”这两个观念是中国美术、特别是中国绘画中极为重要的特质，谓之类似“弦外之音”的境界。任何一个艺术作品之所以能够隽永，令人回味再三，关键在于它能否不断表现出新的意境、新的诠释方式、新的鉴赏角度。所以，艺术作品不能将所要表达的“情”与“意”一五一十的和盘托出，否则就“言语道断”了。

“景外意”与“意外妙”就是能让观者在正面的观赏画面所传达的意象之余，还能看出没有写入景中的意思，并能获得期待之外的妙解或新的意象。用郭熙的话说便是“看此画令人生此意，如真在此山中，此画之景外意也。”（郭熙《林泉高致》）

六、人与自然和谐统一

中国传统思想中人与自然和谐统一，也可以说是“天人合一”的思想处处可见，无论是道家思想还是儒家思想均有一致的想法。例如《道德经》中描述“人法地，地法天，道法自然。”《庄子.齐物论》中“天地与我并生，而万物与我唯一”的观点。

在中国的山水画作当中，所有的自然都是与人相关的部分，纵览历代名家山水画，山与水一般是主体，而有关人以及人的活动，如：商旅、樵夫、垂钓者、房屋、小径、扁舟等等，都只是画作中一个和谐的小部分，但却起到了画龙点睛的作用。这些有关人以及人的活动的画面与原有的山川、河流和谐融洽的组合形式，使得画面更加生意黯然。

“外师造化，中得心源” 这一审美创造原则，以中国“天人合一”思想为哲学基础，是中国画创作不可或缺的生态审美智慧。要求画者向自然学习，让作品从心源中流出，如自然生物般创造作品。它体现了人与自然至密的情感关系，提倡画者抱着平等、亲和的态度，在自然中优游，在本真的境域中与自然照面，最终与自然万物融为一体。

七、气韵生动

“气韵生动”，是画之魂也，也是当今品评画作的最高指导原则，指画面的总体感觉生动与否，力求刻画的形象具有一种生动的气度韵致，彰显生命力。其哲学基础是中国文化的生命精神与元气本根论思想。

所谓“气”充塞宇宙，无所不在，它与宇宙的生命相结合。透过“气”的表现，人与自然的界限消失，达到天人合一境界。“气韵生动”是生命的自然节奏，是宇宙生命的礼赞。它关注的是画者是否表现了自然活泼的生命，是否表现出了宇宙生命的整体。“气韵生动”之美不是把表象与主体联接后产生的快感，而是人与自然生命交融后的共通感、和谐感。在对自然之美的观照中，人的生命得到了超越。作为审美创造原则，它要求画者要有一颗化育万物的仁心，绘画题材要充分体现宇宙生命精神，构图要气脉不断，用笔要意在笔先。

八、直觉捕捉与灵感触发

灵感，其古代的意思是“神的灵气”，即画者借助于神秘的灵气来进行艺术创作的能力。直觉是认识过程中的一个环节，我国哲学界对传统道家、儒家、佛家在认识上的“顿悟”归为直觉思维。没有直觉与灵感难成美妙的诗歌、画卷，缺少直觉与灵感难造艺术高就。大凡是艺术创造，尤其是杰出的艺术创造，都离不开直觉思维。艺术即直觉，直觉即表现。主要依靠各种表现来洞察和领悟客观世界，依靠形象思维来表现出事物的本质特征。

直觉的捕捉和灵感的触发对于中国画学习与创作都是相当重要的，我们需要用直觉捕捉艺术原型，用灵感触发艺术构思，创造出独具一格的作品。