声乐教学在越剧演唱艺术中的积极作用

摘要： 越剧音乐源自江南小曲，在演唱上细腻、委婉、充满阴柔美。演员在演唱时更多地注意旋律及其润腔方式、吐字的技术和字情的表达、韵味的浓淡，在演唱的发声方面则注意得比较少。这一现象导致的最终后果是，越剧演员的演唱能力日趋下降，因演唱方法不正确等因素引发声带小结等嗓音疾病的演员增多。实践证明，只有掌握科学正确高效的发声方法和演唱技术，才能为塑造形形色色的戏曲人物形象打下良好的基础。作者结合越剧声乐教学经验总结了在演唱教学中新的思路与新建议。

关键词： 声乐教学 越剧演唱 发声训练 声乐教师

越剧是中国五大戏曲种类之一，是目前中国第二大剧种。清末起源于浙江绍兴的嵊县，是绍兴地区主要、著名的剧种之一。越剧长于抒情，以唱为主，声腔清悠婉丽优美动听，表演真切动人，极具江南灵秀之气。

当前越剧改革是一个大热门话题，什么样的声音都有，但笔者认为，无论是剧本改革、舞美改革还是唱腔改革，越剧永远都不能忽视对声音的建设。

一、声乐教育在越剧演唱中的必要性

越剧的“四功”——“唱、念、做、打”，“唱”是排名第一位的。以前看戏叫听戏，就是这个理。越剧不是话剧，只有对白；流传百年的经典都是唱段，而非对白。越剧也非舞剧，再优美的舞姿也只是在剧目中起烘托作用。老一辈品评一位越剧演员的艺术水准的高低优劣都会以该演员的声音是否好听、韵味是否足、劲头是否恰到好处、人物个性表现怎样、歌唱功力如何等，可见“唱”功在越剧表演艺术上的重要性。

戏曲界有一种说法：有嗓子的会被认为是祖师爷赏饭。以前人们会认为唱戏，嗓音天赋决定一切。因此，越剧老一辈流派创始人在演唱或创腔时，依靠个人嗓音本色多，而着眼于开发嗓音的潜力少。

如今能把流派唱腔的韵味模仿得惟妙惟肖的演员大有人在，可是能继承和发展越剧演唱的声乐事业的又有多少人？有些现象的确令人忧虑：众多戏曲名家，因劳累过度或发声方法不得当等诸多原因，引发声带小结等嗓音疾病，不能继续登台；或坚持登台但演唱水平大不如前，观众听得失望，自己也唱得吃力。

一批批刚过而立之年的演员因嗓音能力不佳而被迫退出越剧舞台的情况比比皆是。越剧门生们成功的机会在减少。这些都说明越剧界对忽视演唱的声音建设这一倾向尚未给予足够的关注。而无线话筒的普遍使用也为这种倾向起了推动作用。话筒的使用让很多青年越剧演员习惯依赖话筒的扩音效果，而不屑在演唱方法上下工夫。

越剧演唱需要专业的声乐训练吗？答案是肯定的。已经有不少演员因自身嗓音的各种发声问题和疾病，在学习科学正确高效的发声方法的过程中，对戏曲声乐教育有了新的、更深切的体会和认知。声乐训练的受益者认为必须加强戏曲声乐教育，从中专就要抓这项工作，真正把科学的正确的高效的发声方法传授给学生。让学生从小就明白：唱戏光有本钱是远远不够的，必须改变有本钱就是祖师爷赏饭的思想。只有努力学习科学正确高效的发声方法和演唱技术，才能为塑造形形色色的戏曲人物形象打下良好的基础。

二、声乐教师在越剧演唱教学中的重要性

其实，越剧界已经有不少人发现了越剧演唱方面存在的不足，也通过寻找声乐教师对青年演员进行声乐训练。例如：杭州越剧团，已经连续几年聘请声乐教师为本团的学员、演员进行声乐训练；浙江小百花越剧团也有部分演员在外向声乐教师请教科学的发声方法；绍兴小百花越剧传承中心，早在2009年之前就招聘了民族声乐硕士生作为全日制教师，专门对艺校的学员进行声乐训练。这些剧团的做法都是明智的、超前的。

但是光有声乐教师还是不够的。因为声乐教师遍地都是，全国每年毕业的声乐本科、硕士生成千上万，但是能教戏曲的声乐教师少之又少。合格的戏曲声乐教师必须具备三个条件：

1.有扎实的声乐演唱能力，熟练掌握声乐演唱理论知识与教学法；

2.热爱戏曲，对戏曲唱腔有一定的歌唱能力；

3.有弘扬和承传戏曲艺术的历史使命和责任感，愿意投身到戏曲声乐教学的研究领域中。

当然，越剧声乐教学是一个十分复杂的工程。做得好，对越剧演唱能力的提高有益；做得不好，有副作用，所以谨慎从事是必要的。越剧的演唱应该是具有一定的科学性的，否则它怎么能流传百年，而深受广大观众的喜爱？越剧只是对演唱的唱法总结得不够科学，尚未形成系统的、完整的、详尽的演唱理论与教学理论。

西方人对美声唱法及教学进行了比较科学的总结，比较细密的研究。教学中能够在把握住整体的前提下，从呼吸、发声、语言、共鸣几个方面发现问题解决问题，奏效较快，与中医的辨证施治颇有相通之处。美声唱法的教学总结为全世界的声乐教学打下了扎实的基础。

因此，戏曲声乐教师应研究、借鉴美声唱法在教学理论上的一些方法。同时结合我国古今的戏曲与民族声乐理论，做到既不盲目崇洋，又不妄自尊大。在广泛而多层面的教学实践基础上，经过缜密的综合分析，不断充实、修正、改进，提高越剧声乐教学水平，凝练成适合越剧声乐教学的基本理论、基本程序、教学方法和教学原则等。

三、关于越剧声乐教学的几点建议

1.要系统地教授演唱者了解歌唱的器官、发声的基本理论、气息的训练方式、咬字吐字的基本规则、共鸣腔的运用等声乐知识。这一套理论知识点在声乐教学中已经运用几百年，且成效显著，戏曲教学中也可以“拿来”使用。

2.借鉴美声唱法的训练方法，利用钢琴的音阶进行辅助练声。这种训练一般先从中央C开始往上行，老生演员可从小字组a音开始往上行；在选择练习音阶时，可以由简到难，挑选的母音应该“因人而异”，有些演员声音比较窄或演唱时习惯捏着嗓子唱的可以为她们选择先从开口音进行训练，如：O、A音等；有些演员气息使用不当，可以让她们先从“打嘟”练习开始，然后跟着音阶“打嘟”。

发声训练时，要安放声音高位置，声音要自然、流畅，力度适中，气息与声音的配合要协调，吐字咬字要正确、清晰；不同的音高所需要的气息、声音的力度，内在的感觉是不一样的，教师要提醒演员认真耐心细致地感受、体察、领悟。

采用这种训练方式，能全面综合训练各种发声方法和技术。对高、中、低声区的调节与转换，音域的拓宽，声音的抑扬顿挫、强弱快慢、轻重缓急，吐字咬字的发声规律及地方语言等，都有显著的成效。

3.初训练者应该打破流派的限制，先进行一段时间的训练，挖掘本身的潜在声音，再挑选适合自己的流派。传统的越剧教学从一开始就为学员们确定了流派，其实每个人的嗓音随着年龄的增长或其他一些外在的因素是会发生变化的。美声唱法教学就要求教师特别注意，不要被学生的“大白嗓子”而欺骗，一定要在训练一段时间后再确定声部，除非这个学员的嗓音特点特别明显。

确定流派是一件严肃而科学的专业工作，不能看这个学员长得像哪位前辈就盲目学哪个流派。教师应该为学员的嗓音负责，学员也应该为自己以后的戏路负责。如果只是看外表，她就永远活在别人的影子里，而越来越失去自我。这样的情况在越剧界不在少数，因为戏迷的喜爱，有些演员不得不选择不适合自己的流派，所以说戏曲的戏迷太过疯狂，有时候会害了一个本可以很优秀的演员。

4.按照行当整理传统唱段，按照难易、声部、技巧进行教学划分，也就是说，在同一行当里，大家可以互相学唱各个流派的唱段，为的是在声乐训练的每个阶段都有适合当时嗓音状况的唱段做巩固练习。例如：尹派的很多唱段都优雅、缓慢、音域适中，很适合小生行当的初学者进行练习，如：《一弯冷月照寒窗》的前半部分；而范派、徐派的很多唱段音域较宽，建议可以对中高级以上的演员进行练习。

周大风在其著作《越剧音乐概论》中的“越剧的唱法”章节中曾提出：“可用传统的发声法，也可吸收一些西洋发声法中适合我国国情的技法”[1]，用以改进越剧唱法。当然，越剧演唱无须效仿美声唱法的嘹亮音质和宏大音量，但是如果能在保持柔美音色特色的基础上，再在演唱方法上借鉴一些美声唱法的技巧，相信对提高越剧演唱技能就会有一定的作用，也能增强和丰富越剧演唱的舞台表现力，从而满足现代观众对越剧演唱的审美需求。

刘厚生在《越剧性格·走向全国·全球化》一文中曾说：“以放开心态再多方‘拿来’，……越剧还不能说已经解决了整个越剧的科学的声音艺术问题。……越剧要进一步发展，走向全国，征服世界，必须在演唱音乐上有较大突破，形成自己的声乐体系。”[2]

越剧是浙江的传统戏剧，包涵了唱念做打，综合了对白、音乐、歌唱、舞蹈、武术和杂技等多种表演形式。我们有责任传承和发展家乡戏。而培养合格的高精尖的越剧表演演唱人才，重视和加强越剧声乐教育是当务之急，科学正确高效的发声方法和演唱技术是越剧演员从事舞台表演的有力保障。希望更多的有志之士投入到越剧声乐教育领域中来，为逐步构建中国戏曲声乐教育体系共同做出努力。

参考文献：

[1]周大风.越剧音乐概论.北京：人民音乐出版社，1995.

[2]刘厚生.越剧性格·走向全国·全球化.浙江艺术职业学院学报，2006，4（2）.

[3]唐银成.加强戏曲声乐教育铸就戏曲歌唱人才.中国戏曲学院报，2010，8，VOL31（3）.

[4]刘志.越剧演唱方法和教学方法改革刍议.杭州师范学院学报，1992，6，（2）.

[5]于善英，池万刚.越剧唱法与美声唱法“歌手共振峰”的比较研究.浙江艺术职业学院学报，2006，12，（4）.

[6]唐银成.论戏曲声乐教学的基本方法和程序.中国戏曲学院学报，2009，8，VOL30（3）.

绍兴市哲学社会科学研究“十二五”规划2011年度重点课题系列研究成果论文。