谈谈钢琴基本功的教学和训练

2011-08-15舒灼

群文天地 2011年10期

■舒灼

俗话说：“台上一分钟，台下十年功”，这句话体现了钢琴学习者需要一个长期艰辛的学习过程才能具备扎实的基本功和弹奏水平。对于音乐学院教学来说，钢琴课程的基本功训练对于任何一个钢琴学习者来说都显得尤为的重要。只有以扎实的钢琴基本功作保障，学生的钢琴学习才不能犹如空中楼阁，今后才可以高质量的胜任音乐教师的教学工作。可以说钢琴基本功练习伴随着钢琴学习的始终，是必须强调的一个重要环节。

一、技能技巧训练

（一）读谱与背谱

对于初学钢琴者来说，读谱是一件较为头疼的事情。解决这一难题需采取的办法是让学生在接触新作品时，首先准确无误的读谱并认真弹奏，熟练后再背谱的教学方法，这样对他们的视奏能力也会有较大的提高。背谱的时候应先把谱子研究透再背谱，背谱以后才能够全身心地集中精力投入演奏，因为背谱太早容易忽略掉作品当中的很多要求，如：表情记号，乐句的划分，错音的出现等。

（二）基本演奏技巧

1.基本技术练习。用著名钢琴家涅高兹的话来说：“在钢琴演奏中手指是前线的战士，是声音的制造者，是钢琴弹奏的直接创造者和钢琴家意志的执行者”。而要拥有这样的手指必须要有良好的手指基础训练。法国的著名钢琴家玛格丽特·朗用自己的切身经验指出：“五个手指的机械训练对我是一把打开一切技巧之门的钥匙。”通过上述事例让我们认识到，手指的基本技术训练是钢琴学习中的重中之重。那么，基本技术的训练主要是指音阶、琶音及和弦的练习。作为音乐专业的学生，是已经具备基本钢琴演奏基础的了，但其基本功不是十分扎实，在跑动、跳动的过程中明显的表现出跑动不均匀，手的支撑感差的现象。比如：关于琶音的练习。在实际教学中，琶音的练习是从分解和弦的练习开始的。在弹奏时手指要注意很好的支撑，尤其是四指、五指不能凹进去。在弹奏的时强调注意手臂重量的转移。

2.钢琴伴奏的训练。“钢琴伴奏”在声乐、器乐的演唱演奏中占有十分重要的位置，是演唱演奏不可缺少的组成部分，它包括声乐伴奏、器乐伴奏、合唱伴奏、舞蹈伴奏、体操伴奏，以及乐队合奏里的钢琴部分等等。在伴奏的训练中，我们要注意无论是声乐伴奏还是器乐伴奏要将其声音融为一体，共同作用于所要表现的内容和所要达到的效果，作品的意境和演奏才可能得到完美的表现。因此，钢琴已成为目前最常使用的伴奏乐器。

3.舞台实践。艺术实践是对教师教学水平和质量的检验，也是对学生学习结果的考核，它作为钢琴教学中一个必不可少的环节，对学生的综合能力培养起着至关重要的作用。通过不同规模和形式的实践演出，对于丰富学生的舞台经验、提高学生的应变能力有着不可替代的作用。因此，钢琴教学中教师应该鼓励学生多参加艺术实践活动。舞台实践是钢琴教学中一个必不可少的环节，对于音乐院校的在校学生来说，舞台实践的机会较少，通过不同规模和形式的艺术实践，对于丰富学生的舞台经验、提高学生的应变能力都有着不可替代的作用。在此，加强学生的心理素质、表现力和驾驭舞台的能力显得由为重要。对于舞台实践在准备过程中应不断地练习和体会以达到提升自己技术、感染力和心理承受能力的目的。教育实践和舞台演出应该始终贯穿到我们在整个钢琴教学的过程中。

二、提高准确把握作品的能力

对音乐基本功许多钢琴学习者很容易走入误区，认为弹钢琴只要弹出声响，把乐谱上的音符分毫不差地弹奏出来就可以了，至于作者的创作内涵及作品思想感情的表达，那就是听众理解的事情了。这种错误的理解使之钢琴学习者变成一个没有思想与情感的“钢琴匠”。作为钢琴演奏，除了要有扎实的演奏基本功还要具备完美地表达作品的能力，只有演奏的作品带有强烈的感情色彩才能感染听众。

（一）对作品进行理解

一首钢琴作品在弹熟练以后，需要进行更深入的处理和理解，这是由技术向情感转变的过程，是赋予作品以生命的过程。在这一过程中的首要任务便是对作品的分析，其内容包括:写作背景、作品风格、主题内容、调式调性、曲式结构等。在这个阶段，千万不要怕花费时间和精力，正确地把握住作品的风格特点，是完美的表达音乐的前提，也只有把握住了作品的风格特点，才能使得演奏具有艺术的张力。

（二）控制力度和划分乐句的能力

句子弹得轻还是重都是相对的，这就是音乐的幅度。要学会音与音的衔接，渐弱是一种衔接，渐强又是另外一种衔接。要学会如何在乐曲中做好渐弱和渐强的力度变化是一项很重要的基本功。要让学生注意弹的这个句子是否正确，就要多“动耳”，在分析整个段落的同时，分辨旋律与和声的走向。乐句的划分与人的呼吸、文学的句子很相似，在基本按照简单的连线划分乐句的同时，还要多角度根据旋律走向，乐曲内容的表达，乐句与乐句间的关系及传递，正确的划分和演奏。有时有些连线是作者习惯于弦乐的方法而标，并不一定是一个完整句子的表达。所以音乐要理解成一条流动的河流，要跟着它走，这种音乐才是引人入胜的、才是鲜活的。

（三）强调思想感情的表达

众所周知，音乐是用音乐的语言来表达思想感情的，正如我们说话一样，也要有抑扬顿挫，陈述、惊叹、疑问等语气。演奏者一定要明白使用何种语气语调来表达作品的内涵及作者的情感。首先应加强对音乐乐句的语气的强调和语态的扩张，以说话、朗诵、歌唱、戏剧表演的姿态去演奏。演奏中语气平淡，语调平白，语态不鲜明，说明对音乐中每个乐句的内容和含义缺乏感受、想象和理解，成为只动手指不动心脑的“机械式”演奏状态。一定要注意乐句开端的明确性，过程的鲜明性，趋向的目的性，高点的强调性和收尾的合理性。演奏者要尽可能的对音乐作品的内涵进行想象和挖掘，演奏时心灵深处要有丰富的感情内容的倾注，音乐才具有感染力，不能为演奏而演奏，一定要真正做到“琴心合一”。

（四）加强声音的控制力

音乐作品为了极为准确地刻画音乐形象，表现意境，作曲家多数会用各种和声等形式或特性音符表达自己的创作意图。所以，在给学生讲解和示范作品时，应注意弹奏作品手指落指的轻重，要让他们注意每个声部的层次划分和音乐形象的鲜明性以及背景音乐在作衬托时的清楚而不嘈杂的表现等。要时刻注意音符的颗粒感与清晰度，音符不清晰，就会造成浑浊、杂乱的音响效果，进而影响人的听觉感受，甚至产生莫名的烦躁与不安，使欣赏者不能很好地容入内心情感的欣赏作品。我们在对演奏者的表情处理时需要注意，表情动作的训练会使学生在弹琴时带有一定的技术痕迹，会对自如的音乐表现造成一定的影响，手臂的动作只是音乐表现的一种手法，不要成为障碍。学生要根据音乐的需要，自由的加入一些手臂、手腕的协调动作，并开始把演奏乐曲视作是一种美妙的情绪表达，这时才可以称得上真正意义上的钢琴演奏。