浅议中国画造型与笔墨的关系

王红伟 （宁德师范学院教育系 福建宁德 250100）

浅议中国画造型与笔墨的关系

王红伟 （宁德师范学院教育系 福建宁德 250100）

传统文人画重笔墨，我们当下的国画教育重素描造型能力，反映出了我们在实际的绘画中以及美术评论中的一些矛盾，对此，每位画家的作品、每位评论家的文章中也会体现出他们的观点，每一位学习国画或者从事国画绘画的人，既不可能全盘学习中国古人的画法，又不能全盘学习西方的画法，更不能做的不中不西，如何对待造型与笔墨的问题，成了大家面临的首当其冲的问题。

中国画；造型；笔墨；关系

本文为宁德师范学院2009引进人才科研阶段性成果 项目编号：2009Y030

中国画走到现代，它已经不再属于上等人的把玩之物，也不属于中国人的专属，而是要面临世界的欣赏者，它也开始了更加多元化的发展。近现代绘画史上，关于中国画有很多论调，其中最著名的有下面几种：康有为提出的变法论，主张“和中西”，恢复“唐宋正宗”“形神为主而不取写意”；陈独秀的革命论，主张革王画的命，采用西洋写实精神；徐悲鸿的改良论，主张“守之” “继之”“改之”“增之”“融之”五法，倡导洋为中用，提出“素描是一切造型艺术的基础”，倡导写实；金城、林纾、陈师曾等的“国粹论”，反对艺术革新，陈师曾认为写实派“直如照相器”，“文人画不求形似正是画之进步”；高剑父、高奇峰、林风眠调和论和结合论，傅抱石、潘天寿的观点则是忽左忽右、时而主张中西结合，时而反对。

新中国成立以后，艺术家的主张都被“为人民服务”而淹没，八十年代以来，延续并发展了以前的观点，开始清楚地总结出中国画与西洋画的差别，认真的分析中西方在造型、笔墨、色彩等各方面的差异，接触了更多的中西方画论，围绕造型与笔墨展开了激烈的讨论，围绕中国画系应不应该开素描课展开了讨论。

（一）当代社会中提出的造型与笔墨

绘画造型是指用点、线、色彩、明暗、透视、构成等手段在平面上创造图像，反映现实和表达思想感情，审美感受的艺术。绘画主题的表达离不开具体形象，画家们通过各种不同的途径来获得“具体形象”，其中包括写生、临摹。写生派通常认为，传统的中国画以临摹为主，离当代的生活已经很远，加之我们大多数高校国画系中学习的西方的造型方式，我们的绘画更应该显示当代的风貌，也更应该让中国画融入一些西方的元素，他们更加强调造型。重视写生的画家通常以北京、东北、西北画家为代表，比如蒋兆和、方增先、黄胄等为代表人物，改革开放以后又以刘文西、王盛烈、赵奇等为代表人物；重视笔墨的画家通常以南方画家为主，比如海派、浙派、广东的大部分画家，比如陆俨少、刘海粟等，当代又以刘国辉、吴山明为代表，他们更重视笔墨效果。在过去的几十年里，人们几乎都被这些争论吵得头晕脑胀。中央美院教授张立辰讲过：“近几十年的中国画教学中，一直都是用素描的方法代替了中国画的造型原理，而事实上西画与中国画对事物的造型原理是非常不同的，中国画的造型更偏重主观性、文化性。这样一来，造型观点不一样，许多具体问题就无法解决。”到现在来看，我们解决了吗？我们应该怎样看待当代的中国画，怎样认识造型与水墨的关系？

（二）从谢赫六法的顺序看两者关系

谢赫《古画品录》中的“六法”之一的“应物象形”，是指绘画应该忠于现实的要求，强调了造型的重要性，但是这只是六法中的 “一法”，其中有没有谈到笔墨呢？当然，那时没有“笔墨”的概念，而且那时的画都是绢本工笔，也不可能出现生宣与水墨的碰撞，直至后来文人画的出现才有了水墨、笔墨的概念，清朝松年《颐园画论》中写道：“作画先从水墨起手，如能墨分五色，赋色制作更觉容易。”已经将“墨”认作 “色”，这就引申出了六法中的“随类赋彩”，文人画出现以前，墨只是用来画线条，颜色占据很大比重，特别是人物画，文人画出现以后很长一段时间，画家更加的强调笔性墨性，强调绘画的形式语言，甚至贬低颜色的使用，到了近现代，艺术向多元化的方向发展，水墨画中颜色也被大面积运用，林风眠的画色彩很丰富，也很富丽，与中国画重墨的品格很不一致，“笔”则应该认为是骨，在白描和工笔画中，这就延伸出“骨法用笔”。

六法不仅提及了“造型”“笔”“墨”，而且还给三者排好了顺序，六法的顺序是：气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写。其中用笔第一，造型第三，用墨第四。当然，六法相互联系，不可分割，相辅相成。但是他们的排列顺序同样值得我们认真思考，这种顺序说明排在前面的更加重要，我们往往把“气韵生动”作为中国画的最高标准，是指人物从姿态、表情中显示出的气质、韵味，顾恺之的 “传神写照”以及后世提到的“以形写神”“形神兼备”，齐白石的“似与不似之间”，黄宾虹的“气关笔力，韵关墨彩”，大画家们往往都会将气韵生动作为自己绘画的最高要求。他们的作品往往很有自己的特点，但又不失传统的功力。六法的顺序很多评论家都研究过，经过上千年的研究经验，认为顺序不能随意变动的，但是这应该不是创作作品的顺序，画家的创作过程是自由的灵活的，他们要为最后的成果而思考、操作，这也反映了艺术的自由。

（三）从获得造型与笔墨的方法和途径分析两者关系

传统的国画从临摹开始，在临摹的过程中，造型与笔墨都会训练，中国传统绘画是具象的，《韩熙载夜宴图》中一个个具体的人，韩熙载时而站着击鼓、时而坐着扇扇子，时而慵懒的躺在卧榻上洗手，人物姿态千变万化，而性格跃然纸上，画面中的其他的男男女女，造型都会有差别，疏密布置得当，画家通过造型处理主次关系，是画面结构紧凑，节奏感强。任伯年的《群仙祝寿图》中的神仙各个姿态不同，神情各异，画面的空白与内容布置的形成大面积对比，有一种很强的画面节奏感。吴昌硕的花，郑板桥的竹，黄胄的驴，都有具体的形象，由此可见，这种临摹本身会锻炼传统造型能力，也会锻炼节奏感的把握。自从全国建立美术学院，学习中国画要先从素描学起，徐悲鸿认为“素描是一切造型艺术的基础”，强调写实能力，先从对人对景对物写生开始，蒋兆和的《流民图》，写实功底扎实，每个人物造型都来源于现实生活，加之神态生动，刻画出知识分子、贫苦农民等各种身份的人的艰辛经历，成为一代经典。周思聪的《人民和总理》刻画出了周总理的和蔼面容，画面体现出总理与人民之间的亲密关系，笔墨相对水润，造型上也是扎实的写实功底。这种造型的方式是借鉴西方的，形式新颖，而且在教学中更容易形成体系，特别是人物画的造型方式，符合现代人的审美观，也符合西全世界的审美观。从拿起画笔的那天开始，我们学到的就是西方的素描造型，科学的透视方法，生动的光线表现，都是我们憧憬和追求的。另一方面我们被中国画的造型传达的一种感情所吸引，中国画历经千年而不朽，一部分就是造型传神的功劳。在我们不断学习西方的同时，西方的大艺术家反而开始学习中国艺术，马蒂斯、毕加索、席勒都接受了很多中国画造型的东西，将主观的表达作为造型的新方法，引领了西方艺术的新潮流，成为西方美术史中不可抹杀的伟大艺术家。

通过这两种途径而获得的作品各有得失，一味的、偏激的追求守旧或者创新必然是会被淘汰的。在教学中，国画的素描造型也应该不同于油画系，不同于西方素描，不中不西不行，只中不西也是不行的，“形神兼备”“以形写神”的同时，也要考虑到当前人的审美情趣，使中国画能够符合世界人民的审美，融合到中国美术史的发展进程中。

[1]潘天寿.《潘天寿论画笔录》.上海人民美术出版社，1984年6月.

[2]陈传席.《中国绘画美学史》.人民美术出版社，2009年11月.