激发求知与想象：苏富比旗舰艺廊落址香港中环

苏富比旗舰艺廊于2024年7月在香港中环置地遮打揭幕，以占地2.4万平方英尺（约2229平方米）的多元空间探索零售、展览与拍卖新体验。其中，Sotheby's Salon囊括200件横跨8000万年历史、来自全球各地的收藏，试图重新定义公众与艺术之间的屏障，地下楼层展厅“菩提：佛教艺术萃珍”与“冰：龙美术馆借展双珍”双展揭幕，为观众带来博物馆级别的展览体验。

苏富比旗舰艺廊的新空间约2229平方米，楼高两层，涵盖作品近20个门类并跨越8000万年历史，价格由5000港元至5000万港元不等。地下设有博物馆级展览空间，为访客带来沉浸式观赏体验；一楼则是Sotheby's Salon，旨在提供涵盖近20个门类的零售体验。旗舰艺廊位于中环核心地段，四通八达，每月人流量将达逾130万人／次。

苏富比亚洲区董事总经理洛嘉熙（Nathan Drahi）表示，“苏富比旗舰艺廊筹备多时，我们锐意让这个位于香港的展览空间成为全球访客的文化枢纽。”苏富比亚洲区主席仇国仕表示：“我们的愿景是打造一个激发求知与想象的空间：从恐龙化石到顶级手袋、非洲当代设计家具到意大利古典素描、电影海报绝品到毕加索陶瓷作品、韩国当代工艺到珍罕古董名表、哥德式雕塑到当代珠宝设计、中国古代艺术到稀珍书籍及手稿，乃至当代艺术到武士甲胄不等，在此带来灵感，并吸引现有与新晋的藏家。”新空间由荷兰鹿特丹建筑规划事务所MVRDV设计，突破传统展览空间固有的概念和界限，并试图重新定义公众与艺术之间的屏障，“让艺术文化变得易于触及。”

位于一楼的Sotheby's Salon 为迎合现今跨门类收藏趋势而设，空间共五大区域，分设七间沙龙，展示超过200件横跨8000万年历史、来自全球各地的收藏。每间沙龙各述独特策展，凝聚来自不同领域的美学视角，囊括恐龙化石、珠宝、非洲艺术、球鞋、西洋古典素描及设计，以迎合当今藏家品位多元的追求。旗舰艺廊采用开放式设计，穿透式空间配合玻璃门廊，将原有的独立店铺无缝连接，苏富比经典的蓝金色调贯穿一楼各个沙龙。

作为过渡的梯间通道通向地下楼层，相比一楼明亮而开放的设计，地下呈现恢宏的空间秘境，呼应道家思想中的变化观。地下的空间灵感来自备受中国文化尊崇的供石，强调人与自然之间的平衡、持续适应和变化之道，与当代社会中所重视的生态环保理念不谋而合。

供石将道家思想实体化，亦是这个沉浸式空间的灵感来源，融会贯通古今。Grotto艺廊位于中央， 紧邻两侧分别是Pantheon艺廊与Sanctum艺廊，每个区域皆以深酒红色和炭黑色的木材装饰。楼高6米，高低错落的天花板营造出石上的玲珑峰谷、骤然起伏。这三处空间将呈现博物馆级别的展览、艺术表演及大型拍卖会预展。

地下楼层的Grotto 及Pantheon 艺廊正在举办展览“菩提：佛教艺术萃珍”，以佛教造像杰作，追溯佛教艺术发展轨迹。紧邻Grotto艺廊，在此层最为隐秘的Sanctum艺廊正在呈现“冰：龙美术馆借展双珍”，两件相距千年的作品分别为格哈德·里希特（Gerhard Richter）《冰山》和北宋汝窑天青釉洗。此件汝官窑笔洗釉如凝脂，冰裂莹澈，为拍卖史上最高价瓷器。

“菩提：佛教艺术萃珍”以一系列佛教造像杰作，从古犍陀罗到中国盛明，沿南北各朝，途经赵宋，追随历史足迹，见证慈法弘扬，展览以期在探索佛教艺术嬗变之余，显法扬道，让观者得以窥觑凡尘世外，在别有天地之中找到一方净土。

菩提，另译为“觉”，乃一切修佛者终极所求。两千余年以来，修行之人依佛菩萨形象可近圣道，虔心向佛者更视修造佛菩萨形象为无量功德。论宗教性，佛教形象蕴含超凡之力，脱尘入圣，论艺术性，佛教造像不乏绝美之作，尤其是中国造像，朝代兴衰更迭、社会信仰嬗变均可从中洞见。造像发展丰富多样，其内核不外发心恭请释迦牟尼佛示现，若遇身量魁伟之像，瞻礼者勿论僧俗，皆肃然起敬，时至今日亦复如是。

佛教形象起源，即佛陀初用具象表达，可溯至公元前五世纪佛祖释迦牟尼之生平及涅槃。释迦牟尼火化后，遗骨舍利安放于佛塔下，以塔象征佛陀之身；彼时，佛陀尚无拟人化形象，佛塔便在佛教早期为形象崇拜埋下伏笔。阿育王（约公元前304－232年）于孔雀王朝广袤国土大力弘佛，立存世最早佛教纪念物以崇奉释迦牟尼，世称阿育王柱，然拟人化形象仍未出现。

作为宗教，佛教于公元前3世纪已自印度流传，然直到公元1世纪前后，古犍陀罗（今巴基斯坦西北部及阿富汗东部）才以拟人化形象塑造释迦牟尼佛。公元前327年，亚历山大大帝征服犍陀罗，希腊罗马传统渐来此地，于贵霜治下形成犍陀罗造像风格。“菩提：佛教艺术萃珍”呈现了从贵霜帝国（约公元前2 世纪至公元3世纪），至南北朝、隋、唐、宋、元、明各时期的佛造像，见证佛教发展史上诸多高峰。

“冰：龙美术馆借展双珍”为苏富比旗舰艺廊地下举行的两场开幕展之一，两组杰作突破时空界限，展开别有天地的鉴赏体验，北宋汝窑瓷洗巧遇格哈德· 里希特的《冰山》。

汝窑雅色，有“雨过天青云破处”之誉，轻罩冰裂片纹，学士文人、鉴藏大家，千年以来奉若瓷中神品，趋之若鹜。里希特的《冰山》聚焦在孤独的冰川，遗世队列，望而畏之，捕捉寒极纬度那片烟雾弥漫的迷人冰洋，展现安娜·卡万在《冰》一书中言及之境（页172）：“极地的壮丽犹如海市蜃楼，高耸入云、漫天盖地，是冰超然诡异的建筑。”

里希特的《冰山》被描绘为像是受“梦中古典风格绘画和未被玷污的原始世界启发，换言之是受缅怀过去驱使的”（迪特马尔·埃尔格编，《格哈德·里希特：风景画作》，奥斯特菲尔登吕伊特，1998年，页21）。冰峰巉崖耸立海上，迷雾笼罩，寒气慑人，海面未见任何光源，却透现幽幽暮光。里希特以晕涂法逐层叠加绿松石色与各种浅灰，色彩微妙递变，画面捕捉了梦境所见的瞬间。当问及里希特为何创作风景画，他断言：“我要绘画美丽的事物”（同前注，页12）。

汝窑脱俗独特，但釉色变化范围广泛，存世作品中从平素无纹的乳浊淡绿，到如本次展出之作般密布片纹的润泽天青皆有，不一而足。光线落在器表天青釉上，折射出犹如冰面开裂的“冰裂纹”，让人联想到里希特在《冰山》描绘的冰川和巨缝。釉面开片纹原为制瓷工艺瑕疵，乃出窑冷却时，釉层与胎身之收缩速度不同所致，起因偶然，却成汝瓷特色。因此即使窑工竭力营造开片条件，最终仍可能功亏一篑。烧成如同天然冰晶般闪烁迷人之冰裂釉色，实需天时地利，非人为可控。

《冰山》描绘的凛冽景象曾是摄影镜头瞬间捕捉的风景，现在却顺从过去的表达形式，转化成画布作品。“就如自然界各类景致般美，也如彩绘工艺品般美，无须理会周遭而散发隽妙之美”（罗伯特·施托尔，《格哈德·里希特：绘画四十年》，纽约，2002年，页53）。