用音乐寻光的李上安

张迪

采访李上安纯粹是场偶然。

那天朋友发来信息，向我推介了这位音乐人。很巧的是，当晚正是李上安“亿万束光”全国巡演北京站。于是，我走进了她的现场。

到时演出已开场，推门而入，声浪一股脑儿涌了出来，黑压压的人潮一片，把这狭小空间塞得满满当当。

我站在后排，向舞台之上望去。映入眼帘的，是耀眼的一道道光束，笔直地投射下来，又漫散在空气中，李上安抱着一把原木色吉他，被宛若圣光的灯群拥抱着。一身黑色衣饰，一副墨镜，一头脏辫散落肩侧，像极了狂放不羁的摇滚女诗人。而她的声音，更是融合了多重质感，将彼此陌生的人们紧紧围裹在了一起。

声浪愈发强烈了，地板被齐刷刷的跳跃震得砰砰作响，甚至于，在流转迷离的追光下，周遭磁场也发生了微妙的变化。这或是李上安和她的音乐散逸的气场，那抹琢磨不透的神秘感，令我很想要一探究竟。

关于音乐表达：

多面、立体、真实

第一次听李上安的音乐，是被她的声音吸引到的。非常独有的音色质感，厚而不腻地拿捏着沙哑，唇齿之间的咬合粘度，蕴上了一层薄薄的感性。似乎有很多情绪裹藏在这副嗓音之内，洒脱、倔强，甚至有那么一丁点的无所谓。音乐的织体线条，陷进了多种感观的交织循环，让这些声音充盈着神秘感。

李上安坦陈，很多人都说她的声线辨识度很高，她大多数作品的音调，的确比一般女生要低一些。“我的精神层面上，偏向雌雄同体吧，所以我希望自己的表达也是多面、立体、真实的。”显然，在她所描绘的声音画面里，细碎地糅杂进了更多内容，比如脆弱、敏感、温暖……

复杂而矛盾的个性，让她的音乐以更多元和广袤的形式，融合又差异地呈现出来。对此，李上安是这样理解的：“我没有那么专向性的风格，是因为我自己就是听流行长大的，做任何风格的音乐，都或多或少地，融合一点流行音乐做基底，这样也更利于听众理解。”

当下的华语乐坛，流行音乐的普及接受度，处在中上层级。看似简单的风格走向，要想做出新花样实属不易，相比起在固有模式下的一味模仿，李上安更期冀做出一些裹带个人特点的融合音乐。她这样比喻着，如果把极端的音乐风格，想象成一个球体的上下两端，流行音乐无疑是贯穿始末的核心地带。形成繁复风格的因素，归根结底是个性所致，近几年历经的转折波动，让她始终处在过渡期，性格随之发生了很大转变。与人生的起伏如出一辙的，是她对待音乐的态度，她觉得音乐也应该是自由、流动的，不该被所谓的标签束缚，这些音乐一定是极为真实的，因为成长这件事本就是真切存在。

至于具体的风格选择，她不会做过多的前期设定，而是依据当下想要表达的内容决定。一个人独处思考，或者陷于某种情绪状态中，灵感会倏地钻出来。她似乎不太喜欢那些刻意去寻摸的东西，声称“只有我想写的时候和我不想写的时候，想写的时候灵感自然就来了”。相较于精细地打磨词句与旋律，李上安更偏向于一气呵成的流畅感，甚至于很多时候词曲会一同倾泻而出。

无论创作亦或演出，吉他对李上安而言都是颇为重要的物件。2016年，她首次进入岸部真明大师班学习吉他演奏，而后在2017年、2023年继续研修精进，并且每一次都汲取到了更多养分。“我从2012年开始听他的音乐，他对我早期作品的影响很大。那时我喜欢用原声吉他，会融合指弹的形式做编曲。后来经由他的指点，我的演奏基础变得更扎实，情感更细腻，整体感觉也比之前稳很多。”

关于原创专辑：

“变”是成长，“不变”是坚守

做音乐伊始，李上安便这样打起盘算，要一个人尽全力去完成关乎专辑制作的每个步骤。从最基础的板块学起，不断累聚经验之下，她逐渐优化各处细节，走向了更专业的水准。如今的李上安，填词、谱曲、器乐、编曲、和声、演唱，样样俱佳，就连制作也一并揽了过来。“这些都是为了让我的作品，整体感更强更统一。”对此，她这样解释着。

谈及制作人身份，她坦言，如果词曲创作者是编剧，制作人很像是一名导演。“如何编曲，决定歌曲怎样的气质，找什么样的老师录音，在哪间棚里录制更适合，如何调节各个环节的工作进度，管理整个制作流程”，这些至关重要的环节，是身为制作人应该考量和把控的范畴，需要对预算、演奏、录音、混音、母带等相关方面有专业、透彻的了解。往往一个选择，或是一处细节的变动，就将决定一首作品的命运走向，其所涉及的内容包罗万象，是要依靠丰富且综合的阅历才能达成。

2017年，李上安发布了第一张原创音乐专辑《秋千》。“它代表着我做音乐的开端，是自己不忘初心的纯粹，跟童年一样简单美好。”彼时的李上安，年轻、冲劲十足，在迈向成长的分寸间，依旧想往最初的澄澈，这大概是她为专辑取名“秋千”的缘故吧。在这首同名歌曲里，她以缓慢婉转的唱腔，哼着童谣般的曲调“坐在秋千上摇啊摇/摇向云端/推着我摇到遥不可及的路途漫漫/伴着我摇啊摇啊摇/摇到你的彼岸啊/摇晃的背影它始终萦绕着秋千”。一幅恬淡的生活画卷徐徐铺展开，情绪透过声音得以释放，开阔的小院落，追跑打闹的玩伴，轻摇蒲扇的外婆，流动的树影，绵延的郎朗笑声，都仿佛一一映现眼眸。整张专辑听下来，有城市民谣和独立流行的融合感，李上安对于过往的那抹怀念，以及裹含其中的遗憾、慨叹，淡淡地氤氲于声音里。“大家之所以会怀念，是因为在那个年代，我们都很知足，也很快乐。愿这个时代也能如此。”这是李上安在当时写下的一句话，亦是她的一份愿景。

人生的这场长途跋涉中，成长是时刻发生着的，步履不停已然成为常态，放缓反而是被惧怕的事情。“独立音乐同样成长得很快，我能明显感觉到很多人的浮躁，我那时多少也会受点影响。”李上安敏锐地察觉出不对劲，她渴望自己能慢下来，沉淀、打磨，在获得一些憬悟后，也成就了这一张名为《慢》的音乐专辑。这张专辑中，她将性格和音乐的联络进一步打开，融合进摇滚、迷幻、Bossa Nova、Reggae等多元风格，如此一来，整体的音乐感知出落得更松弛了些。

第三张专辑《You'll be proud of me》，字里行间是坚定甚至强硬的，迸发着一股向上生长的执念。李上安直言，这是她在谷底时期，对自己说的一句话。“那个时候的我比较拧巴，处在低谷状态并向上走的阶段，与上一张专辑相比，个性会更加的极端化，矛盾感也更强烈。”矛盾感，恰恰是这张专辑的内核，极具表现力的乐曲风格，时而张扬、狂野，时而沉稳、内敛，在分裂的界限两端往复游走，多面性的体现可谓淋漓尽致。

时间扑面而来，在特殊时代下的生活里，李上安同很多人一样，遭遇着困顿迷茫，沉下心并全然接受是当下唯一能做的事。拥抱她的是逐渐蜕变的更完整的自我，是一份睽违已久的松弛感、胆魄和坚韧。蛰伏近三年过后，李上安为她的人生故事标注下沉甸甸的注解，并写进了这张《解梦人》音乐作品集。“真相若虚妄，幻夜解梦人”，抽离于梦境与现实的流转，如时空穿梭者那般，感受似真似幻的魂灵触碰。“强化音乐概念，弱化音乐风格，可以说是最冒险，也是业内口碑更好的一张专辑。”

关于《日落黄昏时》：

“我”是“我”唯一的救赎

提到日落，它分明是一天的轮转中，甚为柔美浪漫的时刻，却又不自觉地会想起“只是近黄昏”这般句式，落寞寂寥之感霎时涌上心头。李上安的新作《日落黄昏时》恰巧应了这般心绪，曲风柔缓，人声慵懒，洋洋洒洒地裹进一字一句，狭缝间的一份遗憾和释然尤其意味深长。

“这首歌为什么叫《日落黄昏时》？”“因为看到这场日落的时候，想到《爱在日落黄昏时》这部电影。那，‘爱在这两个字呢？爱，不在了啊……”这段直白注解，听来多少有点唏嘘，一些过往场景走马灯似地闪现，她随手写下了几句诗，动机恰逢其时地光临，旋律便很自然地涌泄而出。

按下播放键，没有冗长花哨的前奏搅扰，李上安的声音钻入耳窝，“人间烟火的坠落/云间浪漫的暮色/银河系的流浪者/那不勒斯海边的过客”，沙哑亦无力，跟随音乐的步调，一帧一帧娓娓道来着。为之伴奏的钢琴旋律，简单而平缓，两段唱词过后，桥段处的轻浅叹息，副歌紧跟了进去，“落日如歌/星河沉默/没有输赢/没有对错/失去是相互的”。加入乐队编制后，瞬间的烘托、加持，形成极明显的对比。“前半段是表达孤单落寞的感觉，中间开始进乐队，加强那种蜕变感和升华感，是因为整个人通透了，你坚定选择过，无悔付出过，那遗憾的人就不该是你，有没有人爱你，你都得好好爱自己，自己才是自己唯一的救赎。”世事变迁，唯有自渡，大概是她想要表述的弦外之音吧。

关于“亿万束光”巡演：

化身音乐的光能使者

李上安曾说过，“在光下，我和我的音乐才是完整的。”对她而言，光一直是支撑她走下去的能量，“疲惫迷茫的时候，我就去森林或花园里晒晒太阳，会感觉好很多。我的新专辑歌词本，用硫酸纸做成了半透明质感，展开后歌词是打乱的，折叠合于一起，放置在光下看，它们便是浑然的完整体。”

所以，她将此次全国巡演的主题定名为“亿万束光”便毫不意外了。“每个人都在寻找自己的一束光，你找到属于你的那束光了吗？”带着这样的疑问，李上安携乐队自北京起航，一路擎着光，走过了天津、深圳、广州、武汉、长沙、杭州，最终落脚上海。“有些场次做了关于巡演主题‘亿万束光全新的设计周边，我们想要呈现汇聚巨大能量的感觉。”李上安这样解释道。

新歌《日落黄昏时》也加入歌单，并被放置在了最后一支歌的位置。当灯球倏地亮起，“亿万束光”从四面八方投射在她的身上，台下闪烁一片的荧光海，与之遥相呼应、融会交织。现场定格在当下的绝美瞬间，所有人屏住呼吸，时间凝结遁入真空，又在下一秒被炸裂的尖叫淹没了。应有尽有的各种光源，在李上安的这方音乐场域，终究打进了心底留白处，甚至于，李上安和她的歌迷就是这“亿万束光”的其中之一。“这首歌的舞台呈现就是在表达，无论现在有没有人爱着你，你的光就是为你而打的，你的舞台就是为你而亮的，你的世界就是围着你而转的，你自己就是最耀眼的存在。”即便是在纸面上看到这段文字，我依旧感受得到李上安的那一抹锐利眼神，以及浑身上下裹挟着的热血沸腾、洒脱飒气。

站上舞台的李上安，怀抱着那把烈焰红的电吉他，是鲜活、真实、沉浸的，这里是她创造和演绎音乐的渊薮，也是她认为弥足珍贵的时刻。“对于现在的我来说，站在舞台上就像是在充电。观众如果足够热爱舞台，喜欢我的音乐，于我而言，就是知音，是一种双向奔赴。”整个过程中，她与舞台的关系是“合而为一”的，是“沉在音乐里，只专注享受在当下的每一首歌”。她觉得，只有自己唱得舒服了，观众才会是享受的，才能跟着她一起沉浸，从内而外传递力量和情感。

写在最后

透过这些采访文字，我从几个方向对李上安进行了一番挖掘和了解，才发现她的个性、见解渗透进了每处细枝末节。

对于音乐，她不算是一个完美主义者，只是想在当下尽量做到最好。回头观望从前的作品，总会有不满意的地方，她认为那些正是成长的痕迹。

对于生活，她是个松弛随性的人，不太会在意别人怎么看，活成自己喜欢的样子就行。

我记得，在北京站的巡演现场，她信誓旦旦地告诉歌迷，要把这一头脏辫给拆掉。很多人眼中的“标志”，到她这里怎么就轻描淡写地一笔带过？“这个发型就像一个人出现在我的生命里，分别时尽管舍不得，但缘尽依然要说再见一样。我想要探寻更多的未知，和不同形态的自己。”

这样清醒独立、通透阔达的李上安，如她写下的音乐那般，很难不令人着迷。