音乐剧舞台表演中的情感表达技巧

摘要：本文深入探讨了音乐剧舞台表演中情感表达的技巧及其重要性。音乐剧作为一种复合艺术形式，不仅仅是音乐、歌唱的结合，更是戏剧、舞蹈、视觉艺术等多种艺术形式的综合体现。在音乐剧的表演中，情感的真实传达是连接演员与观众，确保故事情节感染力和戏剧冲突张力的关键。本文分析了音乐剧表演中情感表达的重要性，探讨了通过发声技巧、台词表达、动作表现及舞台形体四个方面的具体表达技巧，旨在提高音乐剧表演的艺术感染力，更好地传递作品主题和人物形象。

关键词：音乐剧；情感表达；发声技巧；台词表达

中图分类号：J814文献标识码：A文章编号：2096-0905（2024）03-00-03

音乐剧作为一种综合性的表演艺术形式，在全球范围内享有极高的声誉和影响力。它通过音乐、歌唱、舞蹈、表演等多种艺术手段，向观众展现丰富多彩的故事世界。在音乐剧的舞台表演中，情感的真实、深刻表达是艺术传达的核心，也是衡量一部音乐剧成功与否的重要标准。因此，演员需要掌握一系列表达技巧，以确保情感的准确传递，增强作品的感染力。本文将从音乐剧表演艺术的特点出发，深入分析情感表达的重要性，并详细探讨如何通过各种表演技巧有效地表达情感，旨在为音乐剧表演者提供理论指导和实践参考。

一、音乐剧表演艺术的特点

（一）复合艺术形式

音乐剧是一种融合了戏剧、音乐、舞蹈、视觉艺术等多种艺术形式的复合艺术。它通过这些不同的艺术手段，共同构建一个富有感染力的表演空间，让观众在观看的同时，能够体验到故事的情感深度和艺术的美感。音乐剧的这种艺术形式要求演员不仅要有扎实的表演基础，还要具备一定的音乐和舞蹈能力，以确保能够全方位地诠释角色，传递剧作的情感和主题，音乐剧的舞台设计、灯光、服装等视觉元素也非常关键，它们与表演紧密结合，共同营造出独特的观赏体验。这种多元化的艺术表现形式，使得音乐剧成为一种极具魅力和吸引力的舞台艺术。

（二）情节性叙事

音乐剧的叙事结构通常围绕一个中心故事展开，这个故事往往具有强烈的情节性，通过连贯的剧情发展来吸引观众的注意力，并通过音乐和歌词进一步加深故事情节的情感表达。情节性叙事不仅为音乐剧提供了一个清晰的框架，使得观众能够跟随剧情的发展而产生情感上的共鸣，同时也为演员提供了展示其表演技巧的平台。在情节推进中，音乐和歌曲成为讲述故事、描绘人物情感的重要手段，它们能够在不同的剧情节点上加强情感的表达，使得观众能够更加深刻地理解角色的内心世界和剧作的主题思想。

（三）戏剧冲突

戏剧冲突是音乐剧中不可或缺的一个元素，它是推动剧情发展、塑造人物形象、加深主题思想的重要手段。在音乐剧中，冲突通常表现为主要角色之间的对立，或者是主角与内在自我、社会环境之间的斗争。这些冲突不仅激发了剧情的张力，使得故事更加吸引人，也为演员提供了展示其表演深度和情感表达能力的机会。通过歌曲和表演，演员能够生动地表现角色在冲突中的心理变化，使得观众能够更加深入地感受到人物的情感波动和故事的戏剧张力。戏剧冲突的有效处理，是音乐剧成功传达其艺术魅力和深刻内涵的关键。

二、音乐剧表演中情感表达的重要性

（一）贯穿整个表演

情感表达在音乐剧表演中扮演着至关重要的角色，它像一条纽带，将演员与观众紧密相连。从开场到谢幕，情感的流动贯穿整个表演，它不仅仅是通过演员的歌声、台词、肢体语言传递出来的，更是通过整个剧作的音乐、舞蹈、舞台设计等多个层面共同作用的结果。这种情感的传达让观众能够身临其境，感受到角色的喜怒哀乐，体验到故事的起伏波折。更重要的是，情感的真实表达能够触动观众的内心，引发共鸣，使观众在欣赏美学艺术的同时，也能对人生、爱情、友谊等主题有更深的思考和感悟。

（二）传达作品主题

音乐剧作品的主题是其精神内核，而情感表达则是最直接、最有效的传递作品主题的方式。无论是通过悲伤的旋律、激昂的歌词，还是通过演员的眼泪和笑容，情感的表达都能够深刻地描绘出音乐剧所要传达的主题思想。例如，在探讨爱情和牺牲的音乐剧中，演员通过情感丰富的表演，让观众能够感受到爱的力量和复杂性；在讲述成长和挑战的故事里，角色的坚韧不拔和勇敢面对困难的情感，激励着每一位观众对生活持有积极的态度。

（三）投射人物形象

在音乐剧中，每一个角色都有其独特的性格和命运，而情感表达是塑造和展现这些角色形象的关键。通过演员的情感投入，观众可以更加真实地感受到角色的内心世界，理解角色的行为动机，从而对角色产生同情、尊敬或其他复杂的情感反应。情感的真实表达不仅能够让角色显得更加立体和鲜活，还能够增强剧作的说服力和吸引力。例如，当演员在表演中流露出真挚的情感时，无论是爱情的甜蜜、友情的坚固，还是挫折的痛苦，都能够直接触及观众的心灵，让观众对角色产生强烈的情感共鸣。这种通过情感表达投射出的人物形象，是音乐剧艺术魅力的重要体现。

三、音乐剧表演中情感表达的技巧

（一）发声技巧

1．呼吸運用

良好的呼吸技巧是音乐剧演员准确传递情感的基础。正确的呼吸不仅能够赋予声音足够的声量和质感，更能让情感表达富有层次和张力。首先，演员需要掌握适当的胸腹式呼吸方法。吸气时，利用肌肉使腹部向外鼓起，使肺部充分膨胀；呼气时，控制收缩腹肌，使空气缓缓流出。如此循环呼吸，不仅能获得充足的空气储备，更能正确发声，避免喉咙发紧发涩。其次，呼吸要随情感需求灵活变化。比如，激昂高亢的戏段，需要长时段的音持续，就要使用深长的吸气；温情脉脉的唱段，则需要短促轻柔的吸气。演员要熟练掌握这种呼吸的变换技巧，使声音与情感高度契合。最后，呼吸的协调性也很关键。声乐、台词、动作需要相互协调，避免气息中断而影响情感传递的连贯性。比如，高音区的音符很耗气，演员就要学会在换气处微微停顿动作，不影响整体呈现效果。只有将呼吸贯穿在整个表演过程中，才能达到情真意切的效果。

2．声音投射

音乐剧演员需要在巨大的舞台空间里发出足以填满整個场地的声音。良好的声音投射技巧，不仅能确保声音被清晰地传达给远处的观众，更能充分展现丰富的情感。首先，做到面部腔体的利用。通过降低下颌、张开上颚咽喉空间，能使共鸣腔体扩大，声音共鸣性更强，易于投射。同时保持面部肌肉放松，避免造成声音钝塞音色不佳。其次，学会发声位置的运用。对于华彩夸张的高亢音段，可适当上斜发声位置，让声音更有张力穿透力。对于柔美抒情的音段，则可后斜位置发声，声音更富磁性余韵。巧妙利用发声位置的变换，情感表达会更饱满动人。最后，音乐剧演员的腹肌力量也很重要。丰富的腹肌运用能够使声音在大空间里保持稳定，减少能量损耗。腹肌的收缩放松调节，能让声线更富穿透力，将情感完整地传递给观众。

综合运用呼吸和声音投射的技巧，无疑能让音乐剧演员的情感表达事半功倍。只有掌握了发声的全部基础知识，才能让观众沉浸在极致的声音氛围中，感受情感的真挚分毫不差。

（二）台词表达

1．语音语调

音乐剧台词的语音语调塑造是情感表达的重要部分。演员要学会运用语调的高低起伏、语速的快慢变化来传递不同的情绪状态。在高潮戏份时，合理运用高音调、语速放缓、音量加大等方式，能够很好地展现愤怒、震惊、悲伤等剧烈情感。反之，在缓和描写时，可采用低音调、语速流畅、音量适中等手法，完美呈现平和、祥和、温馨的情绪。演员要精准把控语调的拿捏分寸，过于做作夸张容易流于肤浅，而缺乏变化又显得单薄乏味。恰到好处的语调安排，可使对话环节生动自然，更好地展现人物的情感层次[1]。此外，不同年龄、地域、身份背景的人物也应有不同的语音语调风格。比如，老年人的语调就应显得缓慢儒雅，年轻人则可趋向活泼张扬。通过对语调特点的准确把握，可增强台词表达的真实感。

2．台词内涵体会

语音语调的塑造只是表面形式，演员对台词内在情感内涵的领会体味更为重要。只有将台词内化于心，才能做到真切自然的情感表达[2]。音乐剧剧本通常会为每一段台词都注明情感状态和背景，演员要熟读剧本，全面理解这些情感的来源。比如，要展现“感恩”这种复杂情绪，就要深入台词内核、解析人物的心理活动，推敲出这份感激之情的缘由。同时，演员也要临场发挥，依据眼下的表演氛围和感受水到渠成地体现内心真实的感受状态。也就是说，台词内涵体会需要贯穿于排练和表演的全过程。只有经过长时间的渐入佳境，才能做到尽兴而发，发自内心。

（三）动作表现

1．身体语言

在音乐剧舞台上，演员的身体语言是情感表达的重要载体。它能够将内心世界外化，使情感得以生动形象的展现。掌握恰当的身体语言运用技巧，对于情感表达的精准性和艺术性至关重要。首先，每一个身体动作都需要有明确的动机驱使，而非简单机械式的重复。比如，伸手的动作，可以是温情的拥抱亲人，也可能是对抗的防御姿态，甚至是懊恼的自我掩面。动作背后所承载的情感内核，将直接影响动作本身的质感。演员要时刻绷紧内心的情感弦线，让动作与内心产生呼应。其次，动作的力度、频率等都能体现情感的强弱变化。比如，愤怒地挥舞双臂频率必然高于宁静的摇摆；冲击波一样猛烈的情感会伴随大幅度的动作展现，而渐行渐远的内疚自责更需要收敛内向的动作[3]。动作的节奏控制，对于还原复杂情感走向至关重要。最后，即使是静止状态，身体语言也需要保持活力，以体现情感的内在张力。演员要学会在静态中渗透动作质感，如眼神的流转、手指的绷紧都能予人强烈的心理暗示。同时控制呼吸韵律，使全身心都维持在一种情感的存在状态。静态身体语言的精妙运用，能使内心情感外放，为舞台氛围增添底蕴。

2．面部表情

面部表情作为声音之外最直接的情感表现方式，在音乐剧表演中也不容忽视。演员要掌握精准塑造面部表情的技巧，将极富张力的情感完美呈现。首先，掌握面部肌肉的灵活性。人体面部有几十块肌肉，每一块肌肉的运用都可能产生不同的情感体现。爱恨喜哀、忧郁欢愉等复杂情感，都需要通过面部肌肉的精细运用才能真实呈现[4]。比如，眉毛的轻蹙代表着忧愁，嘴角的翘起则体现喜悦，眼睛的眯起饱含狡黠等。其次，注重面部表情的连贯性变化。情感的转折是有迹可循的，不可能出现生硬的跳跃式转变。面部表情的推移要与剧情的发展高度协调，既要准确展现核心情感状态，又要体现情感细微的渐变过程。最后，面部表情不应孤立存在，而是要与身体动作、声音语气完美结合，共同营造出饱满的情感张力。运用好面部表情这一关键因素，定能让演员的情感表现在舞台上熠熠生辉。

（四）舞台形体

1．姿态置景

“形神兼备”是音乐剧演员追求的最高境界。只有通过精心塑造的舞台形体，才能使情感外放得淋漓尽致。掌握恰当的姿态置景技巧，对此尤为重要。首先，姿态要完全契合舞台场景。不同的背景环境，有着不同的姿态呈现方式。比如，在宫殿中，演员就要保持庄重典雅，每个举手投足都透着矜持高雅，营造出恰如其分的贵族气质。而在乡村场景，便可采取朴实无华的姿态，甚至可适当邋里邋遢一些，突出质朴的乡土气息。即便身处同一背景，角色性格也会使姿态呈现存在差异，这就要求演员对背景和角色都有深入了解。其次，姿态要与情感状态高度统一。例如，当表现愤怒的极度情感时，演员可摆出双手紧握的攻击性姿态，甚至做出蹊跷的举动，彰显这种愤怒的极致表征。温馨幸福的小品场景则需要优雅温柔的含蓄姿态，才能展现出相应的情感内核。不同的情感氛围，姿态必须严丝合缝。此外，还要关注动作在时间上的流畅连贯性，使每个姿态都恰到好处，场场合适。无论是整段动作序列，还是单个姿态定格，都要精心雕琢，让每个细节都能令人感受到渗透其中的情感张力。

2．动作协调性

在舞台上，演员要处理好身体各部位动作的精细同步，以确保整体形体展现力。只有做到全身动作的完美协调，方能让情感表达达到圆满的状态。上肢动作与身体重心的统一至关重要。一个重心后移的动作，手脚自然就会前伸以保持重心平衡，双臂也会有相应位移变化。倘若演员无法很好地掌控上下肢体在时间和位移上的精细同步，身体形体就会显得青涩生硬，难以展现流畅的情感线条。腰身部位的运用同样不可小觑[5]。它是连接上下肢体的枢纽，蕴含着情感和动作的关键因素。演员要学会灵活运用腰部，使动作行云流水，富有韵律感。舞台上充满张力的形体，需要腰部充当关键的支撑点，否则一切动作都难以服帖富于内在的张力。音乐剧舞台并非僵硬空间，而是流动的场域。演员必须时时关注全身动作在空间中的分布协调。脚步的远近位移、手臂的张开收拢、上下腰肢的摆动均要圆融贯通，使整个身体在舞台上呈现出最佳的姿态。这种全身动作的层层精心把控，最终将使情感表达臻于极致的高度。

四、结束语

音乐剧作为一种综合性的表演艺术，其艺术魅力在于能够通过情感的力量，让每一个看似平凡的故事，都充满了深刻的意义和不凡的力量。因此，无论是创作者、演员还是观众，都应该深刻理解并重视音乐剧中情感表达的重要性，以确保这种艺术形式能够继续繁荣发展，传递更多的美好与感动。

参考文献：

[1]柯皓燃.音乐剧中音乐创作的我之作法[D].北京舞蹈学院，2019.

[2]刘雨东.音乐剧艺术中“演”与“唱”的关系及演唱技巧与表演的运用[J].音乐时空，2021（20）：164-166.

[3]闫晓宇.歌剧表演中演唱技巧与情感表达[J].黄河之声，2017（14）：96-97.

[4]刘璐.论音乐剧演唱中情感表达的重要性——以音乐剧《金沙》之选段《忘记》为例[J].黄河之声，2020（23）：83-85.

[5]郑思琦.声乐表演中技巧表现与情感表现的浅析——以歌剧《伤逝》中的《欣喜的等待》为例[J].黄河之声，2020（07）：46.

作者简介：彭建锟（1994-），男，湖南张家界人，硕士研究生，助教，从事艺术学研究。