艺术灵魂的历练

柏赞东

世间百态情，台上一部戏。戏好看，角难演，鲜活生动的舞台形象是戏曲的核心。结合我数十年的淮剧演艺实践，通过歌舞音画美，把一个虚拟的、字面的、想象里的符号，幻化成有型的、可信、可亲或可憎的人物角色，需要一番艺术灵魂的历练。关于塑造舞台角色，应该从源头了解角色，立足角色沉浸确立角色形象中心，注重艺术内涵与舞台表演的外化，实现戏情的延伸效应。

一、以人文情怀读剧本，从源头了解角色

一剧之本是故事的源头，是戏剧展开、戏剧冲突的始发点。演好角色，熟悉、通读剧本是必需的功课。只有通过剧本，了解了剧情、角色、人物关系，戏、角色才会鲜活起来。

我在排演新剧目，接到新角色时，除了参加集体的剧本通读、角色对词外，会自加压力、自设小灶，加深对剧目的了解。从某种意义上来讲，剧本是故事抽象的一隅，改编、原创剧目均源自此。要准确把握角色，不仅要通晓自己的戏份，还要了解对手角色的戏情和情绪。这需得从宏观上、全局间来了解剧情，理出故事的脉络。剧情的背景、剧情发展的过程、剧情以外的人文呈现，这些，都是尽可能地要去理解的。淮劇《赵五娘》是出传统戏，剧中蔡伯喈一角是舞台上很成熟的形象了，常规的排练也就着前辈演员的模式，流水般进行下去。我思考应该演出一个我们兴化淮剧风格的蔡伯喈，要让观众从审美欣赏中得到新的享受。我在阅读台本《赵五娘》的同时，也浏览了昆剧本、上淮本的《琵琶记》，从三本的文学原本和词韵特点中，体验其人文差异，体验其角色重点。“书房会”是全剧的高潮，好多演员在此下了大功夫，尤其那生旦的对唱已成经典。“花园会”一场，在戏的中部，表现角色“叹月思亲”的情绪。我在演这场戏时，便借鉴了昆本中词曲的意境，不仅是停留于蔡的哀叹，更隐喻出忧虑与彷徨不安，这非常符合常人的内心活动。这种对表演的理解迎合了观众的平民心理，剧情与观众的心理期待同频共振。

二、角色沉浸，剧情中设立角色位置

角色的组成，角色间的演绎冲突，是戏剧表演的重要元素。行里也有“戏包人，人包戏”一说，意思是指，好戏，可以成就一个演员。戏包人，是指在经典剧目的传承中，不少年轻演员可以在其间得到滋养、提高，借助经典的影响力提升自己；人包戏，则往往是源自一些成功艺术家的奇迹。尽管戏份欠缺，但因为角儿的参与，凭借名家自身的表演功力，既定的艺术高度，在观众间的公信力，由角儿带活戏份。

我在参考前辈艺术家经验的同时，结合自己的艺术积累、生活阅历、艺术认知，归纳出“角色沉浸”表现法。角色沉浸，是在通读剧本、熟悉唱腔的基础上，将自己的思维形式、生活习惯褪出戏外。从而以剧中角色的特定情形，设计弥化角色情绪。我在饰演“杜斯文”一角时，便沉浸其间，体会角色的喜怒哀乐，演出了角色的个性。杜斯文是《天要落雨娘要嫁》里的一个角色，最后一场“哭灵”，情绪冲突极大。杜斯文幼时怨母改嫁，而后高中羞母报复。当得知母亲为解当时之难，托人将改嫁的银子资助自己读书时，悔恨交加，痛心自责。这场戏是以一个大段唱腔来展开的，通常把这近二百句的唱段进行板式、强弱、高低带入也能博得观众的掌声。我在这场戏的角色处理中，自觉地在脑海中情景浮现，将人物命运、人物故事一一闪入表演。有了角色沉浸的表现，情绪占据其一，而唱腔完全服从于人物。我刻意弱化了唱腔的“玄技”，在角色的沉浸上下功夫，唱腔的自然展开，以情带唱，由唱联想，通过合度的肢体动作、递进的情绪变化感染观众。沉浸式的表演，唱腔还是原腔原调，人物却更鲜活了。

三、淡化自我，以角色形象为中心

许多演员演着演着像自己了，似乎达到“忘乎所以”的境地，还有人称之为“本色”演出。表演中有自己好不好？著名演员们在完全钝化剧情后，植入自己的表演风格、表演理念，这可谓艺术的再创作。表演合度是美的，不达则不生美趣，过之则失了初衷，甚至丢了角色。我理解，一戏之中，角色是一戏之魂，一切展开大抵是围绕角色活动，深入剧情而进行。演好角色，说浅了是技巧的显示，更进一层说，鲜活的角色形象是戏剧舞台呈现的根本，角色形象是舞台最活跃的成分，在舞台艺术中至关重要，在角色形象塑造与自我艺术风格的关系上，当然“自我”要服从、服务于角色。

我曾在新编现代戏《雪城烛印》里担任男主角，饰演援藏教师唐耀辉。这是部根据真实的人物事迹创作的淮剧，剧中故事的原型夫妇二人，是荣登2019“中国好人榜”的兴化籍援藏教师夫妇。我在了解剧情后，虔诚地与故事原型交流，请他们复述了剧中故事细节，观察他们的举手投足、表情动作，以达到情景式体验。我从而发现原先以表演层面理解的角色情怀过于脸谱化，作为演员的我，缺乏他们“别离故土，情系高原”的坚毅与豪迈的人物气质。他们每每与藏族学生在一起时，时常思念家乡的“留守女儿”，她也是正在读书的年纪，也需要父母的慈爱。以大爱来打通角色关系，支起角色形象。我完全丢掉了自己已有的风雅小生的戏路，与剧中人物紧密靠近、紧密融和。我与导演讨论，为唐耀辉设计出了外表儒静、内心强大的舞台形象。台步、动作弱化了小生行当的程式，念白、演唱也尽可能口语化，将腔韵与当下语言习惯悄然弥合。在台上，我的头脑里会不自觉地浮现藏区的风光、主人翁家中的女儿等。褪去自我，入情入心，使得舞台上的角色真实起来，艺术感染力随之而至。

四、艺术内涵与舞台表演的外化

戏曲是文化瑰宝，是写意的艺术，我们传统淮剧“一桌二椅”的舞台上，三五步行走天下，六七人即万马千军；唱念做打舞，手眼身法步，处处呈现出写意美学的诗性与画意。淮剧作为江苏主要剧种之一，在近200年的演绎中，由游唱到形成舞台剧种，其间积累了丰富的文学资源和民间文艺资源，形成了独具风格的表演和声腔、剧种行当。淮剧起源、流行于盐阜地区，唱当地风情，演乡土故事，奠定了淮剧平民化的艺术特质。本土化剧种是具有强烈的民间性的，它的曲调基本来自盐阜、皖浙一带民间小唱、劳动号子，经过若干艺人的研习传唱与音乐化加工，曲牌丰富，腔式优美。特别是我们淮剧的“自由调”，不拘一格，善于表达角色的多种情绪，更是全国380多个剧种中所独有。当年，淮剧善于与各兄弟剧种交流，曾与京剧、徽剧、沪剧等同台演出，丰富和提升了自身的艺术内涵。淮剧多彩多姿的艺术内涵，为舞台表演拓展出无尽的空间，也为我塑造角色提供更多参考。我在《孔雀东南飞》剧中扮演焦仲卿一角，在唱腔的表现上，便汲取了我们里下河民歌轻柔的演唱特点，在行腔的起落过渡中，尽可能体现焦仲卿文雅、懦弱的性格特征。如“兰芝啊你慢行”一段，努力把对艺术的理解由心中的思考、领悟外化在舞台上。在凄婉的大情绪下，以更多的小腔来细腻角色、丰富人物表达。小腔带着演员的即兴发挥，这也考量着演唱者的功力和表演智慧，在演唱中常常会带来奇趣的剧场效果。

五、做足戏份，实现戏情的延伸效应

台上三分钟，台下十年功。旧时还有一种说法：十年出个状元，十年出不了一个名伶。表演艺术是一辈子人品、艺品的修为，演好戏，让观众认可，需得付出自己毕生的努力。我在自己长期的艺术实践中，十分注意自己的学习，注重修养的不断提升。在演出之余，反复研唱前辈艺术家的经典唱腔，反复琢磨他们的唱腔特色、韵字行腔、气息变化，结合自己的演唱习惯，并轨比较。对于前辈流派，经常尝试着运用到自己的演唱中，也常提醒自己，学习借鉴前人的艺术成就，但不要迷失自我的艺术表达、艺术理念。

《珍珠塔》是部传统戏，戏中方卿是个生角行。这个戏很有观众缘，哪个剧种都有演出，在江苏主要剧种淮、扬、锡里都是常年上演的看家戏。方卿，好演，剧情观众熟，顺着台词唱段，完成了也就罢了；方卿，不好演，角色早已家喻户晓，流派名段深入人心，有的人家几代戏迷都会唱，思维定式难以改变。我在继承淮剧前辈李少林、高春林先生“方卿唱腔”的同时，结合自己的嗓音条件，适度糅入小嗓后发音的方法，又借鉴锡剧“彬彬腔”线式行腔，将角色情绪段式递进，唱出了新意。如“恨只恨姑母娘把良心改变”一段，仅在导板中我就做了三阶段处理，以体现方卿被姑母讥讽后，低落、激愤、无奈的心情。我这刻意的变化，果然引起老观众的留意，他们也觉得与传统唱得不一样了。

戏曲，不是戏演完了，戏情、角色也就随着灯亮散场，褪出记忆了，而是要尽最大努力，在短短的演出期间，让故事随着角色的呈现、角色的嬉笑怒骂、悲欢离合，带入观众心灵。戏，要让人们记住角色的故事和故事里的角色。演员的舞台形象需要坚持不懈地创作，不厌其烦地精心打磨，找准角色呈现和表现塑造的共振点，戏才出彩，人物才丰满。