退潮之后
2024-03-26张顺钰刘华Seesea金金、Lucas万若妍
张顺钰 刘华 Seesea 金金、Lucas 万若妍
关于葡萄酒的8个新问题
从古罗马到现在，葡萄酒的历史变迁也记录着人类历史的曲折蜿蜒——有记载的历史变革自有其趋势所在，那么葡萄酒是否有同样的变化？这个问题大概很难回答，但大部分人心里一定有着一个近乎统一的答案。
从种植酿造到消费者喜好，从餐厅酒馆到街肆小店，有人一马当先，有人坚守传统，亦有人随波逐流。
葡萄酒从酿造源头到最终走上餐桌，它到底经历了哪些变化？作为消费者的你，是否又曾经关注过它的趋势与改变？
趁着新年刚过，我们不如一起来聊一聊。
问Domaine Leflaive里费维酒庄现任庄主、家族第四代传承人Brice de La Morandière
问Domaine Leflaive里费维酒庄现任庄主、家族第四代传承人Brice de La Morandière
用脚踩碎葡萄，借助其自身携带的酵母进行发酵，最初的葡萄酒比起在现代酿造技术加持下酿出来的酒款，无论是颜色或者风味上都可能存在欠缺，更不用说当时的葡萄酒饮用方法——喝的时候往装着酒的杯子里兑水——放在如今，这样的操作可着实有点儿让人觉得“看不懂”，但这就是彼时的潮流风向，也是现代葡萄酒的基础。
大酒庄旗下的特级园和一级园固然品质卓越，让人念念不忘，但动辄六位数的价格也着实劝退了不少人，纵然有人一掷千金只为尝试一下这些金字塔顶端的天赋佳酿，但往往也并不能每次都得偿所愿——这或许与酒款本身是否已经达到了最佳饮用阶段有关，当然，也与个人喜好的口味有关，甚至有时候还关乎喝酒的人是否真正理解了这支酒所想要表达的内容。
1趋势之外，什么才是永存的？
Brice：酿酒很多时候跟艺术非常相似，“如果你想要创造些不一样的东西，那就必须了解之前已经存在的东西，再进行学习总结。换句话说，这些让人“看不懂”的葡萄酒酿造与饮用习惯，在某种程度上构建了当下环境里消费者与葡萄酒的关系。
現代酿酒有非常多的方法，它决定了葡萄酒本身的多样性。有些人喜欢在技术层面上下功夫，有些人走自然路线，有些人则会做一些看起来就非常疯狂的事情。这些不同的试验让现代葡萄酒有着很强的可能性。比之过往，更强的科技发展和理念带来了更多的可行性，如果你问这是不是一种趋势，那答案当然是肯定的，但我想并不需要一味地去追赶趋势，因为趋势有起有落，来了又走，酒庄的价值观和对于酿造精神的坚持却是永远不会改变的。
如果我的面前有许多款酒，又或者有一张酒单的时候，那么我肯定会选择那些来自大酒庄旗下的非知名葡萄酒，尤其是对于勃艮第葡萄酒来说，这招更加有用。
价格当然是非常重要的一个因素，对于勃艮第的酒庄来说，大酒庄里的亲民款葡萄酒同样品质卓越，因为它们是基于同样的精神、同样的价值观和同样的方法酿造出来的。
2在选酒上，喜好与潮流该如何取舍？
Brice：比如法国人会更喜欢陈年的葡萄酒，但在亚洲或者美国市场，人们对于那些能够即时饮用的酒款会有更多的青睐，两者当然都是合理的，如果你能从时间流逝的角度去看待一支葡萄酒的话，或许会收获一些其他的东西，毕竟有一些葡萄酒的香气只能来自陈年，而无法人为创造。很多人会问，如今的葡萄酒市场还面临着年轻人的挑战，他们到底还热爱葡萄酒吗？又或者说，葡萄酒会被年轻人抛弃吗？ 我认为，很多年轻人想要更现代的东西，但选择东西时并不一定要问它是老的还是新的，而是应该更关注自己的真实需求，比如我真的喜欢它吗？它能在我的心中产生火花吗？跟着潮流追新求变只能带来一时之乐，因为无论如何它都会过时，但那些真正高质量、有深度，还能和消费者产生类似情感纽带的东西，却具有比我们想象得更长久的生命力。 这其实是一种基本价值的体现，在我看来，无论是年轻人还是更成熟的人，都应该试着去理解这一点。
这种对于基本价值的认可一直以来都贯穿在勃艮第酒农的DNA之中。勃艮第这个产区已经存在了相当长的时间，从最初的一块砖到现在的一堵墙，酒庄依托于地块而存在，在一代又一代的传承中，深深扎根于本地文化，并围绕着本地文化与传统而发展壮大，最终让勃艮第成为了勃艮第。
3勃艮第面临的最大的挑战和变化是什么？
Brice：气候。从2015年开始，勃艮第的气候变化就非常明显，不仅日照增多，还出现了干旱、春季霜冻等问题，虽然之前也有类似的问题，但现在的挑战明显变得更大了。我的祖父在上世纪八九十年代管理着酒庄，当时他要面对的问题是“葡萄园里的葡萄够熟吗？”“糖分积累够吗？”，但到了我这一代，问题就变成了“葡萄熟过头了吗？”“酸度是否足够？”。虽然酒庄的基本价值和酿造精神从来未曾改变，但我们面临的问题变了，为了达到这一目的的手段和方式也会随之发生变化，过去的经验只能停留在过去，我们要做的就是去直面问题，并且适应这种改变。
人们不会对乏味的东西产生兴趣，这就是多样性在葡萄酒行业如此重要的原因。葡萄酒行业注定是一个会有很多潮流和趋势涌现的行业，但轮番出现的“新”并不是人们选择它的理由，只有做好一个酒庄应该做的最基本的事情，才会获得人们的选择，并最终获得在飞速变化的市场里长久坚持下去的可能。
问香港专业侍酒师协会大中华区总监苏若豪
在上海、北京、成都等葡萄酒氛围更浓郁的城市，“小酒馆”（Bistro）是去年的一个热门词汇。
正如茶馆之于传统中国城市的价值，在欧洲，尤其是法国，能被称为“小酒馆”（Bistro）的地方，常常会因为其轻松舒适的氛围而吸引到非常多住在周边的客人，是他们的休闲中心之一。
与此同时，几乎每一家小酒馆都有属于自己的招牌菜，并且会为客人提供价格亲民的美味葡萄酒。在欧洲以亲民见长的小酒馆被移植到北上蓉之后，其原先天然具有的性价比特征还存在吗？
有数据显示，2023年，中国人均葡萄酒消耗量约为1.14升，而大部分欧洲国家的人均葡萄酒消耗量则达到30 ～ 35升，这种巨大的落差决定了中国的小酒馆在短时间内很难出现与欧洲小酒馆相似的商业模式，更有曾在欧洲工作过的小酒馆经营者无奈地表示，“酒水销售的比例在整体营收中所占份额仅有40%不到，其他份额都是菜品贡献的”“大家似乎把一个喝酒的地方当成餐厅在用了”……
以上海为例，想要在这里的小酒馆吃上几个小菜，再点上一瓶酒，不花上个四五百元，可真不一定出得了小酒馆的门，这还是点餐酒的价钱，若是你心血来潮想要尝试知名产区里品质还不错的酒庄的作品，那很可能光点酒就得花上五六百元了，更别说那些动辄售价接近100元、但分量小到袖珍的菜品了。至于店家能不能根据客人的喜好来有针对性地进行酒款推荐、员工对于酒窖里的每一款酒是否都熟稔于心、小酒馆的酒单能否真正体现经营者对于葡萄酒的态度和见解而不是盲目跟风等，这些都不怎么可控。实际上，在最初一批有过海外留学、工作经验的侍酒师下海经营小酒馆并掀起风潮之后，这块看上去很好吃的蛋糕就注定会被更多的人惦记上。
4去小酒馆还能找到性价比吗？
苏若豪：当然可以，在市场上依然存有一些充满热情，好好经营的小酒馆。主理人的酒类知识丰富，选品也相当精彩有趣，对于这些店，我们实在难以光以价钱来判断这一家店是否符合性价比。
在这个资讯爆炸的市场，大家都各出奇招博眼球，或者在菜式上加上根本不合适的所谓名贵食材，以提高菜式价格，加上一些网上评分平台的影响力，餐厅的经营模式似乎变得越来越单一。对于小酒馆来说，更加是难上加难，由于酒馆的经营时间短，租金压力本来就大，所以近年兴起所谓的早咖晚酒的概念；加上葡萄酒进口税、客人对葡萄酒认知的不成熟，更使情况雪上加霜，迫使一些经营者退出市场，或者向市场妥协。
当然也有一些是挂着小酒馆的招牌的餐馆，在内鲜少看见有喝酒的客人，选品和器具都不在线，店员对于酒类饮品并没有充分的知识，也缺少专业的侍酒培训，虽然这个不影响他是一间好的餐厅，但是可能有一点命名不当就是了。
至于如何能在众多“小酒馆”当中找到真正具备性价比的小酒馆呢？一般好的小酒馆不会在城市最旺的区域，或者租金最贵的地段。
另外就是，通常你都可以看见主理人在驻店，因为一个好的侍酒师，都会非常在意他的选品，也会很乐意和客人聊天，分享葡萄酒的故事。食品可能比较简单，都是一些优质的伊比利亚火腿或者芝士、冷切为主，而杯具的种类通常比较丰富，以配合不同风格的葡萄酒。
如果大家遇到这种小酒馆，请好好珍惜，不要过于在意他们的加价率是多少，相信我，他们赚到的往往比你们想到的更少！因为优质的杯具和葡萄酒储存环境本来就成本高昂，而且一些在网上查到的价格，很可能是税前，甚至是在产区当地的价格。
我曾经见过有一些所谓行家，带着他们饭局剩下的瓶底酒到这些小酒馆蹭座，主理人笑面相迎，我彷彿看见他身后那交叉的手指。米其林、黑珍珠、金梧桐……各种针对精致餐饮的颁奖在几年内迅速提升了整个中国餐饮行业的阈值，从菜系风格、餐厅设计，到器皿采办、服务细节等，能够位列榜单的餐厅几乎成为了六边形战士，在每一个细微之处都让人眼前一亮。但有意思的是，即便每一家餐厅都有着属于自己的风格，可在葡萄酒单制作方面却呈现出了另一种样貌——只要稍微留心，便会发现那些酒单往往出自同一位侍酒师，或者侍酒集团之手。
需要注意的是，由于涉及到管理和质量监控的问题，集团化很容易会出现风格单一化的问题，这对于市场的多元发展并不一定是件好事，尤其是对于那些有了不少葡萄酒品饮经验、并想要探索更多不同酒款风格的客人而言，这样的情况或许也并不是他们所乐见的。
比如在高端中餐市场，勃艮第成为了当之无愧的香饽饽，来自该产区的名庄酒多少都会在酒单上亮相，更有餐厅甚至整张酒单都以勃艮第为主打，从大区级到特级园无一不包，从某种角度来说，这的确是一张切口极小而深入的酒单，也有助于餐厅对酒窖进行管理，但从另一个方面来看，它也局限了客人的选择，剥夺了其在专业人员指引下去体验更多风味的可能。
5侍酒師集团会带来更好的餐酒体验吗？
苏若豪：侍酒师集团化，对于当前处于侍酒师人才短缺情况的中国大陆餐饮市场来说，无疑是在短时间内满足客户需求的良好解决方案。将不同风格的侍酒师联结在一起，进行综合性风格调整及集中培训，能够在短时间内高效提升侍酒师的个人素养。
但这个解决方案也不是没有短板。知名侍酒师难求，以至于分身不暇，量身打造每一间餐厅就成了最大的难题，除此之外，客人对于知名酒庄和产区的追捧，也在无形中左右了侍酒师设计酒单的思路。
然而如今的消费者比过去任何时候都更容易接触到世界各地的酒庄及酒款讯息。这意味着他们对于自己的喜好开始有了更强的把握力。在这样的条件下，要如何带来更好的餐酒体验呢？除了在选品方面，其实侍酒师在餐厅中对每一瓶葡萄酒的处理、上酒的时机、菜式的搭配，以及和客人的交流讲解 ，也都非常关键。
如果把餐饮体验比喻成为戏剧舞台，那么前厅的服务人员就是演员，客人就是观众，而侍酒师就是其中一个主角，他穿针引线，带领着客人去寻找到自己最喜欢的风味，并完成一整个体验过程。
餐饮服务本身具备极强的即时反应性，几乎不会给参与服务的人员以慢慢思考的时间，在短时间内判断客人需求，引导其找到合适的饮品，并和餐厅其他的部门合作，为客人打造满意的用餐体验，这个本来就是需要长时间的培训和团队磨合才能达成，单纯做酒单设计，实在难以在这一方面更进一步。
对于想要寻找到自己真正热爱的葡萄酒风格的消费者而言，我建议其放下对不同产区的既有印象，也不要被他人的评论蒙住了眼。先认识不同葡萄酒的风格和优质葡萄酒的平衡感，培养自己对于葡萄酒的品鉴能力，去找到真正能让自己感到愉悦的风味特征，并将其作为选购葡萄酒的标准，就会更容易找到自己的心头好。
如果时光倒退30年，葡萄酒的消费人群可能和现在大不一样，他们或许会更年长一些，对于酒的理解也更加简单，会把所有的葡萄酒统一称之为“红酒”——当然，这种情况现在也时有发生。至于市场所能提供的酒款，也远不如现在那么多。然而，在21世纪20年代，越来越多的年轻人开始把自己和葡萄酒扯上关系，即使欧洲的许多葡萄酒从业人员都在焦虑年轻人是否会抛弃这一古老的酒款，但在这里，它还是有着一定的红利，尤其是在那些设计自有风格的小酒馆里，清一色看到的，几乎都是年轻的面庞，而他们或许就是撑起小酒馆生意的顶梁柱。
小酒馆的变化在这四五年里可谓翻天覆地，从一开始的欧洲风格，到现在的本地化明显，越来越多的人开始在启动小酒馆项目的同时将自己的理想融入了其中。
问小酒馆运营者
6 99元畅饮的小酒馆会成为人们的快乐老家吗？
北京Sip Siip小酒馆主理人：作为一个有着十年葡萄酒龄的葡萄酒爱好者，我最羡慕的就是欧洲的葡萄酒环境。从五欧十欧的普通酒款，到几十欧的品质之选，真的属于价廉物美又品种繁多，每次见到这种场景的时候，我就会想如果中国也有这么多平价酒款就好了。
在偶然环境下接触到葡萄酒分杯机之后，我感觉到自己的梦想或许可以成为现实，就出现了Sip Siip。只要支付99元或169元，消费者就可以畅饮对应级别的酒款。固定预算能够帮助年轻消费者更好地平衡自己的社交需求，同时还可以让他们一次性喝到更多不同品类的葡萄酒，对于葡萄酒的推广来说也有助力。
以白葡萄酒为例，我们提供霞多丽、长相思、雷司令、白诗南、维欧尼、灰皮诺以及其他小众混酿品种在内的酒款，覆盖了干型、甜型及气泡酒等类型， 在产区的选择上也尽可能地多样化。
我们想成为一个能为消费者提供情绪价值的场所，而不是贩卖廉价酒水的地方。换句话讲，Sip Siip的目标就是要成为年轻人的“快乐老家”。
上海so good蛮好小酒馆主理人：
我们也是贩售葡萄酒畅饮，选择了“小周末畅饮企划”，在每周三为消费者提供199元葡萄酒畅饮（早鸟价179元）的活动。
一方面是因为我们认为一次性喝到多种酒款有助于让消费者在短时间内实现酒款对比的需求，感受品种、风土、工艺等多个方面的魅力；另一方面就是从2023年下半年开始，我们感受到了明显的消费降级，199元畅饮的活动可以吸引到更多的消费者，让店家和消费者得到双赢。
这张酒单也覆盖了不同产区、葡萄品种和葡萄酒类型，酒款在店内的单瓶售价大约为250 ～ 450元，如果客人喝到喜欢的酒款，也可以在之后选择单独开瓶，我们另外还有一个步入式酒窖，里面有超过100种酒款，价位的选择也比较丰富。
7怎么保持人们对小酒馆的热情呢？
储存、耗损、店租、人力等等成本制约着许多想要试图以有竞争力的价格来赢得市场的店家，而如何在成本和品质之间取得平衡实在是个难题。资深葡萄酒从业者小皮就曾经做过99元葡萄酒畅饮小酒馆的测评，在花了钱之后，他并没有获得理想的葡萄酒体验。
上海so good蛮好小酒馆主理人：
保持酒款质量、持续进行更新是非常重要的，因为只有这样才能让我们既抓住老客人，又有机会吸引到新客人。一般来说我们每周会更新5 ～ 10款葡萄酒，每1 ～ 2个月会根据主题进行酒单的整体更新，比如春天就会上一些更多花香感的酒，而夏天的话则倾向于提供更多口感清爽的白葡萄酒。
北京Sip Siip小酒馆主理人：
上新非常重要，尤其是对于年轻消费者来说，满足他们在不同场景下的探索需求十分关键。
8是谁撑起了小酒馆的生意？
直白地说，并不是所有的产品都有“认知红利”，但葡萄酒一定是其中之一。很多时候，我们还是可以看到许多年轻人通过拍摄葡萄酒或者相关的场景来显示自己对于生活品质的追求。
上海so good蛮好小酒馆主理人：
虽然小酒馆也有相当一部分前来打卡的消费者，但更多时候，小酒馆做的是邻里生意，或者说，是具有邻里属性的生意，很多老客人就住在附近，下班了过来喝一杯，相处久了，这里就像是他们的另一个客厅。还有一些是想要在这里找到小众酒款的资深葡萄酒消费者。由于蛮好也开工作午餐，那些中午在这里吃过饭的白领们也会在某种程度上转化为晚市的消费者。年轻人居多，而且女性消费者多于男性。
北京Sip Siip小酒馆主理人：
我们的酒水和餐食销售对半开。有谁能拒绝性价比高、东西又不错的地方呢？抓住年轻人就是抓住市场这句话，在葡萄酒世界里也同样有效。
退潮年代
王嘉成《 鲲琼·苍穹》59Χ41Χ42 cm琉璃、水晶2021借由对《庄子·逍遥游》中水的边界和水中巨物的浪漫主义想象，青年艺术家王嘉成捕獲了鲲翱翔九天的离水之姿。喧嚣色彩已不再是当下艺术家唯一的选择，属于琉璃与水晶的透明纯粹美学正在回归。透明即无色，无色则无穷。琉璃雕塑以永恒的纯粹视角呈现了流水飞溅的短暂瞬间，光影变迁之中让观者如临幻梦，感受鲲之外我们自身作为生命体的呼吸律动。
或许你不再在乎“潮流”或“趋势”的概念。在谨慎的年代，我们开始重新追求更多经得起时间考验的经典作品。追求它们的舒适、追求它们具有辨识度但又不过于夸张的几何形状。如果你觉得它们看起来有点时髦，只是碰巧。
Rémy Martin人头马大香槟区干邑庆典三百年纪念版￥18，888三百年前，在夏朗德河畔，葡萄的经典刚刚开始萌芽。三百年后，人头马历任首席酿酒大师之间代代相传的“永续窖藏”流传至今。与艺术家谭志鹏合作的艺术装置“生生之势”交融迸撞，在旧日荣光岁月之上，创造未来，这也是回溯经典的意义所在。当然，它也将以永续窖藏的形式被继续传承，用于创造下一款纪念珍酿。
腕表：变革的季节
有时候，要欣赏腕表界最新最棒的作品，似乎需要一把放大镜、一本厚厚的历史书，还有一颗塞满了行话的头脑。但爱表的人会告诉你：你不需要理解鹅颈微调也能欣赏现在的表。如果你有留意从去年冬天到今年春天各大小制造商的新作，你一定会赞同：带有Emoji的Rolex劳力士，与Swatch斯沃琪联名的Blancpain宝珀，蜘蛛侠版本的Audemars Piguet爱彼皇家橡树，以及太阳花——村上隆和宇舶刚刚推出的第三款联名作品，有个陀飞轮，透明的太阳花和菓子果冻般吹弹可破。当然，这些新作的诞生并非无迹可寻。乐观来说，这是腕表行业在过去几年里大幅增长的自然结果。
80年代的回归
10年前，Menta Watches的创始人亚当·戈登（Adam Golden）初进入这个行业时，他以类似19世纪淘金者的方式评估某些历史悠久但不受欢迎的腕表：仅基于金值定价。当时，70年代的大块头钢质运动腕表，譬如，我们耳熟能详的Audemars Piguet爱彼的皇家橡树、Patek Philippe百达翡丽的鹦鹉螺、Vacheron Constantin江诗丹顿的222。然而，最近戈登注意到，市场对这些运动腕表的态度不太一样了——哪怕是其中那些最经典的。他告诉我：“它们的价格已经趋于稳定。”
如今，许多收藏家更感兴趣的是装饰有钻石、蓝宝石、贵金属和缀满宝石的“珠宝腕表”。黄金不再带有俗气的味道了，而是一种时尚的表达。一度主要对这类腕表感兴趣的是女性，但现在，戈登说，“几乎每个人都有兴趣”。
在这个风格指南不断演变的时代，没有任何一个时期像80年代那样可以满足这些演变的口味。70年代，石英腕表冲击了整个瑞士腕表行业。80年代的奢侈腕表行业，便推出了几款将腕表视为奢华版时尚配饰的作品。比如伯爵的Polo系列，它巧妙地将金表打造成手镯。1980年，百达翡丽推出了Ref. 3770，在藏家间俗称“Nautellipse”，因为它的外形兼有Nautilus枕形的运动感，又有着Ellipse系列优雅的椭圆。彼时新兴的品牌Hublot宇舶表也采用了类似的设计：它的首款产品Classic Original，将橡胶表带与贵金属表壳相结合——在当时看，这种组合相当激进。对于这段时期非常了解的收藏家菲利普·托雷达诺（Phillip Toledano）的评价是：“80年代的腕表对未来充满乐观。在80年代，我觉得没有人对过去感兴趣。”
这种无拘无束的思维在一些以大胆著称的款式中得到体现。Seiko精工与汽车设计师乔治亚多·乔治亚罗（Giorgetto Giugiaro）合作，为《异形》创造了不对称的腕表，而Omega欧米茄则推出了太空时代的海马系列。Louis Vuitton 路易威登也推出了它的Monterey II ：这款1988年的腕表采用陶瓷表壳，壳形有点像轮胎的内胎，12点钟的位置有个突出的螺钉。这块表在几十年间鲜为人知，突然成为了当下的热点话题。戈登在过去的几个月里从未卖出过一只，现在却一口气卖出了6只。
“现在每个人都非常注重设计”，戈登总结道。
的确，收藏家们再次奏响了80年代瑞士奢华制表的诱人旋律。1986年，IWC万国表推出了第一款陶瓷制成的腕表，这种材料吸引了追求独特价值感的藏家。劳力士全黄金的16758型，有着金刻度和“乳头”表盘，成为了劳力士在80年代的代表产品之一。随着那个奢侈的十年回声愈发明晰，劳力士宣布全金GMT-Master II作为其重要发布之一，而万国表和爱彼继续将陶瓷应用于其最大胆、最受追捧的产品。一度陈腐的藏家才追捧这类设计，如今，戈登发现年轻一代也在争相购买。Bad Bunny那以80年代作品为主旋律的腕表收藏，让他有了世界上最时髦的手腕（之一）。而品牌们也重新开始从这个行业重新定义自己的伟大十年中汲取灵感，那些蛰伏于80年代的伟大作品，再一次率領了品位的变革。
微品牌的清风吹拂
通常来说，那些小型独立制表公司（所谓的“微品牌”）能为表迷们提供一些最令人兴奋的、收藏价值极高的腕表。此刻，相对较小的体量往往成为这些制表商们的一种优势，相比于“尾大不掉”的大集团，它们可以精灵一般灵活、敏捷地回应粉丝们的愿望。这些品牌可以节缩所有不直接导向销售的成本，将注意力集中在直接对话粉丝们的身上，从而进一步控制自己产品的价格。
“我们负担不起生产成千上万只腕表，但我们试图将我们的限制变为一种优势。”这正是意大利品牌UNIMATIC的联合创始人所说的。
为了执行这一策略，他转向了街头服饰，利用特别款、限量款和联名款的力量，和Bait、Nigel Cabourn以及Hodinkee等平台合作，小批量生产作品，让每只表都像那些被炒起来的球鞋一样特别。
MASSENA LAB是这些微品牌中的另一个佼佼者。WilliamMassena在创立Massena Lab之前，有着长达30多年的狂热收藏经验。他也是位德高望重的腕表论坛版主。如今，风水轮流转，到了其他表迷们对他的作品投入热情的时候了。Massena以平易近人的价格，生产着那些寻常人无法触及的昂贵且稀有腕表的复制品，精准贴合着广大收藏家们的需求。他的一个招牌作品，是对一款古董百达翡丽的诠释：Magraph腕表。它搭载了品牌首款自产机芯，这枚灵感来自于一款1952年的百达翡丽，表盘则致敬了1935年百达翡丽为柏林珠宝商Margraf制作的另一枚作品。“有一天早上起来，我就想，‘我想要这个东西，我要把它做出来。”这枚作品售价8675美元。
当然，当我们讨论值得讨论的“微品牌”，就不得不提起CHRISTOPHERWARD。17年前，这个品牌以首个直接面向消费者在线銷售的高端腕表的身份面世，此后也一直通过削减零售价差价来保持实惠的价格。Bel Canto是个招牌作：它重新设计了小时报时功能，售价3000多美元，价格只是市面上大制造商报时表的零头。品牌的首席执行官兼联合创始人发起过一个挑战：“要是能找到一块与我们同价位或更低价位，但质量相当的表，我就免费送你一块我们的表。”到目前为止，这个挑战还没人接受呢。
不是所有品牌都有报时表，但基本每个品牌都有自己的潜水表。这其中，很少有品牌像BALTIC一样，将潜水表带入21世纪。在它之前，潜水表爱好者们被困在两极之间：时尚笨重的现代款，或是精致小巧的复古款。2016年，品牌以Aquascaphe作为解决方案，这是一款具有“复古潜水表魅力，又适合日常使用”的产品，实现了现代可用性和古典圣杯级设计的完美平衡。而它的售价，只要570美元。
奢侈品，艺术品，以及二者的多面性对谈村上隆
村上隆曾在东京一家很小的独立画廊遇到一位年仅23岁的年轻艺术家，他很欣赏她的作品，问她想不想一起在画廊展出。对方回答，没必要，她可以在网上赚钱。
这大概就是当今大众艺术家的生存之道：在Instagram或YouTube上发帖，遇到客户，卖出作品，拿到酬劳，赚个几百、几千元不等。
村上隆对此总结：“现在是成为艺术家的最佳时机，因为现在艺术家能够赚钱，你要知道，200年前并非如此。”
日本的艺术刚刚迎来了一次爆发，构成爆发的主要内容，正是艺术家和品牌方的合作，在日本，人们对艺术的认知到了村上隆所说的“文化奢侈品”的时期。而村上隆本人可以说参与了这种认知构建的全程。
你打心底里满意合作的作品吗？除了收入，商业合作还能给艺术家带来什么快乐？但当所有奢侈品都在说自己堪称“艺术品”时，它们能算艺术品吗？——面对这样一位将商业美学推向世界的艺术家，问题总是层出不穷。
就着他刚与宇舶表合作的MP-15腕表，我们与他聊了聊。你会发现，他的多面性远不止于此，当你知道他是个物理迷的时候，作品上的那枚陀飞轮的存在就很好理解了。
《智族GQ》：第一眼看到成品，是什么感觉？
村上隆：看到成品前，我有很多想说的话。但看到它后，只剩惊叹。这是一种只有在面对如此美妙且如此令人惊艳的东西时，才会产生的感觉。腕表有种零重力的感觉，就像魔法一样。创意变成了现实，梦想成真，也许死而无憾了（笑）！
《智族GQ》：这次标志性的太阳花也出现在了腕表设计上，这个意象背后有什么故事？
村上隆：我有日本传统绘画专业的博士学位，这种绘画风格的主题经常出现雪、月、花或花、鸟、月等自然元素，不涉及任何人物。这也是为什么我想要探索这一主题，如果我想要使其受西方喜爱，我需要让一个人物成为艺术品的主角。因此，我给太阳花增添了一个面孔。这就是太阳花，一朵花，但带有人类元素。
《智族GQ》：您也有很多优秀的黑暗面的作品，有没有考虑过把这一面带入合作作品呢？就像Billie Elish的MV那样。
村上隆：说实话，不会。世界正在经历很多糟糕的事情，我不认为在这个时刻会有这样作品的要求。Billie Elish那次合作保留了阴暗面，是因为她的歌曲整体风格是阴暗的，我不想打破歌曲本身的节奏和风格。
当我遇到她时，她只是一个十六岁的孩子，我还是能感受到那种纯真和孩子气，我也想保持歌曲中的这个部分。所以尽管在我的艺术作品中有追逐黑暗的感觉，但我仍希望它是充满希望的、是结局美满的。
《智族GQ》：合作的作用力都是相互的。对于品牌，这是一个您用艺术创作为品牌注入故事和能量的过程；但反过来，这种合作对您的艺术创作有什么影响？
村上隆：我在20年前就有了和LV合作的经历，当时我对LV一无所知，是助手一直告诉我“一定要做”，于是就合作了。我去了时装秀，穿着很便宜的裤子，甚至有点脏。有人过来和我说，村上隆先生，您穿的是自然简约风，非常好，这就是这次的主题。我当时觉得特别尴尬。
这是另一种工作经验。初了解奢侈品商业后，我很快发现，LV的工作人员有巨大的能量，我过去从未见过这么大的热忱，真不知道他们是怎么保持这么好的状态的。他们拥有一种信念力，他们相信着一种概念，相信着品牌本身，这种信仰在推动着他们，这个过程中，他们很像僧侣。法国人（常被说）很懒，但这些人（相反），他们好像从不睡觉，从晚宴到派对，一直持续到凌晨5点，第二天早上7点直接飞去上海或者澳洲。宇舶和我对接的Miwa也一样，睡很少的觉，喝很多的酒。但这种工作真的很困難，要保持热情，保持微笑，和不同的客户、媒体沟通。因为人们期待着能看到一些本身就有着有趣故事的产品。
另一件我从品牌方学习到的事情是，我是个艺术家，我脑子里的东西都是疯狂的、没有逻辑的。但当我们做展览时，我们需要以非常简单的方式去呈现、去解释那些东西。
《智族GQ》：的确，商业合作和自由创作是两种不同的工作模式。在不同的工作模式中，您遵循着同样的规则吗？
村上隆：有三个因素会影响我绘画或雕塑的成果。第一种情况是为策展人工作，第二种是接受客户的委托，他们告诉我应该做什么，最后一种是我个人的自由项目。关键在于，我的个人项目与我为前两种情况所做的工作是相互关联的。在接受外部委托时，我必须去适应这些要求。因此，始终是这三个因素间的互动。
《智族GQ》：独属于商业合作工作的特定工作体验中，您比较喜欢的工作内容是什么呢？
村上隆：参观工厂！那是一个令人难以忘怀的环境，我喜欢那里的气味、员工和制度。这也许与我的成长背景有关，在我小时候，我父亲是位出租车司机，有时我会跟他一起去出租车维修车间，它们都有着相似的气味，空气中弥漫着油的味道，我喜欢这种工厂环境和在那里工作的人们。
《智族GQ》：鉴于您之前与奢侈品品牌合作所取得的成功，我想宇舶表并非第一家向您表达合作意向的奢华制表品牌。那么，为什么和宇舶表合作？
村上隆：主要是因为Miwa（宇舶表亚太区总裁）的缘故，她向我提出了好几次合作邀请，我最终就答应了！（笑）其实第一次我拒绝了，因为设计“包装”一类的事情，对我而言太无聊了。但后来 Miwa又找到我，并向我保证我可以随心所欲发挥，我就答应了。
《智族GQ》：您收藏腕表吗？
村上隆：老实说，我不是腕表收藏家。但我能理解腕表收藏家的心态，因为我是个超级狂热的陶瓷收藏者。每当我为我的收藏、艺术品和陶瓷添置新品时，其实我并不需要一股脑地买下所有东西，但就像上瘾一样，总想多添置点什么。在艺术品收藏中，如何在上瘾和预算之间保持平衡是非常关键的。客户有自己的预算，但同时也怀揣着拥有一件收藏品的梦想。对我来说，我完全能理解腕表收藏者的心态，尤其是时间连接着你的过去和未来。
此外，自从与奢侈品牌合作以来，我受邀参加了许多活动，尤其是在瑞士的一次表展，我参加了所有由展会举办的派对、晚宴和活动，就此才进入奢华腕表的世界。在跟日本独立制表大师浅岡肇（HajimeAsaoka）合作的过程中，我意识到了制表的复杂性与艺术是非常相似的，这让我对这个领域产生了浓厚的兴趣。
《智族GQ》：制表与艺术创作的相似性，除了其复杂性，还有什么呢？
村上隆：一枚腕表和一件艺术品都可以流传百年，任何能在百年后被人们想到的东西都是强大的，而且它还能保留原有的品质和故事背景。在这一点上，我认为两者是极其相似的。
《智族GQ》：腕表是计算时间的工具。除了对器物的体会，对“时间”概念的本身，您有什么特别的体会？
村上隆：基本上，你可以认为我是一个物理学迷，对我来说，这个世界不是四维的，它更像是一个多元宇宙；时间不是线性的，而是多面的。我喜欢去Youtube上看物理学课程，听科学家或者伪科学家解释黑洞、超空间的知识。这些关于宇宙的多维理论，让我思考自己如何才能超越所有可能性，这个过程总能对我的艺术产生影响。
《智族GQ》：除了物理学，近期有一些艺术、音乐或者电影等娱乐是您日常关注，并对您的艺术创作产生影响的吗？
村上隆：其实我比较关注流行性的东西，例如时下比较流行的电影、歌手和时尚。我并不会搜索一些小众的音乐或者是趋势。比如说近段时间我很喜欢New Jeans，一个Kpop团体；还有南美的BadBunny，他们的新专辑很黑暗神秘，但不知为何特别受欢迎。我想弄清他们受欢迎、能和当代人产生共鸣的理由。
我还是风水的忠实拥护者。如果我希望哪天是晴天，我就会去拜访在天气方面的风水专家，让他帮助实现。不过现在由于我拜访他太多次，我相信我自己也成了个风水专家，自己也能做到了。我有时候会觉得，我有超能力吗？我很享受思考这些。
《智族GQ》：我想我们都知道你最近的商业合作项目是什么了，最近的个人项目是什么呢？
村上隆：我父亲三年前去世了，母亲让我给他做一个坟墓。父亲在世时会做些木头的小玩意儿，母亲并不喜欢，但在父亲去世之后，母亲希望我用那些东西为他建一座坟墓。这个设计需求太奇特了，我问过许多坟墓设计师，他们都拒绝了。做这个的要点是不断沟通，一步步根据描述制作。这是个有趣的项目，当我把它交给妈妈，说着“这就是你要求的作品”时，她或许会难过、会落泪？我不知道。
请在京都欣赏我父亲的坟墓吧，会很奇异的。
Omega 欧米茄超霸系列“月之暗面”腕表墨黑款￥103，500“阿波罗8号”宇航员的探险历程以及所取得的辉煌成就启发了纯黑陶瓷超霸系列“月之暗面”腕表的创意灵感，而千变万化、周而复始的神秘地球夜景则激发了超霸“月之暗面”腕表系列“墨黑”表款的诞生。磨砂月球表经典风格指针和刻度均经黑化处理并覆以黑色Super-LumiNova夜光涂层，这正是“墨黑”这一名称的来源。
Rolex 勞力士蚝式恒动型41￥53，300蚝式系列的许多表盘款式均采用太阳光线效果，仅仅是制造这种从表盘中央往外扩展的刻纹，就需要超卓的刷光技术，如此，沿刻纹分散的光线才能营造出隐约而独特的效果，并且随着手腕摆动展现不同光泽。接在这道工序后面的，是物理气相沉积法或电镀技术，以及修饰的油光漆，它们会为表盘添上色彩。
公共艺术：都市生活的文化新坐标
去年七月，西班牙北部的一座城市街头伫立着一只9米高的蜘蛛雕塑，与此同时如粉色泡泡糖般的玫瑰先生（Mr.Rose）降临在巴黎Le Bon Marché百货的各个角落。
在这个快速发展的时代，城市不再只是高楼大厦的堆砌，公共艺术意外地融入城市的建筑，近年来频频出现在世界各地。面对这些作品，人们总会提出不同的设想。
或许是对大胆营销手法的赞叹，又或许是对一场酣畅淋漓的城市活动的期待。
公共艺术新风潮
不同于博物馆中静默的展品，公共艺术拥有更广泛的触及力和亲近感。它将艺术从神坛上带到了大众身边，变成了一种可以触摸、可以体验、可以参与的生活方式。不拘泥于约定俗成的场域，让艺术更多地走进生活。诚如多领域创作型公司R+ Production创始人、策划人王迦谊所说，艺术的介入重新定义了公共空间，激活了空间与人已经割裂已久的关联。这些好的公共艺术作品，让人们从日常的生活体验中暂时抽离。
公共艺术并非一个新鲜的词汇。早在18世纪末，这一概念便已出现。
对于公共艺术而言，公共性才是其发生的前提。也正因其极高的参与度和互动性，公共艺术曾一度成为艺术界的风潮。例如，罗伊·利希滕斯坦的“巴塞罗那之头”（Barcelona Head by RoyLichtenstein），以其巨大的规模和生动的色彩让人们重新思考艺术与城市生活的交融。色彩对于公共艺术而言一直是重要的一环，艺术家组合Craig & Karl 认为色彩是创造情感体验的关键。无独有偶，安尼施·卡普尔的《光环》（Halo by Anish Kapoor）在泰晤士河畔以其令人着迷的光学效果和创新的材料使用吸引着过路人的目光；克里斯托和让娜-克劳德的《门》（The Gates by Christoand Jeanne-Claude）则在纽约中央公园中展开，以其橙色的布帘和林荫道上的连续门框，为城市带来了一场视觉和感性的盛宴。
但视觉的冲击只是公共艺术众多层面中的一部分。这些艺术作品悄悄地融入城市之中，反映出艺术家对社会和人文的深刻洞察。在此过程中，艺术家Ken Lee也不例外，他将对外部世界的感知和体验转化为内在的情感，通过艺术作品进行表达和沟通，他将大智若愚的“钝感”，注入在他创作的乔乔兔系列中，在充满着焦虑和不确定因素的世界里，用不同的艺术表达形式，带给人更多快乐和安慰。每一件公共艺术品都代表着艺术家与城市、与环境之间的深入交流，它们不仅与当下紧密相连，也往往预示着社会议题的变化和发展。公共艺术在疫情后获得了新的关注与重视，成为艺术界的一股“新潮”。在这个时期，“疗愈”成为公共艺术讨论中的关键词。从街头壁画到城市广场的互动装置，公共艺术正在以更加生动、细腻的方式重新塑造城市的风貌和人们的生活模式。
公共艺术新空间
在后疫情时代，公共艺术和数字技术的结合日益密切，开创了全新的艺术表达和体验方式。公共艺术的场域不再局限于传统的物理空间，而是扩展到了数字和虚拟领域，赋予艺术以更广泛的公共性和互动性。比如位于广州的“Inside out请勿见怪”展览中，艺术家 Craig& Karl 将“眼睛”这一形象赋予了动态追踪技术，与观众进行沉浸式互动。邀请参观者进入 Craig & Karl 的世界，创造一种有趣的、身临其境的体验。艺术家认为眼睛是人们的共同点，暗含着普遍可理解性和与生俱来的人性，很容易让人产生共鸣。多媒体技术，强调了人类对视觉反馈及对屏幕不可抗拒的吸引力。感知到艺术家对于内心世界和外部社会的诠释。通过这种方式，艺术家在现实与想象、展览与观众之间创造了一种对话。在公共艺术的创作中，公众是绕不开的话题，“没有观众的参与，艺术品就只是一件碍眼的物品，它需要一些互动元素，否则就没有生命力。”许多艺术家在设计作品时，也会着重考虑观众的参与度，艺术家Ken Lee希望观众能参与到作品之中，甚至成为作品现场的一部分。在他的作品乔乔兔进行展览时，有一位身穿粉色衣服的女孩，在与乔乔兔探出窗拥抱的装置前拍照时，做了一个腰部后弯敞开怀抱的姿势，之后这个姿势成为了很多观者前来拍照的标准动作，这件事情让艺术家记忆犹新。对于观众而言，与其说是欣赏公共艺术，不如说去参与和享受公共艺术带来的趣味。
而在虚拟空间的艺术探索方面，数字化技术的应用也为公共艺术开辟了新天地。德国艺术家杰弗里·肖在其装置作品《Safe House》中，构造了一个由商用储物柜形成的人类珍奇柜。
观众使用 iPad 虚拟地打开任何一个储物柜的“门”，每个储物柜内都有一个老人，其中一半是男性，另一半是女性，他们都一直重复着锻炼的动作，描述了人们在疫情的影响下被迫与世隔绝的环境，是对存在主义孤独的描述，是对生命形而上学的肯定。艺术家们通过创新的技术和手段，让艺术作品更加生动、互动，从而让公共艺术真正走进大众的生活，成为满足精神需求的一剂良药。特别是在满足“新中产”群体精神需求方面，在这一转变中，艺术不再是冷冰冰的展览，而是变成了一种能触动人心、引发共鸣的体验。R+ Production的创始人、策划人王迦谊认为：“单纯的视网膜效应以及网红展览并不能完全打动所有人 ，艺术作品中所传达的思考、情感和力量，这些都是这一批对于文化和艺术有追求的，在物质层面并不匮乏的群体有条件感同身受的”法国国宝艺术家菲利普·卡特林（Philippe Katerine）在疫情期间创造出粉红先生，粉红先生是一个充满缺陷的粉红色形象，圆滚滚的身材、光秃秃的脑袋，除了心脏有伤口，手指也只有四根，但它毫无防备地向人挥手Say Hi。这个形象有时展开双臂呈拥抱状态，有时坐在栏杆上张望，透着俏皮和可爱，艺术家希望粉红先生能让人接受自己的缺点，自己的焦虑和心碎，只有这样人们才能真正地看见自己的可爱。通过这种互动式的艺术形式，艺术家以一种非常直接的方式教育和启发公众，希望人们感受并接受真正的自己，重新审视和世界的关系。在快节奏的都市生活中，公共艺术如同一股清泉，给人们提供了暂时休息和思考的空间。它不仅丰富了新中产的精神世界，更促进了个人的创造力和想象力的发展。
公共艺术新视点
在数字化和社交媒体的崛起下，公共艺术逐渐成为大众瞩目的焦点，引发了更广泛的参与和分析。Craig & Karl 认为由于社交媒体的力量，公共艺术变得更加民主化，打破了地理障碍，使更广泛的观众能够亲身体验和欣赏艺术。社交媒体扩大了艺术家和艺术品的影响力，同时也在公共领域引入了新的动力，影响人们如何感知、互动和评价公共艺术表现形式。观众在当代公共艺术中扮演着至关重要的角色，其认知和思考对于作品的表达起着至关重要的作用。
“当代公共艺术遇到的问题，我以为并不在作品本身，反而可能是观众，似乎在思考与表达层面更容易拘谨和保守，从而一定程度上锁闭了公共艺术可扩展的文化空间。”
然而，在这个信息爆炸的时代，面对飞速的生活节奏，观众习惯于沉浸在短暂性的视觉和文化刺激中，而忽略了深入思考和体验公共艺术所蕴含的文化内涵。艺术发展与时代的关系是相互影响的，观众与作品的关系也是如此。好的公共艺术作品通常能夠引起观众深刻的思考和共鸣。因此，对于艺术机构或内容生产者而言，创造真诚的内容和展览至关重要。通过确保每一次作品都能引发跨领域的思考，穿透人们之间的沟通壁垒，给予艺术品足够的延展性，这对于创造有深度和影响力的艺术体验至关重要。
在当今，许多公共艺术家选择与国际品牌合作，创作出引人注目且备受欢迎的产品。这些合作包括Craig & Karl与阿迪达斯合作设计的运动鞋和服装、与丝芙兰合作设计化妆品，以及与百事可乐合作推出新饮料。在跨界合作的过程中，艺术家将品牌故事与他们的观点相结合，从而使产品更具吸引力。国内的许多艺术机构也在努力推动这一趋势。例如，R+Production正在探索并尝试一条与国际现代艺术家合作，将其引进中国的一种“旗舰”机制，并通过现代媒体手段提高展览的话题度。这种努力旨在让人们在活动中深切感受到艺术的力量，并加深对艺术品的理解。通过这样的跨界合作和创新尝试，艺术不仅仅停留在传统的艺术领域，而是融入了更广泛的文化和商业领域，提升公共艺术的影响力和可见度。
观众对于公共艺术的欣赏更是一个多感官的体验。除了视觉的享受，不妨用心去观察艺术作品的质感，用手去感受触摸作品时发出的声响。每一种感官的体验都能让你更深入理解作品，了解艺术家要传达的情感和意境。参与性也是观众欣赏公共艺术的重要方式，观众还可以通过参与社交媒体的讨论，拓展对公共艺术的认知，使其成为一个集体性的体验。“公共艺术对于社群文化和身份具有重要意义，它超越了美学，改造公共空间为城市环境增添活力，然后它们可以充当灯塔和交汇点，并成为当地自豪感的象征。”因此，对于当代公共艺术而言，观众的积极参与和深度思考是推动公共艺术可持续发展的重要因素。在寻求更开放、更包容的文化空间中，观众的参与将成为公共艺术与大众互动的桥梁，共同创造出丰富多彩的城市文化景观。
与艺术对话是一个深入骨髓的体验。每一件公共艺术作品都蕴含着艺术家的情感和思想。试着去理解艺术家的创作动机，探究作品背后的故事。艺术作品不仅是一种视觉表现，更是艺术家与社会、与观众之间的沟通桥梁。当你开始试着解读艺术家的语言，你会发现自己不再是一个旁观者，而是成为了作品的一部分，参与了一个无声却深刻的对话。学会放慢脚步，让匆忙的身影暂时驻足，不再忽略周围环境的美好。当你放慢步伐，你会发现那些平时视而不见的艺术作品，它们在阳光下静静地诉说着故事，等待着被发现和理解。
Guerlain御廷兰花臻兰面霜￥13300/ 50ml黑兰不同于其它兰科植物，雌雄同株的黑兰每年仅有一次花期，它可通过深入适应环境，与生态系统建立持续共生来调整自身，在逆境中世代延续。在黑兰科技加持下的面霜融合了舒适肤感和精调配方，细腻丰厚的质地为肌肤提供奢华柔软的保护。它由不同熔点成分制成，具有柔软的乳膏触感，在使用时引发一连串的融化触感。
CREED Absolu Aventus拿破仑之水卓越版￥3，050 /75ml菠萝开创性地作为Absolu Aventus拿破仑之水的气息主体。水润多汁的菠萝裹挟幽幽苦涩的广藿而来，拨开柑橘调的明亮，拂来暖意。青涩而辛辣的小豆蔻与微甜略涩的肉桂糅合，交织出温柔的茧形包裹住这温柔的暖意。轻薄的广藿引导步入木质的尾调，海地香根草带来湿润的泥土气息，麝香和琥珀的气息逐渐四散，形成了绵延的缱绻的温柔。
数码与科技：未来和古典虚拟与真实的激烈碰撞
AI在下沉，虚拟想狂欢
AI在迅猛生长，甚至在科技大秀CES 2024上出现了“ all in AI ”的盛况。它可以是胜于手机的智能化设备 Rabbit R1，也可以是汽车中供人自然交谈的语音助手，还可以是企业智能化管理的Vertex AI。
至于混合现实，在经历 2022 年元宇宙热潮退去、 2023年关注度门可罗雀的冷凝期后，VisionPro的出现让它又重回我们的视线。
只不过这次似乎更脚踏实地，就如CES 2024上的索尼为“空间内容创作”设计的XR头显和手柄设备，轻便式的 AR 眼镜Xreal Air2Pro展示的多屏协同办公功能。混合现实不再是让人类逃避现实或是娱乐至死，而是想用生产力和内容探索人类的新交互方式。CES 2024上，我们见证了过去一年的技术演变，也似乎看到了未来技术将走向何方。
AI继续下沉
把402页的阿波罗登月任务记录扔进对话框，然后抽出一张脚印图片提问，系统随即会准确地给出阿波罗登月时刻的答案，这是GoogleGemini1.5的惊人表现，也确实是AI的一小步，人类的一大步。OpenAI、Meta和Google几乎在今年同一时间抛出AI炸弹，Open AI全新的文生视频模型Sora迎来了AI视频界的GPT时刻，它能够理解并模拟世界的模型的基础，可以说是实现AGI的重要里程碑，你只需要一句提示语，它便能输出一支肉眼几乎很难分辨AI感的多角度变化的视频。Meta开源了V-JEPA，一个可以像人类一样观察并自主无监督学习的视频模型，进一步解决视频生成的时空一致性问题。Google Gemini1.5超大的信息处理能力，可以对复杂的多模态信息进行处理，一次性阅读处理完1小时的视频，11小时的音频，超过70万字的代码库……目光拉回CES 2024 ，我们所见之处无不渗透着人工智能的应用，如果AIGC 技术已经普及到你敲出的每个字，普及到你朋友圈里的一张图，甚至危及你我赖以为生的创造力，那么就没有人再是 AI 进化连续剧里的观众。就像工业革命时期机械替代了人类重复劳动力，AIGC持续在取代人脑的简单逻辑工作。
AI下沉后不仅在微观解决着个人任务，也在宏观上重塑组织和市场。CES 2024的演讲会上HD现代与谷歌云高管介绍两者合作的AI管理系统，它由 Gemini大型语言模型驱动，经过分析设备传感器上的海量数据，从而预测船舶和设备何时可能出故障。这相当于医生给病人看病。传感器记录的数据，如同船舶和设备的“生命体征”，而Gemini大型语言模型则能像经验丰富的医生一样，会根据这些数据的微小变化，在设备真正出现故障之前就预测并解决问题。这种AI 驱动的维护方式，不仅会减少意外的发生，也会先发制人提高工作效率。站在技术革命的十字路口时，企业作为技术的引领者会迅速整合AIGC 技术，毕竟这意味着有机会成为第一个吃到螃蟹的人，而这种融合在车用助手上可见一斑。
大众汽车宣布将在2024年第二季度将 ChatGPT整合到其汽车中；梅赛德斯-奔驰展示了全新 MBUX 虚拟助理；宝马也展示了基于亚马逊 Alexa 大语言模型打造的全新语音助手。语音控制在汽车中已经应用了 10 年，但其交互能力通常有限，我们与其的交流往往停留在“你说的我还不懂”或是“我还没有开通这个功能”的程度。
与过去相比，AIGC加持的语音助手会提供更自然、流畅的人机交互，并能妥善地处理更复杂的任务。从CES 2024 的 AI 大融合可以看出，AIGC在2023年的引爆会让AI Agent发展有所加速，而AI Agent也会是 AI 未来的趋势所在。在机器学习、计算机视觉、自然语言处理（NLP）等AI功能的融合推动下，AI 越来越渗透到我们生活的方方面面，给予用户的感知也越来越直接。在CES2024上，它出现在不少我们熟悉的消费产品中：家庭健身、个人护理（脱发管理）、数字治疗（康复姿势估算）、个人适应性学习、健康监测系统等等。就如AI 驱动的企业管理器、大语言模型的融合，未来的 AI 不止于处理器融合，AI 技术与应用场景的融合会更加深入，给予用户的感知将更加直接。
虚拟想要狂欢
在数字化的世界中，屏幕一直是我们通往虚拟领域的主要入口。然而随着空间计算的发展，数字和物理世界的界限正逐渐模糊，这也預示着我们正迈入一个新的技术时代。
虚拟现实是空间计算最著名的应用之一，尽管很多企业认为元宇宙的炒作大于虚拟现实技术的成熟度，依旧有不少企业在搭建技术能力，努力让虚拟现实重回狂欢。根据 CES 2024 主办方CTA的统计，今年的参展企业中有428 家为自己打上了 XR（包括VA、AR 与MR）的标签。索尼与西门子合作推出的创新XR头显是其中的亮点，它包括一个可翻转的 8K 显示屏，每个眼睛可以使用4K OLED的微显示屏观看内容，肉眼效果能达到与 Vision Pro 媲美的高清晰度。设备通过一个环形控制器和一个指针控制器来操控，主要用于精确地创作虚拟空间的内容，例如 3D 建筑模型、设计图样等等。这一功能对于工程师、设计师等职业的创作者而言具有极大的价值，想象一下在虚拟世界搭建产品的模型，不仅会简化流程加速开发，还会节省现实耗材等大量的资源。
虚拟现实技术在过去十余年的发展面临着两大挑战：硬件成本居高与缺少杀手级应用。即便今年 Vison Pro 突破了成本的限制，带来了一个高端级别的虚拟现实设备，但从近期媒体、博主们的体验来看，他依旧没解决“用它做什么？”的问题。而 CES 2024上的XR技术不再仅仅是人类娱乐的玩物，而是开始为现实世界带来更实质性的回馈：生产。就像 2010 年VR 头显的兴起来自于大规模生产的手机屏幕和芯片一样，2024年AIGC 的爆发式生长会使XR中的空间构建、虚拟体验变得更快更便宜，也许新的技术奇点正在到来。毕竟AIGC能在虚拟实境中创建现实的化身、环境，甚至是一切内容。
若是让虚拟现实覆盖“生产”这一人类绝对领域的场景，那么很可能我们下一代不再是2D屏幕前长大的孩子，而是在另一个三维世界获取知识、生产创造的人类。
AI的融合正在推动着技术和社会的变革，为我们带来了更智能、更便捷的生活方式。而随着AI技术与更多领域的融合，虚拟技术也将可能迎来新的方向，它不再只是娱乐的工具，更是与现实生产紧密结合的创新引擎。而两大技术不仅给了我们新的工具和体验，更重要的是，它重新定义了我们与技术、与世界互动的方式。
Behind the Mac是非常经典的一支广告，它展示了人们如何通过使用生产力工具解决问题、进行创作的真实故事，在屏幕背后忙碌的的你正是一个个主角。
Hello 我们对生产力工具的想象
艺术、科技、生产资料和消费方式都正在发生着深刻迁变。在信息丰沛的黄金年代，真正的生产力工具总能让人兴奋起来，音乐、电影、代码、文字……在处理漫无边界的数据时，“精准而独立”也就成为了一种难得的工业气质。
如果选择探讨样本，Braun RT20、Tesla Cybertruck、Nike AirMax……都是非常合适的关键词——而当我们在赋予生产力工具以想象时，我们在畅想什么？譬如改变了个人计算的Mac。它是沉浮后成为经典的工业设计代表，第一台Macintosh在1984年推出开启了桌面革命；1998年iMac G4横空出世，给千禧一代带来了电子icon的模样；再十年后的2008年，Steve Jobs从马尼拉信封中取出第一台MacBook Air，令人惊艳的形态几乎载入设计史册……
人们的畅想似乎是科技带来的改变本身，精准而独立地重塑着不同人的生活方式。我们连线Apple Park，同时采访了Apple全球市场营销高级副总裁Greg （Joz） Joswiak，Apple软件工程高级副总裁Craig Federighi，Apple硬件工程副总裁Kate Bergeron，与三位聊了聊有关这种“精准而独立”的表达背后。
透明而个人的
回看刚刚过去的一年，科技与新世代的多次“交锋”都发生在AI中，Craig Federighi也认为AI和机器学习在Mac至今40年的幕后发展里扮演了重要角色，他用日常举了例子：“像Siri听写的功能，Mac的识别功能，系统协助用户去寻找照片中的人物或宠物，可以去自动创建回忆电影……”人工智能在生活的细节中输出着效率与情绪价值，Craig说：“有时用户会觉得AI的发生好像是透明的，我们看不到摸不着，感觉非常神奇。比如实时文本，我们拍了一张照片或进行屏幕截图，就可以把照片中的文字选取出来，像在网页选取文字一样，这其实都是Mac自动去做的操作，用户不需要做太多思考就能享受到这些功能。或者说很多系统上非常直观的操作方式，像我自己很常用的subject-lifting，拍照后可以把人物主体轻松抠图出来，再去制作贴图贴纸，或是去放在文件和短信中，这些都是通过AI的方式来达到的。”
Craig还提到了在过去一年最受到大家瞩目的大型语言模型LLM，“Apple芯片是一个去实现或者推动LLM的重要平台，借由Apple芯片，以及我们的神经网络引擎，强大的图形处理单元GPU，还有M3处理器，这样的内存架构可以在Mac上运行非常出色的AI应用。
也有很多用户会在Mac上运行或建构LLM 模型，而不需要去云端或任何服务器，因为在本地的Mac平台就有足够的能力去运行LLM。”
Kate Bergeron谈到设计原则时，认为“个人化”是让冰冷刚硬的现代商业流水线生产出有温度产品的关键：“Mac不只是一部电脑，它是用户喜爱的一个设备，我们在设计时不只是把它当成某个物件來看待，要能够把这样一个个人化的元素反映出来，设计会一直不停地回到它如何贴近我们方方面面的生活这件事上来。譬如sleepindicator，如果把Mac关上，它会有灯号显示，随着一呼一吸一亮一暗，你会觉得它就是在休息。”Kate补充着：“再譬如屏幕的亮度，它随着一天不同时段相应地调整，这些细节需要硬件团队和软件团队合作实现，或许你认为这是很小的功能，不过恰是对于它们的专注，才能把小的细节发挥到极致。”这让人想到了喜欢修禅的Steve Jobs，我们在厚薄、轻重、弧度，乃至每颗螺丝都精确一致的背后还能看到禅意的气质，这些看似透明的细节让我们手中的产品确实不仅仅是一个物件，而是艺术之眼、是余音绕梁、是浩如烟海。
平衡且协同的
Joz从大学时代开始使用Mac，他觉得科技产品要勇于拥抱改变，最令他大开眼界的时刻是“Mac搭载Apple芯片的开始”，他说：“至今我还是难以置信可以在移动装置上达到这样的一种体验——速度如此之快，电池耗电非常之低，速度和续航力之间是必须要取舍的，芯片让这件事情可以两者兼顾。”兼顾的背后是平衡和协同，我们不禁想到2024年最酷的事情之一——或许是带着Vision Pro通勤、健身和工作，Joz也谈到了Mac与它的交互：“Mac改变了个人计算，iPhone则实现了移动计算，Vision Pro 带来了空间计算。在Apple任何的生态系统或产品线中，我们设计最主要的一个理念是每个设备彼此互补，并协作运行。对于 Mac来说也是如此， Mac的用户通常会很喜欢Vision Pro，Vision Pro的无限画布带来了一个无限空间，它同时也支持Magic Keyboard、Track Pad，人们有无限的自由去进行操作。”看来更酷的事情，还在后面等着我们，Craig也非常期待两者的火花：“Mac的体验现在可以被带到空间中，让所有做内容的开发者和创作者们通过Vision Pro来实现空间运算，会有很多用户可以用Mac来开发诸多可以使用在Vision Pro中的内容，把使用体验在这两款设备中发挥到最大。”
Tim Cook表示，40年前Mac的问世彻底改变了计算机界的格局，并在之后的岁月里不断进行颠覆性的创新。在如今Mac的坐标系中，有适配不同人们的产品，它和初代的模样已相去甚远，仍然清晰的是保留至今的“Hello”手写图标，它像一个问候每一种可能与改变的招呼，满足了大众对生产力工具精准且独立的浪漫想象。
古典乐数字化复兴：我们需要怎样的古典乐平台？
即便不是一个古典乐迷，但你也会熟悉以下场景：b站跨年晚会的百人交响乐团，演奏贯穿晚会全程，晚会高潮还会出现《猫和老鼠》、《葫芦娃》等经典漫改的演奏节目，爷青回的热血汹涌而出。青年演奏家王羽佳身着干练短裙，脚踩十几公分高跟鞋，演奏时潇洒而狂野地挥动双臂、弹动指尖，演奏结束会送上一个标志性的“折叠式鞠躬”。
无论是用古典乐的方式改编热门曲目，还是古典乐艺术家打破传统的自身魅力，这些新兴的古典乐演绎正在跟年轻人热爱的文化元素相结合，从而拉近了古典乐与年轻一代的距离。而借助当下音乐鉴赏的主流渠道——流媒体的传播，这些平台使得古典音乐更加容易接触和理解，为年轻人提供了一个全新的角度欣赏和探索古典乐。但当年轻人走进古典乐时会发现：要成为古典乐迷并不容易。
难以搜索的古典乐
古典乐的听音渠道主要有音乐会现场、实体唱片、下载录音和流媒体搜索。找实体唱片的渠道对新手而言有一定的难度，至于下载录音则存在着难找音源、版权等问题。流媒体是最简单直接的方式，但当你被一段演奏吸引，决定在音乐 app 上寻找这首曲子的全集或其他演奏版本时，结果会比预想的复杂得多。
我们以综合音乐平台Spotify为例，搜寻一段古典乐入门曲《致爱丽丝》。大多数人会用曲名作为关键字搜索。搜索结果中会出现不同钢琴家的演奏版本，但也会混杂着未知演奏者的群星版、轻音乐版、伴奏版等等。入门乐迷不仅找不到准确的演奏版本，反而可能会听到流行化甚至有人声改编的“流行爱丽丝”。如此还没找到古典乐的门，就已经在找路途中被阻挡住了。
在流媒体的呈现上，正确的古典乐需要正确的命名方式。与流行音乐的直接命名方式不同，古典音乐的作品往往带有一系列让人眼花缭乱的数字、字母和专有名词。这是因为古典音乐经历 800 多年，它的标题通常是以拉丁语或者作曲家的母语来命名，同时每个作曲家的作品还会有独特的命名系统。
比如贝多芬的《命运交响曲》的全称是《C小调第五交响曲“命运”，作品号67》（Symphony No. 5 in C minor， Op. 67）。其中“交响曲”代表作品类型、67 表示它在贝多芬作品目录中的编号，C小调则说明这首曲以此为基调。另外，每个古典作品可能有无数种演绎和录音版本，每种演绎又可能有不同的指挥和独奏者。如果要找到经典的1963 年版红卡［奥地利指挥家卡拉扬在1961年－ 1962年与德意志留声机（DG）合作录制的一套贝多芬全集唱片］，就需要指挥家卡拉扬、演奏者柏林爱乐乐团这些身份信息，否则乐迷很可能搜到的是其他艺术家的演绎版本。
所以，作曲家、作品类型、作品序号和调号可以叫做每首曲目的 DNA序列，而演奏者、指挥者、录音日期、音乐厂牌、录音地点如同它的身份证信息。在流媒体平台上，搜索古典乐不像流行乐一样，只标注歌名、演唱者就足够了。古典乐信息的复杂性就要求音乐 app 不仅要有一个庞大的乐库，还需要一个精准的搜索系统，能够理解用户的各种查询方式，并提供准确的搜索结果。
新的打开方式
稍微进阶的古典乐迷会选择更小而美的古典乐 app，像是Primephonic、The Orchestra和Idagio 一类的应用，它们通过精准的搜索工具、丰富的曲库和音乐解析，给流媒体如何呈现古典乐树立了标杆。然而，这些小而美的古典乐 app 也面临着曲库容量、资金支持的挑战。古典乐迷对音乐鉴赏的需求非常广泛，而且新兴艺术家的录音曲目增长速度极快，这些平台的曲库容量非常受限。
此外，作为小众市场的应用，要获得持续的资金支持来维持运营和发展，对它们来说也是难题。
相较之下，苹果的古典乐应用Apple Music Classical就有了独特的优势。早在 2021 年，苹果就收购了古典音乐平台Primephonic。
两年后，Classical 在欧美地区正式上线，它在继承了其龐大的曲库和专业的音乐分类系统的基础上，推出了对用户更友好的古典音乐服务。 Classical的曲库中共收录了超 500 万首曲目，并且对古典乐的复杂数据结构有深度的支持。当我们要寻找某个特定曲目的时候，可以根据作品、演奏家、演出版本，甚至是作品风格、历史去进行筛选。
当古典乐入门者搜索时，输入“莫扎特 安魂曲”后，Classical界面展示了不同的演出录音，其中既有历史上的经典版本，也有少为人知的小型乐团演绎版。并且在播放界面中，乐迷能一眼看到作品的 DNA 序列和演绎组成的身份证信息。而对于资深的乐迷来说，要搜索某个经典作品不一定要输入全称，他们更习惯用简洁的作品编号代替。像是莫扎特的安魂曲，也叫K.626，在Classical上输入编号也能搜得同样的结果。如果要卡拉扬的经典演绎版本，也可以在作品编号后加上卡拉扬作为关键字，就能精准搜到。甚至用更具体的室内乐形式“钢琴三重奏”来搜索，一些著名的作品也会呈现出来。
搜索之外，Classical的呈现界面也信息规整且尊重古典乐。搜索结果会以作品、专辑、曲目分类呈现，乐迷可以清晰预览。而选择曲目时，每个版本中都标注了指挥家、乐队、演唱者的名字，还有收录专辑甚至录音的年份和音质信息。这些信息既有唱片对艺术家的严肃对待，也超越了唱片的单一触达方式。Classical能让音乐迷通过点击界面上的曲名、指挥家、专辑等进行探索，更快地触及到类型相关的其他作品。小白乐迷能在不同的演绎版本中学习鉴赏，资深乐迷也能快而广地探索到自己喜欢的艺术家。
在推荐系统方面，Classical的推荐歌单也颇有趣味。以往我曾在一些综合类音乐 app 上听过古典乐后，推荐歌单中总会获取到一些混音版、纯音乐版或是综艺改编版世界名曲。这种结果让人很哭笑不得，但又无可奈何。Classical 上的推荐主要以全球的人工编辑推荐为主，有学术派味道的时期、乐器、乐团分类推荐，也有平易近人的心情、场景、季节分类推荐，还有些冷门挖掘的经典拾遗、新锐音乐家推荐。通过这些推荐方式，无论音乐迷的水平如何，都可以發现符合自己口味的作品。反之艺术家们的经典作品也会被不断地重新发现、反复鉴赏，至于还未出名的新锐艺术家们，也能借此获得向乐迷们展现自己的机会。
我们需要怎样的古典乐平台
从寻找曲目、鉴赏曲目到挖掘曲目，Classical 的完整流程是我在其他古典乐平台上难以享受到的。但作为一个刚刚推出的新应用，它仍然存在一些缺憾。尽管它能够展示丰富的演奏版本，并且专为中国用户做过本地化翻译，但用中文去搜索特定的演奏版本时，仍然可能感到信息不够全面或不易发现。比如王羽佳的成名演奏之一《野蜂飞舞》，搜索汉字关键词时会显示“没有搜索结果”，若是将作品名换成英文“The Flight of the Bumblebee王羽佳”才会有精准的结果。
另外我们已知Classical的曲库已经纳入苹果的原生应用AppleMusic之中，而且乐迷收藏的古典乐歌单会同步在其中显示。由此一来，用户能实现用 Siri唤醒播放古典乐播放列表。但注意，只是部分，并且是极少部分。例如：贝多芬的代表作、肖邦的圆舞曲、卡拉扬的代表作等。换作是播放文艺复兴时期的作品，播放的乐曲虽然是古典乐，但匹配关系不大。
而且囿于古典乐极其复杂的命名，我想要在Siri 中唤醒一首精准版本的古典乐将会遥遥无期。
不可否认的是，越来越多古典乐迷亟需Classical 这样的流媒体平台。
根据 2023 年Luminate分析公司的报告指出，古典乐听众更倾向于流媒体服务；音乐产业咨询机构Music Business Worldwide的调查数据显示，2023年古典音乐流媒体收听量增长了15%。
只是这样的平台依旧需要自我进化，让越来越多的听众找到古典乐、鉴赏古典乐、爱上古典乐。在扩展曲库、优化搜索让乐迷可以窥尽无穷的古典乐库，找到自己心悦的演绎作品之外。它还要连接艺术家，给予他们展示的舞台，使他们的作品能够触及每一个角落。
毕竟我们需要的古典乐平台，不应该仅仅是个技术产品，而应该是连接过去与未来，艺术家与听众的桥梁。
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