素描与中国画创作研究

摘 要：随着时间的推移，中国画在技法上有了很大的改变，尤其是受到西洋素描的影响，更加注重造型的构造和光影的作用。关于在中国画中引入素描的优点和缺点早就引起了许多争论。素描是一门以写生为主要内容的艺术，也是中国美术院校的一门重要的基础课程。中国画特有的审美形态决定了中国画专业在造型教学中的着眼点必须与传统绘画相适应，将素描的优势应用于其中，探索出符合中国画的用线以及塑造方式。从中国画创作的角度深度剖析素描与中国画创作的异同及现状之间的关系，在传承中国画创作内涵的同时促进素描外延的发展。

关键词：中国画；素描；中国画创作

艺术形态的发展始终是以继承和革新为基础的，而对新形态的探索又不可避免地涉及对旧形态的吸收和改造[1]。从艺术“稳定性”的角度来看，在创作过程中如果能够正确地利用已有的艺术形态与技法，那么我们在创作过程中也会产生新的感受与灵感，从而提升创作作品的整体内涵。因此，中国画应该在继承和发展中寻找一条适合自己的发展之路。近代以来，西式的素描写生方法正逐渐渗入中国美术院校。尽管在20世纪60年代，人们对西方素描和传统写生方式的优缺点存在着一定的争议，但是西方素描创作方式引入后在写生中的地位和重要性却是公认的。从现代中国人物画发展的脉络来看，因为西方素描观察与表现方法的引入，所以对人物进行写生已经变成了一种可以让画家练就高超的人物造型能力的有效途径。因此，它引起了中国人物画造型与创作实践的变化，也促使现代中国人物画造型语言的基调和创作的基本样式逐渐形成。目前，对于中国人物画的学习通常是从研究素描写生入手，然后在掌握写生技巧以及融入创作灵感的基础上逐步进入创作领域。因此，分析中国画的素描与中国画创作二者之间的关联，对于提升中国画的整体创作水平有着重要意义。

一、中国画的素描发展历程

从明朝开始，西方的画论就已经对中国文化有一定的影响。清廷聘请了一批西方人为御用画师，他们将西方人的造型和技法与中国画的工具和材料相结合，初步实现了中西绘画的融合。鸦片战争以后，更多的中国年轻人到国外学习，这使得西洋绘画在中国画创作领域中产生了更大的影响。20世纪初，康有为、蔡元培、陈独秀等人先后提出了“借洋兴中”“西体中用”的主张，并在此基础上形成了一套完整的理论体系。

在这一思想的指导下，许多美术学院相继建立，并借鉴了西方的绘画教育思想。这些学校包括由清政府在南京建立的三江师范学堂、刘海粟等1912年创办的上海图画美术院（后改名为上海美术专科学校）、始建于1918年的国立北京美术学校、创建于1928年的杭州国立艺术院。这几所美术学校的设立使中国传统美术教育有了一个新的模式，使素描在中国的发展有了更广阔的空间，同时也为中国画的发展打下了坚实的基础。徐悲鸿在留法八年后回国就以现实主义来改造中国画。他提出了“以西改中”的主张。他的《画范序》提出“新七法”，是运用西方绘画技法理论在谢赫“六法”的基础上发展而来、中西传统合璧产生的理论。在中国画教学方面，其中心思想是“素描是一切造型艺术的基础”。蒋兆和受到徐悲鸿的深刻影响，继承了徐悲鸿的绘画思想，并在此基础上进行了长期的探索和总结，形成了一套完整的中国水墨人物画的造型创作系统，该系统为中国绘画艺术与西方素描绘画的发展奠定了基础。

契斯恰科夫素描教学方法是20世纪50年代被引进到中国的，它以严谨、系统、科学等特点深刻地影响着中国画的教学与创作。从20世纪80年代到现在，中国各式各样的写生观念都在不断地进行着实践和融合，并逐渐形成了一南一北两个不同的写生流派：以中央美院为代表的写生流派侧重于基础造型能力的培养；中国美院将中国画的组成手法融入素描教学，重点与线条相结合，强调个人的特点，是江南地区的一个典型代表。当然，这两种中国画素描训练方法之间并不是泾渭分明的，而是在实践中相互渗透，相互融合，共同促进着中国画素描的发展[2]。

二、中国画的素描与中国画创作的内涵

素描（sketch）的概念来自西方，它是一种用铅笔或其他单色的绘画工具，通过线条或明暗的方式对客观事物进行一种真实而生动的描述，被视为造型艺术的基础。西方绘画在光、影、结构等因素的作用下形成了素描。素描从古代开始就已经存在了，并且经过了一代代的传承还形成了许多的分支，而中国画在历代文人雅士的努力之下分成了许多的流派，因此二者在运笔的技巧上也会有一些差异。面对这种差异，需要找到一种分析、归纳规则的方法。

众所周知，掌握一定的素描技术是进行绘画创作的基础，尤其是对于某些初学者来说更是必不可少的必要条件[3]。以线性素描为例，其在人物画中是比较重要的。传统的素描注重的是人物的面部结构与肌肉延伸之间的关系，线性素描就是要对人物的结构展开分析，这样可以塑造出更加立体的人物形象，因此更加具有表现力。传统中国画主要用的是写意的手笔来描绘人物，所以人物的外形比较扁平，而要把一个人的脸画得很精细那就更难了。线性素描是当前中国人物画造型的基础，是创作者研究造型、磨练技法、训练观察能力、调整造型观念、调整造型方法的一种方式，也是最行之有效的一种方式。因此，在中国画创作中线性素描是非常重要的一环，应该贯穿绘画创作的始终。

综上分析可以看出，中国画的素描与中国画创作之间有着非常密切的关联。在中國画中引入素描既是一种传承，也是一种合理的创新创造模式。

三、中国画创作的发展现状

（一）西化式创作现象愈发明显

现在，越来越多的年轻画家盲目地去学习和模仿西方绘画的写实逼真。比如说，他们在创作过程中注重色彩的对比、互补色的运用，通过对形体造型的塑造，追求画面的饱满、真实直观的效果。通过分析当前我国中国画创作的实际情况可以看出，在这几年的美展上获奖的作品大多都是工笔写实的，很少有写意的。究其根源主要是创作者对中国传统文化认识不足以及长久以来中国画被多元评价标准所左右，因而中国画的当代发展受到了直接影响。

中国和西方的绘画是特殊的地域、特殊的民族、特殊的习惯、特殊的精神、特殊的文化传承等诸多因素的凝结和淬炼，二者自古以来就遵循着不同的美学趋势，走着自己的道路。在印象主义之前，西方的传统绘画注重从透视、明暗、立体、比例、结构、肌理等多个角度来追求视觉的真实感。中国画的创作则并不是简单地复制自然事物，它是基于对客观事物的用心体会和深入理解，以“迁想妙得”的方式将艺术家的情感和想象力与大自然的本质联系起来，其创作的过程就是一个将自己的思想和情感表达出来的过程，中国画创作者的思想和情感以独特的造型、构图、色彩和技巧体现在其作品中。要做到这一点就必须打破时间和空间的限制，打破透视、人体与物体的比例等的限制，用非常灵活、普遍性的线条，用“随类赋彩”的方式对自然物象、自然色彩进行精确再现，超越单纯在视觉上对真实的追求，对物象进行高度的概括，以简御繁，借色抒情，使意与形、情与景相融合、相辉映，达到一种写意传神、气韵生动的艺术境界[4]。在西方绘画体系中缺少了中国画中的“意”和“神”，这就是中西绘画在侧重点上的不同之处，也正是因为这一点，我们才需要通过对二者的比较来取长补短，这对中国画系统的不断探索与完善而言具有更加深远的意义。

（二）笔墨随时代发展

所谓“笔墨”，并非只是指充当中国画创作载体的“笔”“墨”，亦非离开特定的景物，独立于物象之外。“随时代”亦可译为时代特色鲜明的体现，其创新表现在技法和肌理、工具和材质、画风和艺术语言等方面。所谓“笔墨当随时代”就是指画者的笔法、墨法、技法等都要随着时代的发展而不断地发生着审美的改变，这样，他的笔墨风格就会体现这个时代最明显的特点，但这并不意味着必须按照西方绘画的标准去寻找中国画发展和创新的道路。在如今的中國工笔绘画中，创作者大多使用并借鉴了西方的色彩、素描、透视等绘画原理，来优化作品的造型，并有意识地追求画面的空间层次以及统一而唯美的色调，这些都是绘画风格与艺术语言形式的一种创新[5]。中国画的笔墨情趣，既有“骨法”的“用笔”、“生动”的“气韵”，又有“写意”的“笔法”与“墨色”的“层次”。没有了这种笔墨，中国画的特点将会消失。因此，在面对笔法与墨色层次的发展需要时，首先要清楚的是在中国画的发展与创新中，要做到不失中国画的精髓，同时要打破传统的困境，助力中国画创作层次的深化。

四、中国画的素描与中国画创作创新

（一）重视题材思想的创新

创新的手段有很多，既可以从作品的材料、工具方面入手，也可以从技法、观念方面进行，还可以从画作的内容、形式、构图、题材等方面展开。因此，在中国画创作的过程中应该多维度地看待创新。例如，在内容、形式、题材、技术、风格、意境等方面都可以进行创新。在这些变革中应当从不同的角度分析创新的内容。受不同的思想感情的影响，在不同的画家手中，同一种题材的绘画作品会呈现出不同的风格、趣味以及鲜明的个性语言特征。就像齐白石笔下的莲花和石涛所作的莲花是不同的。因此，在选择题材进行中国画创作时，应当重视对于题材思想的创新，从不同角度探讨题材的内涵，从而选择对应的创作手法。

（二）素描创作创新

潘天寿的“守常与变达”和石涛的“借古开今”都可以成为中国画发展的指导思想，这两个理论都涉及了中国画发展中的继承和创新。将西方素描方法应用到中国画创作中，可以从以下两个方面着手。

第一，强调对颜色的参考。中国画可分为工笔与写意两大类，其中工笔画主要有工笔淡彩与工笔重彩两种。一般情况下工笔淡彩的画法要求线条细密匀称，以墨为主加透明颜料，画面要求清新、雅致、色彩透明、层次分明、细致、持久。但在许多展览中，比起那些形式多样的西洋画，远远看去就会觉得工笔淡彩画视觉冲击太小、太轻。工笔重彩画则不同，它以矿物颜料为主，本身的色彩丰富，遮蔽能力很强，笔触也比淡彩画要粗犷一些。随着时代的进步，在造型艺术中人们对色彩的要求也越来越高。当代的工笔重彩画就是利用了西方绘画的表现手法和色彩来表现物体的形体特征、空间、质感，并塑造物体的形状。在具体的创作过程中可以将西方色彩的物理、生理、心理的效应等有机地结合起来，从而将作品的主题以及作者的思想感情表现出来[6]。从这一角度出发，本研究认为发展与研究色彩的表现能力，将成为工笔画创新的关键点。

第二，重视素描线条的借鉴。谈到素描，我们首先会联想到物体的精确造型，并将其与中国的写意文人画进行对比。中国的写意文人画不重视再现和描摹客观真实的对象，更多的是侧重于笔墨的趣味。文人画的美学原则是在“似与不似”之间寻求一种平衡，但这并不能成为评判中国画艺术的标准。文人画的成就主要集中于山水画、花鸟画而非人物画。实际上，这主要是由于人物画对于造型的要求较高。因此，学习素描创作对于中国当代绘画的发展可以起到推动作用。谢赫“六法”中“传移模写”“应物象形”的思想充分体现了在绘画创作中对形式的精确掌握是非常重要的，因此西方素描创作与中国画本身的发展没有什么矛盾[7]。像刘海粟、徐悲鸿、蒋兆和这些画家都有很好的写生功底。现代工笔画的发展，特别是工笔人物画的发展要重视对西方素描创作的借鉴。

五、结语

艺术形态的发展是以继承和延续为前提的，而对新形态的探索又不可避免地涉及对旧形态的吸收和改造。从稳定的角度来看，在创作过程中如果能够正确地利用已有的艺术形态与技法，那么我们在创作过程中也会产生新的感受。因此，当代中国画应重视对于素描创作方式的借鉴，艺术工作者要对自己的文化地域特色、审美情趣与文化心理有一个全面的认识，以传统为基础，注重新形式的创作，注重画面意境，追求作品内容与情趣之间的和谐统一，朝着继承与创新的方向发展，进而创造出更具有时代特色的中国艺术。

参考文献：

[1]于洋.写生灵万物 寓家国时代：徐悲鸿动物花卉题材中国画创作的画学阐读与新旧之辩[J].美术，2021（12）：99-103.

[2]覃振华.中国画创作中水元素运用与表达方法探讨：以水上建筑画为例[J].工业建筑，2022（7）：255.

[3]张忠.优秀传统文化与国画教育融合思考：评《文化全球化语境下的中国画教育研究》[J].中国教育学刊，2022（12）：117.

[4]赵男.中国画在视觉传达拓展中的淬炼：以笔墨插画系列创作为例[J].当代文坛，2021（1）：8-9.

[5]乔宜男.既要笔墨 又要形式 更要意境：以笔墨为手段构建当代中国画视觉形式语言与文化审美意境[J].美术观察，2023（3）：30-31.

[6]孙超，陈宁.“先形后神”还是“以神赋形”？：新中国成立初期国画家对“以形写神”的两种理解方式[J].文艺理论与批评，2022（5）：184-192.

[7]高杨.中国画构图、布局与美学精神的探讨：评《中国画法研究》[J].中国教育学刊，2022（11）：150.

作者简介：

茅蕾，苏州科技大学艺术学院硕士研究生。研究方向：装饰艺术设计。