油画艺术创作中装饰性色彩的运用探析

李思学 淮阴师范学院

油画源自15 世纪的欧洲，作为彩蛋画之后的新绘画形式，在16 世纪到19 世纪这段期间尤为风靡。欧洲文艺复兴以前，油画创作分为南北两派，北欧作品侧重细节，意大利等南部欧洲国家则喜欢呈现出明丽色彩的效果，装饰性色彩在这两类油画作品中均起到重要的辅助作用，而到了意大利锡耶纳拍与罗马派的几个画家那里，光与影的营造让装饰性色彩的功能性得到了进一步凸显。实际上装饰性色彩就是通过技巧让画作的色彩、布局更加理想化，简练的处理中有着夸张、浪漫的表达，让画作中的形象被赋予显著的象征性，是油画表达情感、形成视觉冲击的不可或缺的艺术处理手段，油画创作者可通过加强对此环节的把握向人们呈现出油画独特的艺术美感。

一、油画的色彩与装饰性色彩概述

（一）色彩对油画作用

油画进入中国的时间不算长，但却以其独特的魅力迅速成为中国绘画的重要构成部分。相比于其他绘画形式，油画更依赖于色彩的表达，除了对绘画基本技术的强调，油画利用色彩表现情感、形成风格也是其作品创作的重要特点，所以色彩之于油画可以说是灵魂一般的存在。色彩在油画创作中的作用主要有三点：其一是表现油画的主要手段。纵观油画艺术发展史，色彩的运用一直是物象构建的主要方式，且随着油画家的不断探索，油画对色彩的使用也越来越多样，如色彩纯度、明度的对比可让画作的感染力得到加强。其二是赋予油画以生命力、语言。油画的魅力主要体现在其色彩的构建与搭配上，往往人们远远看到一幅油画就会被其丰富的色彩搭配吸引目光，而那种昂扬的生命力与视觉冲击则全赖色彩这种视觉语言，因为色彩能够直达人的心理，所以人们很容易在其吸引下达成与作品乃至画作作者的 “交流”。其三是绘画作者情感表达的载体。油画上富有冲击力的色彩语言都经过作者的巧妙布置，明暗、虚实的对比是画作者内心的表达及呈现，如果作者要让观者对画作产生共鸣，就需要通过对画作色彩的处理吸引观者视线。因此，色彩是油画技法的体现，也是画作者对情感的自由抒发，是油画技术性与艺术性得到体现的关键。

（二）装饰性色彩的含义

装饰性色彩不同于普通意义上的色彩（写实色彩），首先，基于其字面表达，装饰性色彩在油画中主要作为装饰“物品”而出现，对整个作品起到装点作用；其次，装饰性色彩不再是利用颜料单一的呈现画面，它需要遵循美学法则，以让画作者的情感得到充分的传达与体现，因而从这一角度来看，装饰性色彩还能营造油画作品的氛围感；最后，装饰性色彩还包含了画作者浓烈的主观创作情感及审美风格，其通过对点、线面，以及光影的处理统一了画作材料与模式，让原本单一的色彩布置以一种极具理想化的形式表现出来，有效增强了画作的立体感。因而装饰性色彩也被称作表现性色彩。与写实性色彩相比，装饰性色彩不过分追求色彩应用的真实性，在对自然的借鉴方面也没有过多要求，可以说是油画源于自然又脱离自然的一种体现。

二、油画装饰性色彩的特征表现

（一）油画固有色

油画的装饰性色彩作为一种色彩表现形式，在油画创作中具有形象固有色、高纯度色彩表现、象征性、布局均衡性和对比性等语言表现特征。从色彩形象固有色角度进行分析，装饰性色彩的固有色即是指事物本身就具备的色彩特征，它不因外界因素干扰而发生改变，体现在油画创作中主要是不受光源及其他环境色的影响，能够带给观赏者一种稳定的感觉。作为形象固有色的装饰性色彩一般以客观色彩为基，要在展现出固有色本质特点的同时达到对画作主观色彩的烘托。油画装饰性色彩作为固有色，其在19 世纪之前的欧洲油画界比较流行，在《延禧攻略》中，“出圈”的莫兰迪色就是当时装饰性色彩作为油画形象固有色的一种体现，莫兰迪的绘画选材多是单调甚至无聊的瓶瓶罐罐，装饰性色彩在其中的表现也趋于隐性，但正是因为装饰性色彩作为固有色，才让看似平淡的主题散发着生命的律动气息。

（二）高纯度色彩

装饰性色彩在油画作品中多体现的是一种高纯度的色彩，它们纯净、明亮且鲜艳，符合绘画的一般审美要求，而高纯度色彩之间的搭配、碰撞也能让油画的画面风格、特点更为突出。比如挪威画家雅昌爱德华蒙克的作品《桥上的小女孩》就充分体现了油画画作中装饰性色彩的高纯度特征，作品用黄、红、蓝色将道路、房屋、女孩和树木均衡地“放置”于画框中，让人物与风景实现高度融合；又如马蒂斯在其成熟时期的画作《红色中的和谐》中也着力表现了装饰性色彩的这一呈现特征，其借助装饰性色彩的纯洁性特点，让红色与绿色形成对比，很好地构建出室内与室外空间的交汇景象，这在很大程度上营造了画面的氛围感。

（三）色彩象征性

正如上文介绍的那般，油画的装饰性色彩不仅要遵照一定的美学原则，还要传达出画作者的审美和情感，所以其在油画创作中要能充分围绕创作者的思想、情感展开，以更好地连通画作的欣赏者。而这就造就了装饰性色彩的象征性特征，不同的色彩在人的视觉接收当中具有不同的象征性，它们能使人产生联想，如绿色会让人联想到绿树，并带给人清凉甚至冰冷的感觉；蓝色象征着蓝天或大海，人们看到浅蓝色会感觉开阔，深邃的蓝色总能带给人以沉稳、忧郁的感觉。而这种体验能带给画作欣赏者以丰富的视觉享受，能够帮助他们了解油画作者要传达的情感。装饰性色彩的象征性没有具体的范围，其与人们的生活经验、喜好和审美相关，因此有着文化差异的人们总能对同一个油画作品有不尽相同的解读，这就是装饰性色彩的这一特点。

（四）色彩均衡性

装饰性色彩在油画当中还发挥着均衡布局画面，让画作整体色彩协调的作用。基于形式美的要求，价值高的油画作品一般会强调整体色彩、色调的均匀、协调，而整体画面的协调往往要根据画作者对装饰性色彩运用来实现，且其中的色彩均匀布置并不是指色彩面积上的平均，而是指色彩之间的衔接、碰撞带给欣赏者以视觉、心理上的平衡体验，即对称的重量感。例如深色调可以带个人以沉重的感觉，浅色调则能让人感到轻松、轻快，如果画作者在创作油画之时调浓色调，就需要辅以浅色调布局在周边，调和这种沉闷的感觉，当然一切的调和都要建立在完整表现画作者创作中心与情感的基础上，在此之上的色彩调和才是合理且值得深度品味的。如野兽派的马蒂斯很擅长用大面积的平涂，这种粗犷而率性的绘画手法能够带给人以平静、安详的感觉，而要在这一基础上让画面保持色彩平衡，则要借助画布的底色和其他颜料的囤积，这种处理方式让整个画面看着均匀而又不呆板，自成意境。

（五）色彩对比性

色彩对比是装饰性色彩的另一个表现特征，强调将差异性较大的色彩放到一起进行拼接对比，其作用在于使油画产生强烈的视觉效果，进而对欣赏者产生视觉冲击。色彩的对比与色彩的协调是相互对立的两种特征，但在某种程度上也存在相互依存的关系，比如合理的色彩搭配能让油画作品既具有视觉的冲击性，同时又在整体上保持协调感。因而在装饰性色彩的语言应用中，色彩的协调与对比就是其语言表现的核心，在差异性与相似性的同时，油画的魅力才能有效生成。

三、油画创作中装饰性色彩的运用

（一）光影运用

欧洲文艺复兴时期，油画发展逐渐走向顶峰，在意大利罗马派等画家的深入研究与实践之下，装饰性色彩深化了光与影的表达，而这一色彩运用方式也为后世油画作品的创作提供了较多思路与借鉴。与传统古典油画对装饰性色彩的运用形式不同，装饰性色彩以光影表现画面时通常不对画面物品做细致的刻画，而光与影的处理手法也不再停留于单纯的辅助性，通过对多种色彩的运用，光影在画面中也可以呈现出多种表达。比如法国著名作家莫奈的作品《阿尔让特浓的帆船》，天空与湖水的颜色用了不同的蓝，而莫奈又对天空与湖水的色彩做了基调之上的融合处理，使得整个画面变得更为协调、统一，同时也让作品整体的光影感得到凸显，是油画创作中装饰性色彩功能性的良好体现。欧洲油画史上还有一个画家善于运用装饰性色彩的光影表现手法，那就是伦勃朗。伦勃朗喜欢用光影处理方式体现物象之间的敏感关系，以至于如今的手机照相效果也将伦勃朗的这一惯用作画方式纳入其中，并称之为“伦勃朗式镜头”。画作者采用光影方式时需要对色彩进行反复的调整，以保证较佳的视觉效果，而要突出画面光感，找准光源是一个前提，如今画作者会将物象的体积减小到最弱，用大片的明暗处理烘托画面氛围感，而这一处理之下，画面的光感也会有所增强。

（二）造型刻画

油画的造型作为画面主体，以传统现实主义对其进行处理和装饰性色彩的处理效果有较大差异。现实主义色彩处理方式注重对物体本身的细致刻画，追求的是画面与实际物体的相似性；而装饰性色彩对物象的处理则主要体现画作者的创作情感与意识，目的在于激发欣赏者的共鸣，所以不会特别细腻地处理细节，甚至有些追求浪漫主义的画派将画作背景采用玄幻的处理方式。换言之，运用装饰性色彩进行油画造型时画作者可以在一定程度上忽略色彩构建的基本原则，运用装饰性色彩的平衡性、对比性和象征性等特点帮助画作画面保持和谐。

（三）空间搭建

装饰性色彩虽然具有较强的语言表现力，但多属于抽象、夸张的表达，画作者常常运用装饰性色彩弱化画面主观形象以外的事物，如线条或阴影，并用具有冲击性的色彩补足或增强原本以线条勾勒出的空间感，进而提升画作的艺术层次。装饰性色彩在油画中的这一应用能够让画面更具立体感，进而使欣赏者对油画所要表达的内容、情感更加契合，是油画体现其境界的重要方式，油画创作者在创作绘画时需要就空间感的搭建设计装饰性色彩的布局。纳比派的代表油画家伯纳尔在创作油画作品时常会采用对比强烈的几种颜色作为整个画面基调，像是红和绿、紫与黄，以通过这种大胆的用色对欣赏者的视觉产生刺激，并以此搭建一个富有空间感的画面，让作品在欣赏者眼中有立体感和动态性。一般来说油画的创作中，装饰性色彩在空间上削弱了三维构图应具有的效果，将空间的距离不断拉结，并利用色彩的组合对空间进行重构，其体现了油画艺术的平面性，也让画作者的创作更加大胆、自由。油画创作者应当加强对装饰性色彩的这一使用，使自身的绘画语言更加生动、立体。

（四）韵律体现

画作者在创作油画作品时需要遵循美学法则，即便是对装饰性色彩的应用，也要符合这一法则的要求，让画面的布局、效果更具韵律性和节奏感。韵律是油画对画面层次感追求的具体体现，因而利用装饰性色彩表现画作画面的韵律性也是该装饰性色彩在油画创作中比较常见的一种应用。画作者可根据美学法则让装饰性色彩有序分布。例如：瑞士的画家保罗·克利，他作品的最主要风格就是运用大小不同的色块去堆砌、借助重复的色块以及画面点、线、面的融合将一幅静态的画作变为一个动态的音乐，而这种极富动感的对装饰性色彩的运用，也能起到突出画作视觉效果的作用。

四、经典油画作品中装饰性色彩的应用分析

（一）伦勃朗作品分析

伦勃朗是17 世纪荷兰绘画的领军人物，被称作荷兰历史上最伟大的画家，他的画作题材以自画像和《圣经》中的内容绘画为主，油画作品充分展现了他对古典意象的把握。伦勃朗善于运用光影效果处理画面布局结构，常利用这一装饰性色彩处理画作中人物的内心表达，由于他对光线捕捉细腻，同时注意对人性与人心里的观察，所以他所画的人物总是能抓住其作为人的情感特点，并毫不掩饰地将其表现出来，如岁月留下的痕迹、隐秘的内心世界等。也正因为如此，伦勃朗的油画作品被认为暗含着深刻的含义，而其对画面单纯化与平面化的强调，也使其画作具有较强的韵律感。《牛肉》是伦勃朗的代表作之一，因为这一画作创作之时伦勃朗正陷入穷困潦倒的窘境，在人生的低谷期，他急于用画作来证明自己，所以他创作过程中没有对细节进行较多的刻画，而是直接以装饰性色彩来呈现画作背景，以求借助自己的主观性表达多吸引一些慧眼识珠的人，以帮助他脱离窘境。可见装饰性色彩的运用在补足细节中的重要性。

（二）梵高作品分析

梵高是荷兰19 世纪的后印象派作家，他早期画风写实，辗转到巴黎后认识了许多印象派画家，同时接触了一些日本浮世绘作品，这改变了他的画风、思想，后来他在法国南部认识了高更，但两人在结交不久后遇到了理念上的分歧，很快结束合作，几经坎坷，梵高最终因为疾病时常陷入疯癫，然而即便遭遇挫折他也没放弃绘画。梵高尤其对麦田、向日葵等题材有着强烈的执着，同时也具有悲天悯人的情怀，常将有关情感投射于油画创作中，透过对装饰性色彩的使用，让画作中的情感呈现得淋漓尽致。尤其是他处于疯狂状态的那几年、他画作上明艳的色彩奔放而夸张，为当时的绘画领域带来了一种别样的时尚感。如今我们评价梵高，必须要承认的一点就是他的绘画对色彩的运用，尤其是装饰性色彩为其作品的情感表达奠定了良好的基础，他那种不追求作品真实感的绘画创作方式也让其作品在一众作品中独树一格。如《向日葵》中大面积的黄色（土黄、柠檬黄）的叠加，就让欣赏者们产生了五彩缤纷的视觉体验。

（三）塞尚作品分析

保罗·塞尚是与梵高同一时期的法国油画家，与梵高同属于印象主义画派，其一生最大的成就就是对色彩和明暗内容的深入分析，颠覆了以前认定的视觉透视点，他让绘画领域出现真正纯粹的艺术，因而他也被称作现代艺术的“教父”。而塞尚的成功与其对色彩的执着息息相关。他反对印象主义忽视素描，同时重视绘画的形式构成，无论是远景还是近景，他都要素描勾勒，并通过大胆的用色让简单的线条丰富起来。如《水果盘、杯子和苹果》这一作品，物体都勾勒着简单的线条，但是在画面布局上，塞尚采取了画面扁平化的处理方式，减少了物体虚实的表现，同时让画作的主体——桌子及物品得到了充分凸显，也算是对装饰性色彩应用的一种体现。

（四）马蒂斯作品分析

马蒂斯是20 世纪法国著名的油画家、雕塑家，作为野兽派的代表人物，他善于用装饰性色彩表达画作的情感与节奏感，用简单的色彩抒发自己内心的情感态度。起初他刻苦实践野兽派的艺术表现手法，后经深入的研究，他终于能够对油画的野兽派风格有一些突破，形成了极具特色的个人绘画风格。以其代表作《舞蹈》为例，马蒂斯在创作过程中使用了红黄蓝绿等明艳度较高的颜色，相比其他油画家的画作，马蒂斯这一对装饰性色彩的使用显得有些粗犷，但却也在简单的色彩对比碰撞上带给人以丰富的视觉刺激，画作中的人物犹如被某种原始而又强大的力量所控制，他们的身体在装饰性色彩的构建中近乎疯狂的扭动着，显然蕴含着浓烈的个人情感，而马蒂斯也因此在新时期获得了人们的认可与追逐。

五、结语

油画的装饰性色彩即是按照美学及画作创作者主观意识对物象进行创作的一种表现形式，强调构成形象的有序性和规范性，也侧重用简单、质朴的艺术语言来刻画复杂、多样的精神内涵。装饰性色彩在油画发展的几个世纪中为各个派别的画家提供了创作灵感，同时其也在几位现实主义画家、印象派、野兽派等派别画家的影响下拓展出了多重的表现特征与功能，为后世油画创作者的绘画运用做出了良好的铺垫。油画创作者在创作油画过程中可从光影的运用、造型刻画、空间布局和韵律体现中深化对装饰性色彩的使用，并在梵高、马蒂斯等优秀画家的作品中总结出更多装饰性色彩应用与表达方面的经验，以对自身画作不断完善。