探析戏曲舞台服装设计的审美需求

■ 王 丹

针对戏曲舞台服装设计审美需求进行分析的价值如下：其一，助观者透过戏曲舞台服装捕捉信息，对剧情发展、人物形象、表演主旨等方面有更为深入的理解，增强观者与表演者的共鸣；其二，为演员表演服务，保障演员能在服装设计合理的前提下提升戏曲表演水平；其三，在服装设计中引入新时代元素，助戏曲发展与时俱进，将服装设计视为戏曲舞台表演艺术发展的抓手之一。基于此，为助推戏曲表演艺术良性发展探析舞台服装设计审美需求显得尤为重要。

一、戏曲舞台服装设计的审美要点

1. 形式美

戏曲舞台表演形式感较强。以乞丐的造型为例，在多数的音乐剧、话剧等舞台表演中乞丐破衣烂衫、满是污垢属于常态，然而在戏曲表演中乞丐却身着富贵衣，穿得较为体面，服装造型既可以明确其身份又具有美感。与乞丐服装设计异曲同工的还有穷书生、小书童、小丫鬟等，虽然这些人身份地位较低，但穿得仍然整洁体面，使戏曲舞台的美感不受影响。才子佳人、僧道神仙、王侯将相等人物的服装更是如诗如画。根据人物特点进行差异化设计，使服装设计可为戏曲程式化表演服务，观众能通过服饰造型分辨角色，同时满足审美需求。

2. 意象美

戏曲表演侧重写意，人物服装成为艺术语汇的一种，助演员抒发溢于言表的思想感情。通常情况下，才子佳人服装清雅秀丽，将军战士服装威武霸气，服装设计的侧重点在于展现出舞台角色的精气神，使演员可增强人物的意象美。以水袖为例，演员舞动水袖增强变幻性，既能凸显其戏曲表演艺术功底，又能展现人物的内心世界，水袖舞动的瞬间似乎道出了千言万语，喜怒哀乐之情表现得淋漓尽致，同时可表现出演员动作的美感，达到服装设计满足审美需求的目的。

3. 意境美

戏曲世界源于现实生活又高于生活，用程式化的表演、意象性的设计共同营造优美意境，同时舞台意境亦是戏曲表演的一部分，使观众能沉浸其中，被亦真亦假、美轮美奂的意境所吸引。意境的创建具有综合性，包括灯光、布景等方面。服装设计亦是不可忽视的一环，其需融入戏曲舞台，与灯光、布景、人物、妆发、唱词等方面相得益彰，犹如画布上流动的色彩，在或和谐、或反差的场景中展现美，并指引观众发现美，继而实现强化戏曲舞台服装设计审美功能的目标[1]。

二、戏曲舞台服装设计的审美原则

1. 程式化原则

戏曲舞台服装设计较为规范，这是相关剧目流传至今且承载浓厚文化底蕴的关键，无论是戏曲舞台表演还是服装设计均需遵循程式化审美原则，根据戏曲舞台表演的特定标准为角色量身定制服装。受古代封建制度影响，戏曲舞台服装设计限制较多，这使得服装造型更趋近于生活常态，用象征性元素表现某个阶层，满足观者审美及理解表演内容的需求。戏曲人物地位、性格、年龄等因素可能会对戏服设计带来影响。基于此设计出许多套装款式及配件，用指定的程序规范使用套装及配件，以免戏曲舞台上的人物造型让观众感到困惑，确保观众能接受文官装、平民装、妇女装等服装造型，将观众审美意识形态与戏曲舞台的程式化表演关联在一起，继而在赋予服装造型美感的同时使服装服务于戏曲舞台艺术表演。

2. 丰富性原则

通过对戏曲舞台服装造型进行分析可知，色彩艳丽是其主要特征之一，从视觉上给观众带来良好的审美体验。因为传统戏曲舞台表演并无大屏幕，观众与演员距离较远，所以服装设计有夸张的元素，为的是让观众能更好地区分人物并从服饰获取信息，如演员之间的关系、人物是忠是奸等，使戏曲舞台表演内容更利于理解。除颜色多元、造型丰富外，不同剧种服装设计亦存在区别，尤其在诸多传统剧目新编的过程中服装设计引入新元素，使人们的审美视野得以拓宽，提高了戏曲的舞台观赏性。

3. 律动性原则

戏曲舞台服装设计为人物形象的塑造而服务，这就需要服装符合剧情常理，能生动地展现人物特点。戏曲表演讲究身韵美、音韵美、气韵美，服装设计需配合语言、曲调、唱腔、舞台空间调度、造型动作等方面增强功能性，使演员的行动不受限，保障服装具有律动感，将服装视为舞美的一部分及演员表达情感的媒介。程砚秋是我国著名的京剧表演艺术家，其使用水袖的方法包括扬、挑、抖撑、勾、拔等。这些动作对韵律有极强的要求，需线条流畅，同时优化水袖与演员身高的比例关系，保障演员能高效使用水袖展现身韵美与气韵美，水袖的起落犹如水墨般灵动，在舞动中传递思想感情，给观众带来美的体验。除水袖外，髯口、裙摆、扇子、头饰等均需具有律动性，让角色动起来、活起来。以旦角脑后长垂的线帘子为例，在演员舞动时线帘子及身前的两绺会跟随脚步摆动，展现旦角大气、端庄、淑雅的姿态，体现出身段的轻盈，凸显女性体态的古典美[2]。

三、戏曲舞台服装设计的审美趋势

1. 展现剧种特点

我国传统戏曲种类较多，各剧种泾渭分明，有自己独到的艺术审美体系，虽具有相通之处，但在戏曲舞台服装设计审美发展进程中仍需传承特有基因，凸显剧种特点，使服装设计更为严谨合理。以秦腔戏曲服装为例，其图案、花色、纹样、布局非常讲究，长期以来形成约定俗成的服装图案装饰设计规律。例如皇帝的箭衣、帔、蟒袍等均使用行龙、盘龙、团龙等图案装饰，皇后的宫衣、帔等则用飞凤、立凤、团凤等纹样图案装饰。基于此，戏曲舞台服装设计需保留各剧种的特点，在设计改良之前需充分掌握剧种历史、特点、主要剧目、角色行当等信息，为服装差异化、特色化设计提供依据，满足各剧目角色造型审美需求。

2. 引入时代审美理念

戏曲舞台服装设计通常会采用比喻、会意、谐音等方式达到设计目的，在设计中引入审美观、世界观、哲学观等思想理念，戏曲作为传统文化在新时代推广的载体，一方面需保留优秀的设计理念，另一方面需引入时代审美理念，为戏曲艺术融入新时代提供着力点，从服装色系、做法、布料等方面着手寻求创新，使戏曲舞台服装设计能满足新时代的审美需求。

3. 增强设计审美的综合性

从演员角度来讲，戏曲舞台服装设计需与其身材、角色行当等方面相关，根据面妆、头饰及身段技法等客观条件予以设计。从戏曲舞台演出角度来讲，服装是舞台设计的一部分，要配合剧情、舞台空间、布景、灯光等环境氛围给观众带来美的享受。以秦腔服装刺绣技艺的使用为例，该技术本身需具有系统性，从妙用、肖神、配色、求光、慎性等方面着手下功夫，同时需在舞台上给观众带来琳琅满目、耀眼灿烂、华美艳丽之感。服装的灵动性需与秦腔的艺术性和谐统一，在舞台环境氛围中服装图案、色彩、线条与光影交相辉映，在此基础上助推剧情发展、有效刻画人物、传递思想感情，继而保障服装设计为戏曲舞台表演整体效果的优化而服务[3]。

综上所述，戏曲舞台服装设计要讲究意象美、形式美、意境美，在设计进程中推行程式化原则、律动性原则、丰富性原则，使戏曲服装设计可助演员塑造人物形象，将演员身韵美、气韵美、音韵美展现出来。未来戏曲舞台服装设计会更加注重彰显剧种特点，传承戏曲优秀文化基因，引入时代审美观念，增强设计审美综合性，关注服装与戏曲表演其他要件的关联，继而助推戏曲舞台服装设计审美的良性发展。

注释：

[1] 杨柳：《论戏曲舞台服装设计的重要性》，《 文艺生活•文海艺苑》，2018年第7期

[2] 池杰：《戏曲舞台服装设计意象思维》，《戏剧之家》 ，2018年第22期

[3] 汤亚波：《色彩表现视域下舞台服装设计探究》，《速读•下旬》 ，2019年第9期