浅析色彩在油画中的艺术张力

许笑波

上海大学上海美术学院 上海 200021

一、油画中色彩与艺术张力的关系

色彩作为物体的一种属性，是客观存在的，任何物体都具有色彩属性。现实中遍布着各种各样的色彩，共同构成了绚烂多姿的世界。存在于自然中的所有颜色可以划分为两大类：有彩色系、无彩色系。有彩色系主要包括我们日常所熟知的红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等颜色。同时，不同明度和纯度下的红橙黄绿青蓝紫色调都是属于有彩色系的范畴。

无彩色系主要是指黑白灰三色，灰色则是中间色，是经由黑白两色调和出来的，按照不同比例黑白亮色所调和的灰色也是各不相同的，主要体现在明度上。无彩色系在绘画中的应用有其独特的审美意义。例如中国传统的书法艺术和绘画艺术便是如此。这不仅与中国人自古以来的独特世界观和精神气质具有内在的本质联系；同时也与中国传统纸上艺术的材料相关，墨与水的交融流淌借助毛笔的运动在宣纸上显现出生命的真谛、宇宙的规律、自然的神韵以及道的本质。墨虽分五色，却蕴含无穷变化。

此外，西方的现代油画也不乏对于无彩色系的尝试和探索，例如马列维奇的至上主义，在其作品（图1）《白上白》中，那一片灰蒙的白色象征着终极的、无限的、至上的精神境界。白色正方形象征着人的意识，当其脱去物质性时，留下的便只是那些朦胧的痕迹。当无数方块聚合在一起之后，它的形消失，最后留下无限的白。从某种意义而言，马列维奇的白正是他的艺术之道。[1]这与道家的“大象无形”以及“天人合一”观念也有异曲同工之妙。

图1 白上白 马列维奇 1918 年 （来源：网络）

艺术张力与物理学中的“物理张力”相区别，艺术张力主要是指艺术作品内在和外在与社会中人相互作用而生发的一种艺术感染力。从某种意义上来说，艺术张力充斥在人们的审美活动中，并推动着审美活动和艺术想象的发生、发展、直至高峰。所谓艺术张力就是通过艺术作品的主题独特的角度、表现形式、技法、造型、构图等因素来实现作品在视觉上的冲击力和情感上的感染力。[2]它是一种作用于视觉的“力”、同时也是作用于心理的“力”。艺术张力贯穿于艺术作品中“真”“善”“美”对观者的整个显现过程。

色彩可以直接作用于人的心理，触发观者的情绪，激起观者的情感。对于色彩的合理运用，不仅能更好地传达作品主题（作品中“真”和“善”的部分），也使得画面具有更强的表现力（作品中“美”的部分），从而将作品中的真善美三者完美结合起来，蕴含强烈的艺术张力。

对于色彩在绘画艺术中的运用，不仅有彩色系和无彩色系二者具有不同的艺术张力和审美效应，此外，色系中色彩的对立以及协调关系也具有不同的艺术张力，且所呈现的总体色调面貌也不相同。

二、油画中色彩的对比与艺术张力的关系

色彩之间的对立关系在绘画中具有独特的美学品质，也是重要的形式美感来源之一。卓越的艺术家擅于处理色彩关系并将其完美地呈现于画面中从而突出画面中的色彩这一形式要素的独立美感，从而烘托画面氛围，触发观者心绪，激发艺术想象，升华艺术主题，强化艺术感受。

在马蒂斯的《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》中（图2），画面背景选用了一组对比色红绿大面积填涂为两块面积不同的矩形色块，然而同时又被画面前段人物形象的外部轮廓切割成不规则色块并与其相互衔接，其中产生的线条变化丰富，方圆结合，刚柔并济，具有节奏鲜明的视觉感受。背景左侧色域部分与右侧对立，同时又与人物衣服以及脸部颜色相协调。画面中橙红色（暖色）部分集中位于画面左侧，蓝绿色（冷色）部分则位于右侧。人物脸部脖颈颜色也是按照如此关系进行排列，然而脸部左侧颜色偏暖，右侧则偏冷，与画面整体色调分布规律相对；脖颈颜色对比形式则又与整体一致，求同存异，正反相间，冷暖对峙。红色上衣和暖色面部之间又被绿色衣纹隔开，脸部中线又竖立一条绿色带状条纹，自然地将眼睛和眉毛的深颜色拉进色阶秩序当中；同时又与人物五官构成和谐的线性关系，鲜艳的绿色条纹暗示面部中线，体现对称之美；然而人物面部中线却与背景色块交线错位，与人物上身中线不在同一平面，矛盾迭起，张力曲折。对于色彩关系的如此处理和运用则是典型的野兽主义风格，色块是马蒂斯表现自我的手段，马蒂斯认为：“艺术决不能抄袭自然，而应是表达自己情感的手段”。[3]在马蒂斯的画中强调表现内心主观感受，不以真实模仿客观现实为准则，宁愿以平涂的手法舍弃体积感，透视感，空间感而着重表现色彩关系；在笔法方面，直率而粗放，小心经营，大胆施展。彰显了色彩以及色彩相互关系之间的惊艳魅力，使观者体悟到独特动人的形式美感，渗透着强烈而充满秩序的艺术张力。

图2 《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》 马蒂斯 1905 年

三、油画中色彩的协调与艺术张力的关系

色彩之间存在着对立（对比）关系，自然也就具有统一（协调）关系。“对立”给人以水火不容，两极相对的运动（变化）之感，产生强烈的视觉感受和艺术效果；“统一”给人以水天相接，相辅相生的静谧（永恒）之感，营造和谐的画面氛围，产生自然协调的艺术效果。

英国著名的风景画家克劳德·洛兰的油画作品（图3）《夏甲，天使和风景》中，整体色调为蓝绿灰色，画面氛围和谐统一。画面中景山树部分和前景森林树木以及画面最前端陆地部分整体上处理为树绿色，且每棵树木的颜色在色相，纯度和明度上都有细微差别，并不是都设计成一个或一块颜色，在统一中求得变化，在整体中彰显韵律，在质的范围内包含着量的浮动，异中求同，同中存异，色彩上和谐关系的处理妙如神笔。画中的树木其颜色普遍是树木本身的一个固有色,树木的表现甚至看不出笔触,挺拔高大。这种极其完美的“树”也是洛兰对古典风景的总结,是表现“如画”风景的重要元素。[4]画面中景湖泊与远景山脉和天空的颜色总体上则处理为浅蓝灰色，明度上也比前景树木山石的颜色要高，将画面瞬间提亮了不少，为前景幽暗，压抑的黑夜之感缓冲了许多，给画面增添了不少生动的灵气；同时也加强了画面的空间感，渲染了画面中自然、悠闲、旷远、活泼且静谧的气氛，给人以优美轻松的艺术感受。古典主义绘画非常注重画面色调的和谐统一，协调的色彩关系会给画面营造一种永恒的气氛，迸发出优美的艺术美感。

图3 《夏甲，天使和风景》 克劳德·洛兰（来源：网络）

四、油画中对色彩的运用在西方油画史中的发展变化

油画中对色彩的运用在西方油画史中的发展变化总体上体现为由古典的、传统的色彩色调转向为现代的色彩色调。此外，色彩在油画中的意义也从传统的再现客观现实转向了通过色彩来表现主观真实。总之，艺术作品作为社会文化以及个人意志的显现载体，同时也承担着一定的社会功能，随着社会历史的变迁，艺术的总体面貌及其“本质”意义也会随之改变，这是历史的规律，也是艺术自身的规律。

结语

色彩作为油画艺术中极其重要的形式要素之一，具有不可忽视的审美表现力且蕴含着强烈的艺术张力。色彩在古典油画和现代油画中的审美价值和存在意义大不相同甚至是完全相反的。然而，在当代语境中，色彩这一的要素依然具有重大的研究意义和表现潜力。在当代艺术生态的多元性和包容性中，作为一个艺术创作者，应该逐渐形成自己的世界观及艺术观，并不断探索相关的艺术实践，其中，色彩这一独特的叙述语言可以作为重要的选项之一。