草图于创作的价值与其特点分析

陈宏庆 包婷瑶

草图是容易被忽视但却对后续意义重大的一项工作，是对创作的信息保障和效果推演，使后期效果在一定程度上拥有可控性。从基础出发通过各个方面考虑影响创作的因素绘制一张甚至多张草图，从而达到最终画面和谐科学同时富有表现力的效果，应突破大部分人观念中草图只是简单勾勒的桎梏，创作前草图的积累是一个确定思想构图色调等的有效环节。在前期手稿的过程中注意不同的姿态位置和色调对画面甚至包括风格的确立和艺术语言的表达的影响，所提升的能力和系统全面的草图绘制是后期创作的有力支撑。

草图是画面结构稳定严谨、色调和谐统一的前提和保障。创作是一个从无到有的过程，为了让创作更加生动鲜活，草图是必不可少的基础环节。通过在草图上不停调整人物位置和动作以及人物组合中不同人物之间的关系，才能确定每张画中所有构成部分的最佳方案。从古至今，草图在创作中的作用都无可替代。无论何种绘画方式，都需要通过草图来保证后续创作的顺利进行。

在技术革新的时代，如今有些画家通过摄影采集图像以及PS 合成等技术来完全代替草图，这肯定不是最佳方案。不可否认现代科技对于保存图像的便捷，比如记录动态的或者无法长期作为模特的人物群体。我们确实需要并且应用这种技术，这对于保存瞬间的画面是一种非常有效且精准的方法，可以是草图构成过程中的一部分，但绝对不是对草图的完全代替。草图作为能够迅速地构建眼前的景象的工具，不仅仅是单纯的复制画面客体，而是有意识地去处理画面，否则绘画就失去了意义。绘画之所以能够在某种程度上胜过相机，正是因为这是带有画家审美的再创造的过程，而非简单的缺乏思考的真实再现，这种主观意识的处理是一种感受性的做法，让画面更加具有表现力和人文价值。埃乌琴·博巴认为：“画素描是从我们看不见的东西开始，而以看见的东西结束。”当草图的准备更加充分时，素描与色彩才能获得更准确或富有张力的适合画面的表达。

草图是灵感的捕捉，在前期思考的过程当中不一定能一步到位构想出整个作品，不时闪现的灵感和新的想法都被记录在草图当中。通过一些小的构思点，将其整合形成一个较为完整的即时画面。草图记录和代表了画家不同时期的想法和心理，自然而然流露出的情感经常具有触动人心的效果，这是作者本身内心在二维平面上的映射，感染力和表现力在纸张上的升华。约翰·辛格·萨金特对于同一主题内容通常会绘制大量不同类型的草图并准备各种尺寸的画布以便及时记录各种灵感，例如《X 夫人》流传的草图就包括了素描头部草图、素描半身草图、素描全身带场景草图以及水彩半身场景草图等，逐步确定了画面的姿态构图与色调。巴伯罗·毕加索大约留有7000 张草图，足见草图的重要性。它随着作者想法的改变而变化，随着画家思路的抽丝剥茧而在纸上逐渐清晰，可以说是画家思维的一种展示，蕴含了后期想呈现的画面中的重要信息，包含了作者感性和理性的思考，从而筛选出最能体现画家想法的画面。

不少人认为草图是可有可无的，其实不然，反复推敲的草图无论是精密度还是完整性都是未经雕琢的直接作品难以比拟的，对后续的推进工作意义重大。经过慎重考虑的画面才是相对科学的，不至于留有太多纰漏，虽然绘画是感性的、富有想法与激情的，但始终要保持画面内容的准确性，草图是至关重要的准备工作。历史上大部分绘画大师都有手稿留存，手稿非常明确且清晰的保留了画家的思考过程，这是画家创作出更富有感情和张力的作品的有力保障，也给予后世人们对于那个时代作画过程思考的契机。可以说草图是通过了历史检验的有效艺术形式。

草图的尝试可以分析画面不同构图与色调所形成的视觉冲击与情感表达从而确定最合适的画面构成形式。只有在否定和完善中才能得出创作的最佳画面，通过调试才能确定最合适的方案使画面更加科学、合理，所以创作前草图的构思和记录有其重要性和必要性。创作应该从基础的草图做起，在绘画过程中就减少失误，培养形成对最后画面的把控能力。

欧仁·德拉克洛瓦名作《自由引导人民》《西奥岛的屠杀》都用了稳定的三角形构图，前者的画面结构辅助主题更好地突出人民坚定反抗的决心，在主基调选取时采用了法兰西三色旗的颜色，烘托了对自由的向往，并且和主体人物自由女神手中的旗帜形成呼应；后一幅画面以强烈的色彩对比和成熟的笔触奠定了该作品给予观者巨大视觉冲击的基础，使人们更能体会到被压迫下群众悲戚无力的情感。两者都通过构图将大场景巧妙地联系在一起，避免了人物过度分散而导致画面凌乱的问题，优秀的构图使画面极具张力。约翰内斯·维米尔代表作《绘画艺术》则使用了左侧绘制掀起的窗帘、强烈的透视与空间纵深感使观者更能身临其境地进行代入式欣赏，体现了画家在创作前精巧的构思。尼古拉斯·普桑作品《福西戎的葬礼》通过构图上的创新将人物作为非常小的体量去刻画，花费大量的笔墨描绘背景古希腊城邦的恢宏美好，反衬出福西戎遭遇的不公，又使用了较暗的偏灰调的色彩突出福西戎妻子的悲痛哀伤。普桑对于作品因素全面的考虑使其绘画作品富有哲理和思考性的悲悯的特点。卡尔·巴甫洛维奇·布留洛夫的《庞贝的末日》的明暗构成以暗色为主暗喻末日的环境，人物所处的方位使用亮色，显示出在这样的背景下人们依然相互依偎、不离不弃的人性光辉。诸如此类许多优秀经典作品的主题构思、构图与色调都是经过深思熟虑和手稿的推演才能拥有这样的艺术效果。

画面后期效果除了画家自身的水平因素之外，这几个构成部分也是在考虑草图时必不可少的。除了人物的准确刻画外，时代性、地域性也是画面构成的重要组成部分，需要仔细考究，另外为了画面基调和中心思想的表达，画面的形式性也不可忽视。

草图不光只有整体的草图，当画家进行一些大型创作的时候，除了人物形象和动态与动态之间的联系的草图外，还会作一些细节部分的手稿，包括一些手脚、衣褶等细节草图。不同的肢体动作、位置都表达出不同的情绪，甚至于某些衣纹都有暗示作用。有些草图中还有带有辅助线条和文字注释，来保证画面组成的严谨性以及更好的记录画家即时的想法。莱奥纳尔多·达·芬奇在安德烈·德尔·韦罗基奥要求所有门徒学习解剖学的契机下解剖了30 余具人体，留下了大量的解剖图，深入了解了人体不同器官及肌肉的构造，使得绘画功底更加扎实。而且由于达·芬奇发明家、工程师等职业的需求，其草图具有非常严谨的特点。草图不要求精细程度可以简略，但想法和结构都需要明确。

当画一些具有某一时代特色的画时，需要去研究当时的穿着服饰，例如旗袍、唐装、中山装等等，以及那一时代特有的建筑以及环境。另外光源和明暗等等都是隐晦的时代背景的表达方式。在绘制草图时，要非常严格的查阅资料以确保具有时代特征事物相符合。

不同地区的自然风貌和动植物以及建筑样式都有区别。在构思草图的时候必须考虑到背景的准确性，否则这张画的画面构成是经不起思考的与推敲的。画家不仅要保证人物的丰满塑造，也要让人物在这张画面中成立。

不同形式的油画的草图也有所区别，比如古典油画和当代油画以及表现形式的油画的草图其构成形式都有所不同。古典油画的草图就需要更为准确的结构，线条相对柔和，而表现形式的草图更倾向于画家内心情绪的展露，当代油画则介于两者之间。各种题材的色调也都有差异，冷暖色调以及高调或沉着的调子都有它内在的含义。比如进行历史题材创作的时候，就需要用深刻的调性来暗指我们对历史的思考以及尊重。当画一些当代现代年轻青春题材的时候，就可以用靓丽的色调来表达积极向上的态度与思想。

草图没有特定的风格与完成度，无论狂野或细腻都是画家前期的一种迅速记录也可以理解为画家的心理映射，甚至同一画家在不同情境下所做出的草图风格也是有所变化的，这些都带有画家本人艺术特质。绘画水平是有区别的，但是风格不应该是标签化的，不应被评定孰优孰劣，任何风格都不应该被否定。应该去创作感受性的线条而不盲目跟风，多尝试以探索个人合适的风格。立体画派创始人巴伯罗·毕加索和文艺复兴三杰之一的拉斐尔·圣齐奥，他们两者的画风截然不同。毕加索虽然在不同时期创作风格有所区别，但保持了一贯大气粗犷的手法，拉斐尔的艺术特点以突出人物的柔和圣洁为主。但两者的画面无疑都非常精准和生动的，甚至可以说草图本身就是一种艺术品。当画面所传达的信息能非常完整的被观者所感知时，画面是否非常完整已经不是一个必须的条件了。

对于再现的客观对象我们需要理性的观察和感性的画面，是画家通过观察之后以自己的方式所表达的作品。不同的人对复杂的社会对象所拥有的感受是不可能完全相同的，所以理论上不可能有两个人所做出的画面是重复的。应该开放天性，除去模式化的教育理念残留，这之后所得到的画面是不可复制且具有开发潜力的。事实上不仅草图如此，后期的创作也是相似的，不应过度依赖特定的风格而埋没自己本身原有的感知力，学习并不是一个专业模式化的环节。

重视草图的功能并加以利用，人们都可以从这个过程中受益匪浅。草图帮助我们开拓了创作思路，增强了画面的美感与和谐度。历久弥新的思维载体能进一步丰富画面所蕴含的内涵，作品的思维深度和艺术价值也有所提升。