问答环节

Q&A

观众提问：请问文化机构如何与观众互动？是以传统的、实体的途径，还是也可能有数字化、虚拟的途径，这些新的途径又将如何塑造新的创意社群？

斯加雷·埃克斯:对于像英国V&A博物馆和博伊曼斯·范·伯宁恩博物馆这样的老馆来说，我们已经有十四五代的观众了。当我们进入21世纪和互联网时代，我们发现自己的馆藏信息没有那么容易能被搜索到。而现在，依托Depot和东馆，我们可以有新的模式来分享特定的知识和信息，不需要强调镇馆之宝来吸引游客（很多人参观V&A博物馆或博伊曼斯·范·伯宁恩美术馆只是为了那几件馆藏明星作品）。所以我们可以实现更细分的知识投递，这将变成未来博物馆的一种积极特征。而实体的建筑与互联网都将为新兴人群提供感兴趣的事物。

史文倩：在未来，观展更多是观众与艺术作品的互动，观众如何看见展品背后的故事，包括它的创作过程、它如何被收藏。这样的视角要求我们设计一种新的空间来契合这样的精神。

长谷川祐子：是的，观众才是博物馆的主角，而非艺术家、策展人或艺术作品。我们从一开始就是这么做的。那时还没有Instagram，但人们已经开始在博物馆内拍照了，因为他们觉得博物馆很美。这是观众对于空间非常简单的视觉交流，人们谈论博物馆空间，也会谈论他们在空间中的感受。我们做了一个公开征集，邀请公众来使用我们的空间，这开启了一种新模式。人们在这个过程中能够自主探索如何展示艺术作品。

克莱尔·麦克霍恩：在收藏与研究中心，我们想展出每件作品背后的历史故事，以及它们的起因。这些展品可以用于研究，观众可以来到V&A研究每件作品，我们积极推动这种研究型的观展方式，并让人们知道可以这么做。观众可以与展品形成一种新的关系——以前在展厅的叙事逻辑提供的只是一种方式，观众会跟随展览的叙事线索。但可能有其他构建与展品联系的方式，可以激励观众做一些新的尝试，探索如何使用这些展品，并创作新的作品。

大卫·阿林：向博物馆预约以真正地接触展品，在过去听起来似乎是不可能的。谁会知道应该打电话给谁，或者应该发邮件给谁去问怎么接触某个藏品呢？现在，公众或许因为别的原因开始来到博物馆，并且意识到这里存在很多其他的机会。我认为这是非常令人兴奋的实验，它可以在未来转换，并创造出新的观众群体。

赵蓉：大家都提到了观众自主策展这种主动性。我想，观众对展陈的重新发明，可能也会反过来影响机构的策展或教育实践。

叶滢（《艺术新闻中文版》主编）提问：4家博物馆分享了从建筑理念到建筑设计的整个过程，从中也可以看到21世纪博物馆的变化，这是一个不断开放的过程。除了建筑设计的透明开放，博物馆不断地把观众引入到它的核心地带和后台。开放之外的另一个总体趋势是联结，比如和社区的联结，和观众的联结，还有博物馆空间内部、内外的联结。但另一方面，刚才槇综合计画事务所的长谷川龙友在结尾处提到，这次疫情可能会深刻影响近20年的很多设计和工程概念。今天参与论坛的4个博物馆的设计工作基本上都是在疫情之前完成，那么未来，如果我们重新考虑博物馆的设计，包括和公众的关系、和社会的关系，以及目前全球政治、经济、文化变化的状况下，博物馆设计需要考虑哪些新的元素？

奥雷·伯曼：我们需要以量化指标之外的方式来衡量博物馆的影响力或成功。我认为这是很重要的。如果我们将各种活动转移到网络上，我们肯定不能只依赖浏览量。

长谷川祐子：我们想要有很大的观众客流量，但这很难做到。因此，我们必须想办法扩大展览的影响力，把展期延长，以确保观众有机会来参观。另外，交通便利也是一个要素，疫情下交通和运输变得困难，借展费也越来越贵。因此我们必须充分利用现有的馆藏资源。今天看到伯宁恩和V&A的项目都提供了绝佳的展示和储藏艺术品的方式。另外，线上媒体化展览也是一个重要的方向，我经常与媒体艺术家打交道。他们很有才华，运用新的技术，以在线的方式创造真实的体验，由此触达无限多的观众，还可以举办纯线上的展览。我们必须很灵活、很开放，这一点对我来说是最重要的——保证观众能一直有机会接触和体验艺术，接触到新的知识、进行知识的转化。我们这些专业的博物馆人员应当履行这样的职责，思考艺术的媒介及内容，以及是否有不同的方式让观众接触到这些作品。

斯加雷·埃克斯：我觉得，我们需要做的恰恰相反，我们应该降低对观众量的期望值。为什么要像涌到巴黎看《蒙娜丽莎》那样，达到每小时五千名观众呢？即便那样又如何呢？我们可以降低对访客量的期望值，提高每位观众获得的信息品质。我不认为互联网能够取代线下实物，与一件艺术作品面对面的真实体验是无可替代的，必须身临其境。或许我们可以在建筑中实现个体化的体验。大众交流可以通过互联网实现，但个人化的体验也是不容抛却的。

长谷川祐子：你讲得很对，但现今需要被纳入考量的不仅仅是绘画、物件等实物艺术形式，也需要考虑媒体艺术，比如录像、虚拟现实等形式，会有不同的内容。我和学生、年轻艺术家们讨论，有时他们为线下展览创造出非常美丽、精确的多媒体文件，包括移动影像，其中运用了令人惊叹的影像语言。有时候需要引导人们以另外的方式思考艺术，不只是提供实体的观看经验。我真的认为有必要思考展览的构成，以及我们如何传递原本的观展经验。构建线上体验即是一种可行方式。

斯加雷·埃克斯:在刚才提到的开车看展的项目中，艺术家布鲁斯·瑙曼（Bruce Nauman）的作品被展示在14米长、7米高的屏幕上，那是一种绝妙的立体体验，作品美妙地在半空中闪亮，到场的观众极其享受这次体验，那就像是摇滚乐手米克·贾格尔（Mick Jagger）每周都在做的事情。不过因为疫情，很久之前我们就停止这种沟通了。所以我们需要考虑发展哪种沟通技巧，才能开创新的技术，或许我们应该同时做到更加小心，也更加大胆。

长谷川祐子：绝对是这样，我们活在一个新感官时代。很遗憾的是，我最近听说了年轻人自杀的新闻。我听说有一个刚刚入校的学生，网课的压力很大，他没法按时完成作业，于是他就觉得自卑、抑郁,又没有朋友可以说话，因为他是新生。类似这样的案例还有很多，都是因为孤独。艺术和音乐这些创造性的活动能帮助人们，表达同情与关心，这些情感沟通非常重要，我们需要认真思考疫情带来的负面影响，用艺术帮助人们相互连接。

史文倩：我认为人类是非常灵活的，总是能够自我调整，应对新的局面。我认为鹿特丹的新展览很棒，驾车看展是个非常棒的点子，不过要是没有疫情的话，这种点子可能根本不会出现。我根本不担心无法适应新的环境，我相信人们可以很容易地适应新常态。

克莱尔·麦克霍恩:我同意在限制的压力下会逼迫出创造力。至于伯曼说到要寻找访客量之外的新评估模式来衡量我们的工作，那我们如何让机构的运作方式更灵活呢？如果我们的投资减少了，又如何调整融资结构来维持机构运营呢？我认为我们都在着手解决这些问题，并着眼于不同的途径，但好像没人能够得出结论，还是有许多挑战摆在面前，迫使我们找到创造性的答案。

赵蓉：是的，我认为博物馆确实面对着许多历史性的挑战。其实不只博物馆，很多行业都在面临巨大的转变和挑战，这也是为什么我们需要变得更有创造力，以一种更开放的思维去拥抱这种创造力。