作曲技术理论在流行音乐创作中的体现（二）——以旋律创作、和声、曲式为基础，分析流行音乐创作中的技术理论现象

文/张津维

（接上期）

（二）流行音乐中编曲的设计

歌曲的编曲，所有的设计元素应该出自于歌曲的旋律、歌词本身，包括鼓节奏的设计、贝斯的律动、吉他与钢琴的织体设计，这样才可以使伴奏声部与旋律本身形成高度融合的格局。比如根据歌词、旋律所表达的内涵与情感，我们可以设计伴奏的风格、和声进行的力度与张力点、音色处理上的设计等。

项目区用水主要依赖于西夏渠所供的黄河水，以扬水灌溉为主，通过采用渠道及管道相结合输水、滴灌等高效节水灌溉技术，符合自治区节约水资源的管理要求。

常见的歌曲主旋律处理方法有三种，即完全重复主旋律、变化重复主旋律、不重复主旋律。这三种手法的使用，常与歌曲的段落、所要表达的情感、歌词与旋律强调的情感点紧密相联。这三种主旋律处理手法也可以在高音区、中音区、低音区上使用，在兼顾了音响上高中低频道完整性的同时，也表达了不同的音乐情感。

以《你怎么说》为例，可以设计三种主旋律处理方式：

·音乐创作的过程

·流行音乐的结构

3.完全重复：有着加厚主旋律的作用。

·常见的乐器音色的选择、使用及和声理论

音色，是我们在学习音乐过程中经常听到、接触到的名词。这个词的惯性含义，也许是键盘手在选择音色时对于乐器类别的选择，如钢琴音色、弦乐音色、管乐音色；也许是吉他手选择合唱音色、失真音色等。但当学习者具备一定的音乐理解能力、分析能力之后，你就会发现，它的含义有可能是“声音的（音）颜色（色），声音的（音）色彩（色）”等。（在一些非音乐专业的场合，人们常常以“音质”来形容声音的品质，其实质含义等同于音乐中的“音色”。）

我国的乐理教学主要以中国音乐学院李重光教授的乐理教材为主。据说这套教材是根据苏联的乐理教材经验编写的，这本书的第一页讲到了音的四种性质，即高低、长短、强弱、音色。通过这四种基本性质我们可做一张思维逻辑导图：如高低可体现为单纯的音符（或音区）、调式、音程、和弦；调式可体现为各民族、地域的特点，如《北京欢迎你》，使用五声调式创作，体现中国元素；音程的设计，可以体现不同的音响效果（音程协和与不协和的划分）、和弦的使用（根据调式以及和弦色彩设计等）；根据长短可以设计音乐的节奏、节拍；根据强弱可以设计音乐情感线条，并可以通过强弱进行力度的对比；根据音色可以设计乐器搭配的色彩。以上单纯的几个基本概念，就涉及了这么多的音乐创作中可挖掘的元素，所以理论是任何一个专业作曲家、音乐人都离不开的创作技术手段。

（三）音乐是如何创作的

4.客户满意度分析机制，对于客户满意度的调查，可以通过各类型调查问卷来进行，但是这种方法最大的缺点就是被动，其效果与客户填写资料的主观性有着很大的影响。因此可以采取数据挖掘的方式来进行，通过采集和挖掘用户对商品、物流和客服的评价信息，进行情感分析实现主动式的客户满意度分析机制。这种分析机制可以主动、准确且客观的分析出客户对商品、物流公司和销售服务的各项调查数据，为改进平台的营销策略提供可靠的决策依据。

音乐的创作是一个综合性的理论与艺术相结合的过程。这里我结合自身音乐学习、创作实践中所看到、积累的经验与流行音乐创作及音乐学习过程中要掌握的理论知识常识进行阐述。

概括起来EOP教学是以学习者需求为中心，紧紧围绕学生需求和职业需求这两个关键点进行。目的是培养学习者在特定的职场工作环境中运用英语进行交际的能力。EOP教学主要强调教学内容和学习任务的实用性和行业性，突出教、学、做一体化。

1.和弦旋律音重复，意境与情感收放上的表现方式。

常常有一些朋友问我，作曲是不是要有灵感呀？这个话题我想搞创作的朋友几乎都被周围人问及过。音乐创作作为一种艺术创作，一定是要有灵感的。这种灵感体现在作曲家本身的风格喜好、艺术与文化底蕴的积累以及专业理论学习的高度。艺术创作是富有想象力的，同时又具有每个人自身的独特性。这些能力每个人与生俱来是不统一的，经过后期的文化艺术学习，文学作品、美术作品、音乐作品鉴赏的学习积累，都可以得到进一步提升。有了这些基础，才有了源源不断的想象力和灵感。当然，必要的理论学习是至关重要的。作曲能力在先，灵感只是伴随创作而来。方法并不重要，重要的是结果。

[15][16]David B. Myers, “Marx’s Concept of Truth: A Kantian Interpretation”, Canadian Journal of Philosophy, Vol. 7, No. 2,1977,p.316, 325.

（5）实验课教学组织。每个实验包含预习实验、实验操作、实验结果及处理、实验报告4个环节。其中，实验前预习实验指导，有些实验可以采用PBL、TBL等教学模式让学生完成一定的综合性实验任务；实验过程中，根据实验方案的操作步骤，要求学生认真进行实验，记录实验过程和现象；实验结束后根据要求写出实验报告，有利于学生对实验内容的加深理解。同时，通过实验培养学生严肃、认真、实事求是的科学态度和严谨细致、整洁的良好实验习惯。

在我国，音乐创作的领域划分也是比较细化的。有的作曲家属于旋律作曲家，有的作曲家属于影视配乐作曲范畴，有的擅长流行音乐创作与编曲，有的擅长儿童音乐创作等等。在歌曲创作方式中，又分为先词后曲（最常见）与先曲后词（《我和我的祖国》张藜词/秦咏诚曲），这些创作门类与创作手法的灵活变化都值得我们积累、学习。

该项目10株变异单株是从300万株组培苗后代中选出的，中选率为3.3×10-6，可见利用无性系变异选育新品种虽然快速有效，但效率极低。为了进一步提高突变体筛选的效率，今后可采用诱变剂对中间繁殖体进行处理。

·创作的元素有哪些

对于初学者来讲，音乐创作往往是非常困难的。东方人的想象力与创作力与生俱来就不如西方人那样丰富。对于我国来讲，在改革开放以前老百姓是很难接触到音乐文化的，这种现象普遍体现在落后的中小城市及乡村。记得小时候曾经有老人问我，你还听音乐？这句话放到现在看，足以可见当时音乐文化的匮乏。作为音乐学习者所经历的一些经验，我先跟大家聊聊在音乐创作的学习过程中令人迷茫的问题。

在学习音乐过程中，我想最普遍的就是选择一门乐器来学习，在这一过程中，自身素质较高的老师会对自己的学生进行乐理知识学习指导。很多同学在学习乐器时，如钢琴、小提琴、古筝等，只是学习了乐器的演奏技术，对于乐曲的分析、理解从未涉及或只是较浅地了解。甚至很多同学在专业艺术院校学习时所学的理论知识不知所用，只是为了学而学，为了考试而学。尤其是作为学习流行音乐的同学来讲，学习传统音乐理论好像和他们所学习的科目毫无关联，根本用不上，也起不到指导作用。实际上对于理论知识的学习，无论哪种音乐学习，都是至关重要的。通过理论知识学习，来透过现象看本质，分析音乐创作者的设计、构思，把理论与实践结合起来，让理论学有所用。

乐器自身所呈现出的音色，与演奏法、演奏的音区有很大的关系。如电贝司，它在低音区演奏时音色深沉，可以很好地补充音乐的低频，承托住整个乐队。它在高音区演奏时旋律感与诉说性较强，可以表达一些具有音乐内涵的乐句。电吉他、钢琴的音色可以很狂野，也可以很温柔。弦乐的音色很善于表情，它适合表达各种蕴含内在情感的抒情性音乐。在流行音乐作品中，打击乐器与色彩乐器及电子乐器音色也是很常见的。如在一些草原民歌作品中我们经常可以听到编曲中加入马头琴的音色，在一些描写江南水乡、温文尔雅的音乐中经常听到竹笛、琵琶、古筝的音色，在一些描写幻觉、天空的广阔等音乐中，经常听到温暖的合成器Pad音色等等。这些音色有的明亮，有的坚实；有的丰满，有的多色彩；有的朦胧，有的尖锐。音色本身的“色彩”是看不见摸不到的，但是音色搭配的逻辑是可以摸索学习的。音色的选择与搭配是正确表达音乐色彩的根源，是音乐创作过程中不可缺失的重要环节。音色虽然看不见摸不到，但每一种音色都可以给人一种听觉上的颜色和色彩。当作曲家在创作音乐前，会针对所创作的音乐内涵选择适合的乐器（音色），来描绘音乐本身所要诉说的故事情节。

·以歌曲创作为例，谈谈歌曲主题及其发展手法

当然，这里介绍的是基本的常规现象，有很多作曲家创作的方式方法是不同的，这和每个人学习与工作时的习惯有关系。学习作曲的过程中，有很多作曲家随身带一个小本子，当灵感闪现时就把它记录下来，这样日积月累，就为今后的创作提供更多优质的、富有独特性的素材。

票务查询系统所需要的数据通过编写网络爬虫程序来实现定向抓取，通过对数据的过滤、分析以及存储来得到系统所需的数据。数据的可视化模块通过jsp页面进行展示，后台服务器采用tomcat+SpringMVC的技术，使用开源的MySQL进行数据的存储，这些技术都是业界成熟多年的技术，完全可以满足本项目的要求。

“一点活计也没有，我穿这一件短衫，再没有替换的，连买几尺布的钱也攒不下，十天一交费用，那就是一块五角。又老，眼睛又花，缝得也慢，从没人领我到家里去缝。一个月的饭钱还是欠着，我住得年头多了！若是新来，那就非被赶出去不可。”她走一条横道又说：“新来的一个张婆，她有病都被赶走了。”

歌曲，尤其以流行歌曲创作为主，在我国音乐文化中占据主导地位。这里面我们不谈高低贵贱之分，只是单纯地以社会接受度较高的音乐体裁形式作为参考，聊聊歌曲创作的技术问题。

1)云南某铁矿选矿厂通过对磨矿、磁选工艺流程进行了重新设计与配置，使得磨选工艺流程得到优化，很好地解决了原有工艺流程中一段弱磁选槽体积矿严重、筒体使用寿命短、隔粗圆筒筛的筛网及强磁介质盒堵塞严重、磨矿分级效率低等问题。

前些年互联网刚兴起时，很多网友纷纷通过网络平台发表自己的原创音乐作品，这里面不乏很多优秀的具有艺术性的音乐作品。首先我想和大家分享一些优秀作品的基本特点。

1.情绪确切、准确。随便翻开一本乐谱，标题左下处都会标注这首作品的情绪，如高昂的、欢快的、抒情的等等。一首优秀的艺术作品首先体现在情绪的准确把握上。如《当兵的人》王晓岭词/臧云飞、刘斌曲。这首歌曲的情绪非常准确、确切，通过进行曲这种表现形式，充分表现了军人应有的纪律严明、作风优良的品格；同时在旋律的节奏设计上，也体现出军人坚韧不拔、势不可挡的气势。再如《青藏高原》张千一/词曲，旋律中的二度辅助音的设计，韵味浓郁、清纯靓丽，赞美了青藏高原的雄伟壮丽，赞美了珠穆朗玛这一心灵的高峰。

2.风格鲜明。一首好的音乐作品，其旋律的音调特征，总是要有鲜明的个性风格，这种特点应该是民族风格、地域风格和时代精神聚合的产物。如《鸿雁》吕卫燕词/张宏光编曲。这首作品使用民族调式，蒙古族的音调特征，描绘蒙古族的民族文化生活。曲调婉转悠长，创作出一个风格鲜明的音乐画面。又如《爱我中华》乔羽词/徐沛东曲。作曲家广泛采用广西、云南等地多个少数民族的音调融合创作而成。轻盈、豪迈、富有民族特色和时代感的主导音调，充分体现了五十六个民族一家亲的画面。

3.性格生动。在为有些直接或间接写“人”的词做谱曲时，必须注意到人物性格的生动、形象的鲜活。要做到这一点，必须要有丰富的生活积累，否则不可能与词作家产生共鸣。如《领悟》《漂洋过海来看你》等这些出自李宗盛之手的作品，旋律通过节奏、音程设计、强弱对比等角度把主人公的人物性格、爱情失败时内心感受生动地刻画出来。

·主题发展的基本手法

音乐创作只有以上几点是远远不够的，必须要从统一的整体出发，符合逻辑、辩证地运用某些发展手法，并在发展中不断渗入新的元素（节奏和音调），来形成对比，清晰地展开乐思，完整、完美地塑造音乐整体形象。

有了灵感与理论的结合，就有了打开音乐创作大门的钥匙。但一首作品本身是否符合创作的需要，还要经过周密的设计。如一首歌曲的创作，首先拿到歌词后，要分析歌词的段落划分，来确定曲式结构。通过歌词所表达的思想内容及感情来设定歌曲的节奏节拍、调式、旋律音程的设计等。通过审视这些创作主题与素材，作曲家开始构思音响媒介，是用抒情的弦乐四重奏，辉煌大气的交响乐队，还是通俗时尚的电声乐队，包括和声、音色搭配、个性化元素的设计等。当这些问题被一一设计解决时，一首作品已经完成一半。作曲家对音响效果的预判能力有些是与生俱来的，甚至可以不用在钢琴上事先弹奏来感受，也有些是经过多年经验积累达到了很高的预判能力。接下来的工作就是通过乐谱的整理，或使用现代手段的电脑音乐制作手法将预先设计好的作品逐一按步骤编写完成。

主题发展的手法有很多，在这里和大家分享几种常见的手法：

1.重复。音乐发展的手法大致可以分为两种，一种是重复，一种是对比。当然，重复也有严格重复、变化重复、局部重复等多种形式。由于篇幅有限，本文中只提及发展手法，不做谱例具体分析。

2020 李维娟 关于利用P2P网贷平台犯罪的实证研究———以近四年裁判文书网上关于利用P2P网贷平台犯罪的裁判文书为例

2.再现。是一种相隔一定距离的重复。常常表现为经过一系列变化对比之后的再次呈现，而获得遥相呼应、首尾呼应的感觉。这种手法对深化、强调主题形象、统一乐曲全局，同时起到收束曲式等方面都有重要的意义。

3.模进。将主导乐思节奏不变，移位重复，从而给音乐带来积极的动势，具有巩固和发展音乐形象的双重功能。可细分为严格模进、自由模进两种。

4.对应。又称溯型，是在保持和基本保持主导乐思节奏形态的基础上，将旋律的进行方向和音程加以某些变化发展而成。虽然这种特殊的节奏重复可带来统一的因素，但注意发展前后的内在联系——终结音之间的调式呼应、音调展开时较多保持主导乐思的某些特点等等，以求得旋律发展的变化、统一、平衡、对称。

主题发展的手法，除上述四种外，常见形式还有变奏、引申、承递、展开、对比等。

2.不完全重复，主要在情绪高点做重复。形成与主旋律的变与不变之间的变化对比，更好地衬托出旋律的第一性与情感表达。

通心络胶囊联合阿托伐他汀治疗经皮冠状动脉介入术后支架内再狭窄患者的疗效及对其炎性因子的影响 … 张扬 刘双江 邹晓译 等（4）490

所谓结构，通俗性理解为歌曲的段落组成部分。通过长期的音乐创作实践，从浩如烟海的、千差万别的、各具特点的作品中归纳出的结构方面的共同规律，就形成了曲式。歌曲的结构有主体结构与从属部分两个方面。

根据上述公式训练，得到用户交易序列中每两个相连交易之间的转移概率，生成所有交易之间的转移概率矩阵。矩阵中的每个概率值表示当前两个交易之间顺序相邻的可能性。

1.主体结构

（1）一部曲式。是歌曲曲式结构中最小的独立性单位，是音乐陈述的基本载体。一部曲式是由音乐陈述的基础结构——乐段所构成，乐段又分为方整性与非方整性乐段，主要有三句体乐段、四句体乐段、五句体乐段等等。

（2）单二部曲式。在歌曲中常由两个表现多样的乐段组成。也就是常见的A、B段结构。分为带再现的，如《踏浪》庄奴/词、古月/曲；不带再现的，如《歌声与微笑》王健/词、谷建芬/曲等。

（3）单三部曲式。单三部曲式在歌曲中常由三个乐段组成，是在单二部曲式基础上发展的结果。同时也分为带再现的单三部曲式（A B A1）和不带再现的单三部曲式（A B C）两种。

（4）多部曲式。由多于三个部分组成的。结构相对复杂，可以表达的作品内涵相对深刻。如《黄河怨》光未然/词、冼星海/曲。

2.从属部分

一首完整的音乐作品除主题结构之外，还应有一些从属部分，即前奏、间奏、后奏、引子、尾声。这些从属部分是作曲家在音乐创作时，根据作品的表现内容有选择性地组合搭配主题结构创作完成的，是主题结构不可缺少的一部分，同时也是提示、烘托、转换情绪，完整地陈述乐思，完美塑造形象的必需。

（四）结语

以上音乐创作所涉及的不同角度，以及学习中的思考角度，作为笔者从学习作曲到从事作曲专业以来的学习、工作经验总结。在音乐创作初期阶段，很多学生、同行、同事对于如何提高自身的音乐创作水平、如何学习音乐创作并没有准确答案，对此笔者研究归纳了初期音乐创作学习的方向与方法。音乐创作是一门具有极高艺术性的艺术实践活动，同时也是多学科技术相互融合的一门学科。对于学习者来说，不断学习理论知识、不断创作积累是音乐创作质量提升的关键。

（全文完）