当时尚与艺术邂逅新潮汐

李靖越

2019年12月的迈阿密海滩上，来参加艺博会的人士正对各个时尚品牌的展位充满期待，无论是上一届Rimowa立起的巨型旅行箱，还是Loewe呈献的由艺术家HilaryLloyd带来的纺织品、声音和视频装置的混合作品，与艺术作品几乎不分轩轾。尽管艺术界时刻保留着对时尚外衣下资本主义话语的警惕，但重新思考这种关系已经开始主流。毕竟这里不仅发售着全球限量24双的球鞋，艺术联名款也与艺术品同等地位，甚至还可以看到一场由KimJones带来的Dior男装秀。

点“时”成金

已经数不清这是Kim Jones第几次以艺术之名大玩花样了。自从2018年接手Dior男装系列之后，他就开启了数个梦幻级别的艺术家联名合作。在2019年夏季秀场，艺术家KAWS为当季秀场现场打造的BFF巨型雕塑，以时装屋创始人Christian Dior为灵感，怀抱创始人的爱犬Bobby矗立于秀场中央，覆以玫瑰花瓣，成为那一季最具话题性的秀场装置。此后，喜爱日本文化的Kim Jones又和空山基合作，在东京上演了超现实未来风格的Dior 2019早秋大秀。Dior还将这座“SexyRobot”搬进了成都远洋太古里，与标志性的熊猫雕塑相映成趣。紧接着他又携极具爆红潜力的艺术家Daniel Arsham，打造了一片千年之后的考古沙漠。选择最具话题性的艺术家进行时尚转译，聚合老牌时装屋与街头语言的对话，将极富个人特色的艺术作品与自身的时装设计，以及时装屋精妙绝伦的制衣工艺结合得天衣无缝，这是Kim Jones总能在艺术联名中无往不利的重要原因。

而对于Kim Jones在Louis Vuitton的继任者Virgil Abloh来说，他的个人经历则是时尚与艺术交融的完美缩影。从一个建筑学硕士到音乐DJ，创立Off一White再到执掌LouisVuitton男装，他破局式的介入是街头席卷时尚中的标志性事件。早在为Kanye West的公司担当创意总监时，他就以挪用的手法制作T恤，俘获一批粉丝。Off-White时期，他又敏锐地把握到“Logo热”，将之与艺术家BarbaraKruger式的招贴文字结合起来。2016年，Virgil在巴黎的首次男装走秀，灵感便是来自已故意大利画家LucioFontana的空间艺术。在Louis Vuitton2020春夏的男装秀，上，垒在模特身上的箱型风筝与其说是衣服，不如说更像一件件雕塑作品。Virgil對雕塑的运用非常密集，这与他对建筑形式的借鉴密不可分，就像他把“Sculpture”印在包袋上，只要是真正懂得建筑与雕塑渊源的人，都会被这胜于无形的表现手法俘获。2018年Virgil与村上隆在伦敦高古轩合作的展览“未来的历史”（futurehistory），让他迎来了真正的艺术家与策展人生涯，一口气在世界各地做了四次合作展览与两次大型个展，他的名字也见证着一个又一个爆款的诞生。

得益于艺术家作品中视觉的矿藏与社交媒体的推波助澜，即使是简单的印花，对熟稔于此的设计师，也总能起到四两拨千斤的效果。RafSimons为CalvinKlein2018春夏系列引入安迪沃霍与CommedesGarconsShirt上呈现巴斯奎特就是此中翘楚。艺术家也在积极地拥抱着时尚，Banksy就开设了首个自主线上商店GrossDomesticProductM.而在用艺术继续神话经典时尚单品方面，DiorLadyArt与Louis VuittonCapucines手袋是佼佼者.DiorLadyArt是在LadyDior经典手袋基础上，特邀不同文化背景的艺术家通过自由创作来对经典包型做出全新诠释，艺术家李姝睿与王光乐都曾参与其中。

偶像不再只是偶像

除了对当代文化的触摸，艺术还常常被认为是更接近年轻人的一种方式。2018年6月，碧昂斯和Jay一Z发布了名叫Apeshit的单曲MV，狂揽2.5亿点击量。为了这部MV，二人包场卢浮宫，每天在卢浮宫拍摄的费用为1.5万欧元，约合人民币11.5万元。在MV中，《蒙娜丽莎》《断臂维纳斯》《拿破仑加冕礼》《美杜莎之筏》《卡米尔夫人的肖像》等名画都悉数登场。卢浮宫馆长Jean-LucMartinez表示，2018年卢浮宫参观人数破千万，创造了卢浮宫游客数量新纪录。Jean-LucMartinez还表示，游客数量的猛增和碧昂丝夫妇在卢浮宫拍摄的MV或多或少有点关系。全球爆红的歌手BillieEilish也与艺术家村上隆迎来了合作，村上隆为Billie制作了YouShouldSeeMeInaCrown全新动画版本的MV，并设计了她的二次元形象。在音乐领域，除此之外，周杰伦、陈冠希、TOP、权志龙等等都会在社交媒体上向粉丝不断推广艺术。侃爷”Kanye West甚至在拜访JamesTurrel的工作室后，捐赠1000万美元助力艺术项目，并把全新专辑JesusIsKing的主视觉选定为JamesTurrell的RodenCrater，足见他对当代艺术的推崇。在与时装产业息息相关的名人引流下，不只是艺术家，艺术机构、艺术装置甚至建筑都在迅速吸引观众。而许多艺术机构本就启发了时装的生产，比如三宅一生著名的“褶皱”灵感就来自毕尔巴鄂的古根海姆美术馆，Karl Lagerfeld时期的Chanel也曾将秀场装扮成美术馆与歌剧院。

在国内，一流展览与顶流偶像的模式在2019年首次出现。在UCCA尤伦斯当代艺术中心“毕加索——一位天才的诞生”带来观展热潮之际，与蔡徐坤的合作备受瞩目，这场展览最终成为2019年中国观展人数之最。在此之前，蔡徐坤刚刚完成了Prada与艺术家曹斐的合作短片《人类几乎》，直面审视超级媒体时代里的偶像文化，将粉丝与偶像的亲密关系推到话题讨论的前端，试图探索流行文化表层下的偶像人设、追星潮流、跨圈层粉丝群体及爱的供养等机制，用自己的当下现实和影片中的未来幻想构成了双重叙事。

時尚展览也可以很艺术

就像备受瞩目的MetGala是为了巩固时尚在艺术中所扮演的角色，“时尚对于艺术界的影响在于，它为参与艺术和时尚的观众提供了理解和体验的桥梁”，而时尚展览则直接把二者联系起来，吸引着那些对艺术和时装既心动又不甚了解的观众。

上海的观众对于时尚品牌举办展览已经颇具参观经验：仅在2018年，Gucci和Louis Vuitton就先后于余德耀美术馆和上海展览中心举办展览，而在更早些的4月，卡地亚当代艺术基金会也于上海当代艺术博物馆（PSA）办展，Prada基金会则是在其品牌负责修缮后的荣宅举办了数次艺术展览。这些展览从内容上来说绝大多数仍旧以艺术创作为绝对核心，但又与品牌在零售渠道的艺术选择上透露着不同。卡地亚，基金会作为业界先驱，与中国当代艺术渊源颇深，带来的展览“陌生风景”，即使是从专业的艺术角度来看，艺术家名单与作品质量都是非常出色的。而Cartier品牌本身，则是选择与故宫携手，修复文物与钟表。Gucci的展览“艺术家在此”是AlessandroMichele与MaurizioCattelan再度合作的结果，却又在讨论最为敏感却又无可回避的话题：复制，结合Gucci常常选择千禧一代的插画师与Instagram艺术家的做法，大破文化圈层的玩法独此一家。Louis Vuitton展览“飞行航行旅行一路易威登”与其基金会的展览相比更具有品牌调性，以旅行硬箱揭开序幕，展出包括档藏馆珍藏的物品与文件、向巴黎时尚博物馆加叶拉宫与凡尔赛宫博物馆借来的独特作品，以及严培明与何岸创作的艺术作品。Chanel的展览“走进香奈儿”则在上海西岸艺术中心展出，哪怕在是工作日的上午，仍旧有无数观众在场外等待参观。

而真正打破时装展览次元壁的，则是V&A（维多利亚和阿尔伯特博物馆）。2015年，在伦敦V&A展出的名为“野性之美”的Alexander McQueen回顾展不仅被官方评为当时该馆馆史上最热门的展览，这场作品展的其他数据也同样引人注泪。该展览一共持续了21周之久，参观者将近50万人之多，这一巨大数目致使博物馆决定在最后两周周末延长夜间开放时间以供参观。展览期间，博物馆会员人数激增，总计18000人在此期间成为V&A会员.2019年，超过59万人次参观了“克里斯蒂安迪奥：梦想设计师”展览，这一数字比2015年由Alexander McQueen主题展创下的记录还多10万人次。展览证明了时装也是艺术的一种形态，具有真正的文化影响力，如同雕塑和绘画等“传统”艺术形式一样值得在博物馆语境下欣赏。IrisvanHerpen的2019高级定制系列。Issey Miyake的2020春夏系列继续让大众看到高级时装与当代艺术之间的可能性。

在20世纪，CristobalBalenciaga以极为传统的西班牙服饰为灵感进行创新，这位来自巴斯克地区的时装设计师从斗牛和弗拉明戈舞套装、天主教以及最重要的绘画历史中获得创作线索。当策展人EloyMartinezdelaPera将90件巴黎世家的服装与戈雅的作品匹配时，他的那句“优秀的时装设计师必须是图案的建筑师、形状的雕塑家、设计的画家、和谐的音乐家以及合身的哲学家”是如此的直观易懂。但今天对西班牙艺术传统的现代化更新已经被彻底改写：最受欢迎的商品是一双超大的TripleS涤纶运动鞋从当下街头而来的灵感已经截然不同，与Balenciaga自己作品中奢华的面料和精密的细节相去甚远。这是时间的魅力，在时尚与艺术交融之下，不过是时代带来的一次文化潮汐，让这对迷人的组合可以同时讲述过去、现在和未来。