山水画的写生与创作

樊亚晴

摘要：此篇论文意在讨论中国山水画中临摹、写生的相关问题以及在中国画中的意境与西方油画之间的关系。试图通过这一系列的问题的思考与研究，对今后的山水画写生起到一定的帮助。

关键字：写生;临摹;意境;油画;书法

中国画内容的相关问题讨论，是在上学期间与老师共同研究讨论出的有关山水画的系列问题，是极具探讨性的问题，其中本人对于问题的思考也进行了简单的阐述，文章多有不足，还望各位师友批评指正，以下将对问题进行简单论述。

一、山水画写生中主客观之间的关系

中国画为主观的客观，有一定形象的媒介，这是无论中国画怎么发展，都始终丢不掉的形象概念，但中国画的形象是经过概括和提炼的，它不是生活中的现象，面对自然写生时，把这种现象堆积到画面上是不对的，此非山水画境界，山水画境界上升到一种概括性形象，这个形象是渗入到画家对客观现实的品位，已经有了主观精神在里面，同智者乐水，仁者乐山。再看自然景物时，他们已然将自己主观精神，如情趣，性格，审美追求全部注入所看到的山水之中，而山水就是他们的一种精神的象征，看的过程，二者合一，所以画家的本领就是将这种主客观转化为笔墨形式而呈现出来，故中国画一定具有概括性，不是現象的堆积。如果是现象的堆积，那就是风景的沉淀。

中国画的传承与发展中已经形成一套自己的体系，那这种体系必定会影响和促成中国画的形式，从而形成自成一体的透视构图。相比西方绘画中的焦点透视，中国的散点透视更多地融入了创作者的主观情感，生活阅历和人生感悟。这种独特的审美情趣，把视觉范围之内与视觉范围之外的物体相结合，统一在一个画面中呈现出来。这也可以理解为只可意会不可言传的中国画的意境，而这种意境本身就是超脱技术之外。独特的文化系统，和文化追求，造就了中国绘画多于神韵的追求。注重自娱自乐的消遣和抒情，反映了中国画追求画面的精神传递，这本身就是主观与客观相结合统一的艺术形式。西方的焦点透视注重的是对对象的研究分析，追求真实和还原所看到的物象，他们着重于光影效果带来的理性感受，而中国画的话语权历代都是由士大夫所掌握，文人画讲究情趣，而不走求真路线，突破客观自然对艺术的束缚，把自然作为载体依据个体需要进行主观改造，从而使画面中带有真实的视觉感受和内在的精神追求。在现阶段，我们仍处于学习状态，在写生中，突出的问题便是照搬芥子园中的山水树石，对于自然的感受相当匮乏，这也源于缺乏对古人作品的临摹，无法从历代优秀作品中感受到画家的精神气质。在写生中主客观结合，需要大量的时间去钻模，这个过程不是一蹴而就，需要在这过程中去体味，从而形成自己的绘画分格。

二、山水画写生的目的

山水画写生一定时候是要超越现实感受，有些景可以裁剪，可以加工，改造。这依旧是主客观问题的延伸，画面中的意境营造，看山水画家的精神高度如何，他的学习修养，以及他对对象的改造。一般没有学习，情趣的感受，技法的感受，画学的积累程度不够，所画的画就没有深度。大画家的画之所以有味道，就是他多年丰富经验，以及积累了前代画家经验上升到一种高度提炼的画作。

如：黄宾虹看自然的东西，并不是自然真实的东西，所以他层次高，中国画的最高境界在于似与不似之间，强调不似来改造似;所以中国画最根本的是，源于自然高于自然，而不是自然的简单再现，最重要的还是外师造化，中得心源，强调心源的高度，心源不高，将停留在写生中，停留在简单情绪的自然流露，并不属于高的境界，所以，学习古人，学习他们高级的审美样式。不断的写生积累，有一定阅历，精神层面的积累，渐变，改造提升和升华的过程，是提高画者精神内涵的重要途径，写生是从自然中国感受到的内容进行简单的提炼，上升到中国画笔墨形式去改造它，上升到符号意义，如画松，粗枝等，寻求规律的，简练概括。真正的画家，深入到自然后，可以通过自己的笔墨形式和感受画出自己对松树的形式感的东西，一看松，就知道是谁的画作，是有个人形式印记和审美高度的代表，而非自然之松。

中国绘画历来讲究画面的神韵，意境之美，单纯客观的追求形式，而缺乏内涵，则出现空的问题，我们用什么样的眼光和心境去发现自然，并能接收到自然予以我们的反馈，那便可寻找到属于自己的绘画样式，在通过自己的审美经验进行筛选提炼。在写生中，最关键的是在复杂的环境中舍弃简单，对称，重复，孤立的自然形态。选择具有审美价值的形式和形象表现，从而注重整体美感的把握。画家只有会欣赏自然，选择自然，才有可能提炼艺术的表现元素，才能“搜尽奇峰打草稿”从复杂多变的自然中，需求适合的笔墨表现形象，提取艺术语言。

三、在临摹中寻求创作灵感

对古代优秀作品的临摹也是可选择的。一般强调山水学习以宋元为主要对象，因为宋元可以说是山水画的经典样式，在宋元分别达到两个山水发展的高峰，这两个高峰基本奠定了山水画的格式，这是基础，所以后世的画家都要学习宋元，当然也不强求一定要学宋元;也可以学习别的大家，但一般说法上是上追宋元，在临摹学习中，是个人的选择，这个选择就是审美心性的提升，为何喜欢这幅作品，为何能够看懂画面？这说明此时的心在动，动了心思，才有所想法，有所体会，一旦心动了，对这种形式就有一种超越性，中国画的形式都是可以超越时空的，古人创造的形式，后来者可以是模仿，可以把形式借过来加入自己的情感，这就是临摹和创作的含义，借他人形式表达个人情感。

中国山水画从南北朝成立至今已有一千多年的历史，经过一代又一代画家的探索与实践，山水画发展已十分完善，前人的探索也给我们留下了宝贵的经验，临摹传统作品是我们学习山水画执法的一个重要途径，只有站在前人的肩膀上，我们才能走得更远，深入中国传统精神后然后有所突破，才能创建出自己的面貌。有人认为一味地临摹传统会丧失自我个性，殊不知只有在共性的基础上才能建立个性，这是内在本质的一种真情流露。通过临摹学习山水技法，笔墨意趣，提高审美情趣，从而挖掘传统精神的内在本质和精神，把握章法布局，不机械的学习古人的笔墨，构图，造型章法等。灵活运用，取其精华，去其糟粕，为创作积累素材，不拘泥于固有的程式，在大量的临摹中，寻找规律，掌握这些规律的绘画语言和面貌，对以后的创作都可打下坚实的基础。黄宾虹说：“临摹之后，不能如蚕之吐丝成茧，束缚自身”，应当破茧成蝶，这才是临摹的最终目的。

四、山水画写生中的意境传达

西画没有意境的概念，也没有气这样的说法和概念，西画更加注重的是外在的东西，可以看见客观存在的。后期印象派，如塞尚的风景画进行了一些改造，有些没画出来的未完成性与国画就有些许的相似之处，梵高主观意识的色彩十分饱满。而古典时期相对的主观意识太少，对自然风景再现得多。意境本是抽象的概念，属于美学的范畴，意境是创作者以现实景物为依托，进行无限想象发展空间，让客观存在的事物高于现实意义，中国画讲究情景交融，所谓“情”，指画家的主观情感，个人阅历，人生经验，生活环境，社会背景等诸多因素，经过积累与沉淀，将自己对社会，人生，宇宙，哲学的感悟融入画作中。情是抽象的概念，存在于创作者和鉴赏者的精神世界中，通过相似的感悟和心境，在一幅画中能感受到相似的意境，也就是我们所说的情感共鸣。只有情景交融，才能真正抓住中国画的精髓。在西方绘画史中，写实主义几乎成为欧洲艺术的重要组成部分。学院派，古典主义，巴洛克艺术，现实主义等多事细致刻画人物与光影之间的关系，直到后印象派的梵高，高更，塞尚等人的出现，他们的绘画作品中的主观情感的表达异常丰富，以至于超出了人们的期待视野，从某种层面上来讲，他们的画面也更加的丰富。

西方绘画的传入，使中国画开始不被人们重视，如果我们没有学过西方的素描，速写，色彩，没有任何绘画基础作为积淀，那么直接学习中国画，该如何下手呢？

照此情况来看，我们先思考一下我国古人是如何开始作画的？我们先学书法，为中国画打下基础，然后临摹大家之作，为日后的创新打下基础。中国画讲笔法，例如吴昌硕，他本人称50岁学画，并非是他50岁才执笔，而是其长年累月的练习书法，金石，为绘画打下坚实的基础。长期的执笔，使他对毛笔的笔性十分熟悉，对书法的意趣、趣味性已到达很高的境界，一旦转化的绘画上，便会很快上手。在意境上，同样如此，了解书法的人，大多可以理解国画。而我们在日常的练习中，一定要平心静氣，保持愉悦的心情，将心态放置最佳，才能下笔巧妙。

自开始接触绘画时，就是西方绘画的种类占据了市场上绝大部分位置，而没有经验的家长们为了使自己的子女全面发展，并没有对绘画这一种类进行实地考察和了解，于是孩子们也就被迫的学习了西方的绘画，绘画中的透视关系，素描关系等也渐渐的印入他们脑海中，并不是说西方绘画的概念不好，而是对于传统知识的学习，我们应该都要有所了解，现如今我们都开始注重对传统文化的学习，对书法的练习和学习，已经成为校园课程中的一门重要学科，不仅能提高学生的全面发展，也在潜移默化中提高了学生的自身文化修养，让孩子们对学习充满了高涨的热情，从而激发出他们的学习动力。

在中华民族漫长的文化历史中，文字作为承载历史演变的见证者，发挥了重要的作用，是一门源远流长的艺术。学习书法摹古临贴，就像是酿酒一样，漫长的发酵过程，精心的谷粒、纯净无瑕的溪水，共同协作才能滋养出一瓶好酒，一身好手艺。书法它不仅仅是字形的显现，更是一种文化的学习和修养，让自己在不断的学习中陶冶情操，开阔眼界，即所谓“文以载道”。书法的临摹更多强调的是对一种能力的获得，是一种能够在字间寻找到生命力的能力和人文精神的所在。而在当代书法学习中，必须要认真解读其文化发展的内涵和人文精神的流变，才能在创作中体现出现代书法的时代性和传承性。

以上问题的提出多是有关中国传统绘画中的较为重要的部分，也是众多问题中的小部分，旨在解决本人目前在绘画写生临摹中出现的问题，思考之处的浅薄和错误理解还望各位师友指正。