媒体&新媒体——在路上·中国青年艺术家（媒体艺术）作品提名展

颜为昕 盛葳 朱小钧 麦安 李川 张新英（排名不分先后，按发言顺序排列） Yan Weixin Sheng Wei Zhu Xiaojun Mai An Li Chuan Zhang Xinying (No Preference Ranking, in Order of Speech)

1 卢杉 基因糖（视频截图） 高清视频 17分18秒 2015—2016

2 冯晨 boggie woggie 3 54cm×30cm

颜为昕：当代艺术是整个艺术生态里非常重要的组成部分。关山月美术馆因为它的命名，一直以20世纪中国画的研究为学术定位。但是作为国家级重点美术馆，对于当代艺术必须要有自己的态度。深圳是一座年轻的城市，我们也是一所年轻的美术馆，当代艺术也是中国一个特别年轻的艺术状态。我们该怎么切入当代艺术的角度？作为美术馆，我们首先增强了当代艺术的学术储备，有了研究的力量，然后通过一系列论证，选择了以当代批评家提名当代艺术家的模式。我们将视角关注于青年，因为他们是未来当代艺术的中坚力量，从这个角度切入，才可以更好地展现未来美术馆在当代艺术里的一种路径理解。美术馆最终是要面对公众的，深圳是一座年轻的城市，我们要向年轻人去表达艺术的多样性以及可能性，这决定了我们以青年作为切入角度，研究当代艺术的创作状态，包括观念的转变以及与文化的关联性。观众可以体会到传统艺术以外的一种不同的艺术体验，而这种体验更多是心理层面的，从视觉上关照内心、关照生活状态、关照思想。

同时，我们希望能形成一个美术馆品牌。“在路上”每年一届，尽管非常辛苦，但我们还是坚持下来了。因为美术馆作为一个公益性的公众机构，必须要考虑到对艺术、学术的严肃性以及对公众负责任的态度，所以我们把它规划成一个长期、连续的活动。“在路上”的主题每一届都不同，以不同的媒介出发，比如国画、油画、版画、雕塑、新媒体……通过这样六七年的周期就可以很好地反映中国当代艺术的变化，而这种变化恰恰是美术馆作为学术研究机构有责任去挖掘，有态度去呈现的。

“在路上”主题的命名，是我们对中国当代艺术状态的回应。中国当代艺术一直都是在路上，不断前行。我们希望通过这个关键词，吸引更多人走出一条中国当代艺术之路。因此，我们更关注那些具备稳定创作状态的青年艺术家，不希望让观众误以为当代艺术是石破天惊或博人眼球的。任何严谨的学术背后，一定有非常严谨、科学、稳定的状态，通过艺术家不断前行、思考，最终呈现的画面只是一个阶段性成果。我们希望能够从更深层去挖掘这些青年艺术家在这样的时代下，当代艺术这条路上，用什么方式在思考、在创作、在呈现。我们不去跟风做“网红”“流量”的潮流大展，而是踏踏实实把自己的身份放到最低去看待当代艺术，由美术馆的角度切入，呈现给那些对当代艺术不太了解的人，这才是我们的最终目的。我们抱着极其负责的态度，让对当代艺术不太了解的人对当代艺术产生印象，不是猎奇，不是看热闹，而是引发他不断地思考，这才是美术馆最重要的传播功能、教育功能。只有负责任的展览才会让公众对这种艺术形态产生更多的思考，这是两者之间相互促进的过程。

3 卡娜 黑动 全景录像 8分45秒 2015

盛葳：我的演讲主题是“媒体乌托邦”。媒体艺术，大概不是一种新的艺术，从今天的艺术发展局面来看，媒体乌托邦是一种比较古老的，甚至比较经典的艺术。从新媒体艺术，包括移动互联网、人工智能（AI）的角度来看，也都是非常传统的，或者古典的一种艺术方式，但这依然值得我们讨论。

媒体其实是一个乌托邦，什么是媒体？固定的认知觉得媒体艺术好像就等于录像艺术，但实际上并不是这样。媒体艺术是一个中间词，指某种中介信息传达。媒体艺术从一开始的起源就是乌托邦，到现在同样也是乌托邦。媒体艺术乌托邦的理想是什么？就是今天我跟大家分享的主题。

首先，媒体艺术是一种表达的艺术方式，跟技术有关。它远远不只是一个媒介的终端——电视机或者监控器，我称之为终端，也是录像艺术主要的表达方式。在媒体艺术开始兴起的时候，最关注的点并不是终端，而是网络，也就是电视传输网络。终端设备一开始并不是最重要的，这种美术艺术并不仅仅是艺术，它的兴起跟全球政治、文化以及社会变迁有着密切的关联。它的兴起在20世纪60年代，整个世界左派思潮开始兴起，而美国是首要的发源地，强调每个人都能通过信息传输，获得同等、平等的信息。这些信息能够从最高层或者最低层不断进行传输，让每个人共享，这意味着一种权利的平等、信息的共享。这是媒体艺术的本质。1969年，《美术艺术》杂志创办了一个专题：“TV，the Next Media（电视，下一个媒体）”。艺术家开始追求媒体艺术的乌托邦，想要通过信息传输，创造一种新的艺术。这是媒体艺术的起源，目的是为了利用信息网络。

当然这与技术有很密切的关系。1965年索尼公司推出了第一代家用摄像机，使得媒体艺术能够被艺术家随时录制。虽然没有今天的手机方便，但这种可以随身携带的设备，使得新媒体艺术成为了可能。如何在录像机和电视网络之间架起桥梁，在电视网络中创作艺术，这是艺术家们最初的诉求。

举个例子，今天我们都知道大地艺术，或者背景艺术这一艺术门类，通常被归为装饰艺术或者雕塑艺术。实际上就大地艺术的起源来看，它是一种新媒体艺术。当时一位叫格里舒马的电视制作人，约了很多艺术家创作作品，通过电视进行直播。今天普遍认为大地艺术是在室外的创作，但在当时来讲，室外创作只是作品的一部分，另一部分是进行拍摄，并通过电视网络传输，让所有人都能够分享他们的艺术，用电视机播放出来才是最终目的。创造景观只是第一部分，第二部分是信息传输和信息分享，这符合当时左派政治艺术要走向公众的政治理想，这也是早期新媒体艺术的艺术理想。正是因为有了电视机的直播和电视网络的传输，才使得这些在荒郊野外的艺术创作，能够跟艺术走向公众的理想连接起来。

安迪·沃霍尔的《帝国大厦》，作品时长几个小时，画面一直没有变化。当《帝国大厦》在电影院里放映的时候，播了半个小时，观众都走了。这种实验新媒体艺术，有一种乌托邦精神，希望跟公众建立联系，结果却是失败的，公众并没有接受这样的乌托邦。安迪·沃霍尔还拍了一个人睡觉的作品，时长六个小时，也是他的一个实验。只有当你亲自被拍摄的时候，才能感受到他的思考。因为当你被拍摄，才知道其实自己处在被凝视的状态，有一只眼睛在盯着你，而这只眼睛的背后是巨大的传输网络。当你知道自己被很多只眼睛注视，就会不断调整自己的表情、姿势和心态。这时你并不孤独，你在与社会互动，同时也被网络控制，你必须根据一些社会规范来调整自己。这部作品最开始计划在电视台播放，但这种充满浓郁超现实主义气氛的节目，没有被观众接受。这些新媒体艺术最初想利用电视网络，而不是电视终端，希望通过网络来建立一个媒体的乌托邦，但最后失败了。

白南准曾创作了一件作品《全球圈》，用第一代索尼随身录像机拍摄。这件作品最初和波士顿的电视台合作，通过电视来播放。他拍摄了世界各地不同的人跳舞，希望通过舞蹈将全球联系起来，通过通讯网络把世界连成一个地球村，最后依然失败了。20世纪70年代，这件作品变成了装置作品，在电视机终端上进行播放，作为装置在美术馆里展出。通讯网络的消失，意味着媒体艺术关于网络的乌托邦开始演变为一种类型化艺术，就是今天所说的新媒体艺术。

标准性变化发生在1977年卡塞尔文献展，“VT不等于TV”的横幅，宣告了录像带和电视的不同，由此媒体艺术变成了类型化的博物馆里的艺术。现在的部分媒体作品，依然可以看出通讯网络的意义所在，这是媒体艺术最初的诉求，也是以后新媒体艺术可能重新焕发活力的地方。

朱小钧：我的主题是“无人的未来无人可解”。《爱丽丝梦游仙境》里有一句话：“你必须不停奔跑，才能留在原地。”如果我们不是艺术明星，是否还有机会登上舞台？在无人的时代，我们还有什么新的玩法？如果在一个媒体快速爆炸的时代，作品跟不上技术的发展，是不是就会被淘汰？舞台变得更大，媒体的发展快速革新，更年轻的人会用更年轻的语言来组织媒体的形态和发布，这是我们每个人都要面对的现实。

我们常说这是一个新媒体“流量”的时代，“流量”以一个统一的词汇掩盖了互联网的通性。艺术这个行业是非常小众的，很难通过互联网的形式被更多公众了解、吸收、交易和放大。新媒体有一定的局限性，这种局限性在艺术领域是非常明显的，如何解决这个问题？要从流量思维转向超级用户思维。所谓超级用户思维，就是以“我”为中心，做一个展览或作品，和朋友们共同相处，这是最核心的要素。现在的艺术生态是一个雨林生态，有各种艺术门类和方法，每一种技术都可以找到自己生长的方式，这种生态意味着更多的机会。现在的艺术越来越不再以媒介进行分类，对于更年轻的艺术家来说，媒介已经不再是区分艺术的手段，而是一种方法，所有的技术都是为艺术创作服务的方法。如果观念跟不上，会不会被时代淘汰？未来面对媒体环境，重点并不是拥有多少技术人员，而在于如何调动资源，并且使它得到最大化利用。科技赋能可以给我们更开阔的手段和方法，但是人才是最关键的来源。

技术和产业一定会沿着越来越高的方向发展，无论媒体还是新媒体都是这样。分工会越来越细，专业的人要做专业的事，特别是对于新媒体专业和艺术家来说，技术一定不是一个必须追逐的方向，思想才是。一定要让自己成为一个连接的载体。

麦安：我以“虚拟人物的反思”作为演讲主题。有一部电影的主人公说：“我不是人，可是我爱你”。他是一个AI人，可以跟你沟通，可以了解你，他也是你最好的镜子，但他只是数据的组成。今天的人类，沉迷于和虚拟人物的沟通。20世纪80年代有一种“远距通讯艺术”，在这种艺术形态里，人的实体存在是不重要的，人和人都可以通过影像出现在你的身边。这是对时间、空间的探讨，也是一种挑战。

4 伍韶劲 太阳下的净土 地景艺术，单频道录像 2012

以电影《虚拟偶像》举例，我们往往以一种虚拟的创造，完成对梦想的追求。电影讲述了一个倒霉的导演，遭遇人类女主角的突然罢演，于是他创造了一个虚拟的女主角，呈现在自己的电影里。电影里的女主角越来越成功，观众以为这个人是真实的。所有的观众逼导演让女主角以真人的形态呈现出来，最后导演只能把这个虚拟的女主角毁灭，观众以为导演谋杀了女主角，几乎要把他送到法庭上。

虚拟偶像的话题在我们今天的生活中已经不断地出现。人物形象的呈现已经不再重要，我们可以用理想的条件，去创造最理想的偶像。这个偶像完全不是真实的，可是他们有自己的粉丝，甚至自己的舞台、自己的演唱会。演唱会是真实的，可以实景观看，就像真人的偶像一样，观众挤满整个演唱会会场。这种虚拟形象，不仅出现在电影里，现实生活里也在慢慢出现虚拟的形象与机器人。1998年，AIBO电子狗诞生，它有自己的表情、自己的程序，跟人接触多了，它会知道主人是谁，就像真实的宠物狗与人互动。北欧的piBo机器人可以给人安慰和关怀，甚至可以回答对方的问题。

这种虚拟形象，今天已经进入我们的日常生活中，甚至可以替代某种角色，成为家庭的一份子。虚拟身份角色的发展，会一直影响我们的生活。

李川：从传统艺术到智能机器人，以及艺术与科技的关系，今天的艺术肯定是不同以往的。请问张新英老师，您作为策展人，策划新媒体艺术展览的初衷是什么？您是如何观察这些现象的？

张新英：我们在展览名字上做了相对比较严谨的调整，不是“新媒体艺术展”，而是“媒体艺术展”。在展览之前，根据现实的发展状况，我们做了一些关于中国新媒体现状的调研。中国的媒体艺术，主要来自于美术学院和高校。各个院校对于媒体艺术的认知和课程的设置，其实是没有统一性的，从院系命名就可以看出来——中央美术学院叫“实验艺术学院”，中国美术学院叫“跨媒体艺术学院”，四川美院叫“新媒体艺术系”，湖北美术学院叫“动画学院”……各个美术学院对于媒体艺术的形式，以及教学的范畴有非常大的差异，这涉及到媒体艺术发展中非常根本的一个问题——我们到底如何看待这个艺术形式？我觉得这也是这个展览不能叫“新媒体艺术展”的原因。我们对展览中2017年、2018年的参展作品进行了一些调整，减少了部分机械的作品，增加了影像作品的比例。影像算不算新的媒介形式，是不是一种新的媒体？其实在20世纪60年代，就已经出现了电视和影像这样的媒体方式。那到底什么样的媒体叫作新媒体？这是一个需要我们探讨的问题。盛葳老师讲到，媒体艺术是一个因传播需要而发展的媒介形式，它需要和社会发生关系，而不再以独立的艺术家、独立的艺术形态存在。从这个角度来说，对于媒体，尤其是新媒体的定义，需要我们进行深入地分析，并且在艺术发展过程中，对它进行明确的界定。

新媒体是不是应该和我们现在的生活状态息息相关、产生关系呢？这是界定媒体是否“新”的非常关键的结点。

麦安：这个题目已经讨论了好多年，也被反对了好多次，我认为没有“新媒体”这回事，当你说“新”的时候，其实已经“旧”了。不同学院对艺术概念的界定不一样，香港城市大学对此的命名是“创意媒体学院”，没有提“新”字。

媒体艺术跟传统艺术发展有一点不同的是，很刻意的媒体艺术是脱离传统艺术而发展的，也就是说，它是脱离传统的雕塑、绘画等形式的，而以媒体，包括传播形式直接侵入我们的生活，对于我们的生活是一种探讨和挑战。媒体是另一种艺术的表现途径，或者说是一种工具。

李川：麦安老师谈到香港城市大学更多地强调创意。您对艺术与科技的发展持怎样的态度？您认为媒体艺术有怎样的发展前景？

麦安：可以从两个方向去看。第一，媒体艺术不能脱离科技与技术。第二，现实与虚拟的关系。这两个方向会继续往前发展。从科技上可以看出，比如机器人、生物科学应用在艺术方面，发展得很快。在虚拟与现实的关系方面，经常提到“互动的艺术形式”也是一种真实与虚拟关系的呈现。网络上有一种“黑客”行为，探讨真实身份与虚拟身份的互相冲突，也是很重要的发展。好、坏不重要，而是发展到哪一种地步，才是往后要走的路。

张新英：麦安主要探讨艺术家和艺术对象之间的矛盾关系。在美术的角度来看，就是科技发展之后人机之间的关系。艺术发展的历史，在文艺复兴之前，一直是被神性统治的。科技把人从神性中解放出来，开始推崇人性，是从文艺复兴以后，一直到后来人文主义思想的发展，人一直处于核心地位。一直到20世纪七八十年代，人文主义思想一直是一个影响艺术发展非常重要的思潮。

去年关山月美术馆策划“无人”主题展览的时候，我们一直在讨论科技的进步，让人的位置到了哪里？科技的发展一方面让人从科学的角度认识了世界，同时让人越来越主观地掌控了世界。在500年后的今天，科学违背了初衷，再次把人从人性的世界抛向了一个神性的世界。人觉得无所不可掌控，可以改变世界、改变生活、改变任何东西。到了今天，因为科技的发展，让我们对这个世界的把握越来越差。人工智能和人类围棋对战，人类的失败给我们提出了一个警醒：当人们非常坦然想掌控一切的时候，AI的出现让人认识到，其实人工智能就是对人自身的复制。当这种复制越来越成为一种自觉行为的时候，人和机器之间的矛盾就产生了。

麦安：文艺复兴时期艺术的发展是人文主义、以人为本的。一方面我们要把它变得踏实、现实，但又有一些矛盾，有正和负相互的推磨。今天我们创造了现实，接着我们会怀疑它、否定它，再构想新的东西，把新的东西慢慢变成另一个现实。所谓的虚拟现实，可能是对已有现实的一个挑战，挑战后，会怀疑，然后到达一个状态，把它变成另外的现实，再提出另外一个问题。对于现存的问题一直质疑，然后构建一个更强大的现实。人类打破现实，然后提出问题，再建立一个更强大的现实。今天我们有很多疑问，比如人类会不会被AI控制？我觉得人类会在某一天，把AI变成一个更踏实、更强大的现实，并且在控制范围内。到了那天，我们再进一步质疑AI到底是不是人类想要的现实。