墨法对水墨画创作的意义

2019-04-10丁香阳

中国书画 2019年12期

◇ 丁香阳

有人把中国画片面地称为水墨画，顾名思义，它所强调的是元明以来中国画对创作材料的侧重。水墨画是中国绘画艺术的代表，经过漫长的发展和演变，其自身存在着极强的艺术特征。水墨画的创作以水与墨为主，在作画过程中，水和墨会共同留迹于画面中，因此，“水墨”兼有材料和技法的双重属性。清代画家张式在其著作《画谭》中道：“笔法既领会，墨法尤当深究。”他认为：“画家用墨，最吃紧事，墨法在用水。”另一位水墨画大家石涛认为：“变于水，运于墨，受于蒙。”中国画是水墨文化，水墨的“颜色”是作品精神的体现。因此注重墨法的运用，是展现作品主题及精神的重要方法。（林裕明《探析水墨画技法在日本漫画中的运用》）

一、水墨画创作特征

水墨画不同于水粉画或者油画，尽管都属于作画，但水墨画并不像油画或者水粉画一样注重排序，水墨画的创作更注重空间布白，对空间关系的要求极高。水墨画的创作非常讲究意境，作画者要懂得如何留白，吕凤子在《构图》中提到：“形在神在，形神是不可分的。‘写形’就是‘写神’，要以筑形来现神，二即一不可分。”这说明在水墨画的创作中，作画者需要掌握如何营造画面的动势，使之形成“气局”。

此处可以用西方的油画作为对比。一幅油画要想构建出自己的画面气势，需要注意用油墨勾勒出色彩和光影。比如油画创作者中的代表性人物，巴洛克画派的创始人卡拉瓦乔，他为后代的油画风格创作奠定了一种明显的色彩基调，即使用红黑强色对比加大面积的黑影来凸显画面的史诗感。以卡拉瓦乔为代表的西方油画创作中，油墨的用法一定要有鲜明的色彩对比。色彩调比越强烈，那么画面的气势就会越恢宏。这也是在油画的创作中，画作不会存在留白的原因。

创作油画，色彩一定要满，这样创作出的画面才会好看。而在水墨画中却不能按照这种思路进行创作。对于水墨画而言，创作者在作画过程中不能太过依赖色彩，而是要通过墨法来展现出线条的粗浅，使之能和画布的空白区域结合，让画面可以形成气局。（郑雅楠《中国画笔墨技法教学探索》）在水墨画中，画面的气势依赖于气局的建立，要通过对墨法的粗浅布置展现画面的苍劲之力。

油画在绘制时使用植物油调和颜料作为创作材料在亚麻布上作画，这种油墨的选择让西画的画面色彩非常鲜艳且立体质感强，但同时，用植物油调和颜料形成的油墨难以展现出线条感。水墨画的墨分为实用墨和观赏墨两种，其中实用墨又分为松烟墨、油烟墨、朱砂墨、五彩墨、药墨、贡墨、御墨等几类。松烟墨是古代画家创作水墨画时的常用墨。这种墨以烟灰掺以动物骨胶捣制而成，特点是质细色润，不像植物油调那样油腻，在作画过程中具有渗透力高、容易着色的优势性。这使得水墨画和油画相比，其线条更容易勾勒。

在水墨画中，除了朱砂墨和五彩墨外，大部分的墨汁，如油烟墨、炭黑墨都是相近的灰黑色，而且不少水墨画的创作者往往只会使用单一的墨色，这使得水墨画必须要通过另类的方式来展现出画面的色彩对比。古语云：“墨有六彩。”这其实是说“墨”有六种表现形式，即浓墨、淡墨、干墨、湿墨、黑墨、留白这六类用墨方法，而通过对这六种表现形式的把握，水墨画便能产生丰富的色彩变化，比如浓墨和淡墨就是指画家对墨色的深浅把握，让其形成比较，而干墨和湿墨则是注意毛笔在蘸墨时对水分的吸收，黑墨是指在浓墨的基础上进一步加深画面的色度，而留白是指利用纸上的空白和墨迹本身的黑色形成色彩对比。（刘世红《国画艺术创作中水墨技法应用的思考》）

水墨画对墨法的考究可分为两个阶段，其一是磨墨，其二是用墨。磨墨是决定墨汁好坏的基础，其手法必须慢、轻、稳。用力磨出的墨会太“燥”，无法让水墨画的线条显出细致，破坏画面美感。在磨墨过程中，画家要秉承“慢工出细活”的原则，在这个环节中细致、均匀地研磨墨水，同时活动自己的手指和手腕，进行作画前的预热。而用墨是墨法中的另一个关键点。水墨画最重要的表现方法就是线条，创作者需要懂得拿捏各类皴法，让墨迹能与画面互相搭配、表现及穿插，这样才能让作品有灵动感。在水墨画中，线条的起落、粗细、转折、飞白完全依赖于对墨迹的掌控，创作者要通过注意墨痕所形成的线条轨迹，才能在作品中展现出想要展现的韵味。

二、创新水墨画创作的思路

在水墨画作品中，线条飞动是最为重要的元素。当前的水墨画创作受陈老莲风格影响颇深，画家常过度注重画面结构，因此创作的作品缺乏灵动性和自然感。在水墨画作品的创作上，结构是帮助在作品形成“气局”的要素之一，但真正要凸显出画面的凝重、灵动、自然，就必须发挥出毛笔的性能，注重用墨技巧，通过飞白和涨墨等方法让水墨画的画面有轻重起伏，使水墨画作品能够彰显出空间感和立体感，使之具备更高的观赏性。这里需要注意的是，通过墨法创作的立体感和常规画作的立体感要求有很大的不同，常规的作画，如厚涂、素描，其立体感都属于三度空间，而墨法的运用让水墨画在具备三度空间之外，也产生了另一个特殊的四度空间属性，即时间性。

在水墨画创作中，除了空间感，时间性的掌握也是展现其立体感的重要标准。画家需要利用墨迹的干湿特点来表现出细条的动态性，这样才能让人感觉画作本身的生动、灵气，而不是如素描等绘画手法一样的静态。

水墨画墨法的刻画主要来自对涨墨、湿墨、浓墨、干墨、枯墨等步骤的节奏掌控。创作者通过将涨墨和浓墨进行协调，与之和枯墨形成对比。所以要想创作一幅优秀的水墨画，画面中的每一根线条都必须带有明确的形体塑造意向。作者要注意对墨迹走向的把控，让线条能表现出明显的情绪感，而不是简单的形体架构。水墨画的特点在于画中的神韵承载，线条、笔墨、布局都必须从如何展现画作神态出发。作画的技法可以有差别，但在精神上一定要明晰。中国画创作写意不写实，色彩造型只是次要，能否传达出作者的情绪表达、情感取向才是首要的。

水墨画创作的难点在于其画面的用笔太过单一，如前文所说，水墨画的色彩对比并不强烈，同时也不像油画或者水粉画一样喜欢将画面用色彩塞满。一些作者在作品创作中会习惯性出现勾线、曲线平涂的问题，这种做法会使得水墨画彰显不出轻淡墨色的区别，进而减弱画面的意境和层次感。墨色是影响成画质量的关键要素，墨法的运用主张由点到线，再由线到面。整个用墨过程需要创作者细细品味和斟酌。当代的水墨画创作者惯用三段式蘸墨法，对墨色把控度较好的画家则会使用两段式蘸墨法，但具体到线条粗细和颜色深淡控制上，还是需要依靠画家对墨汁干湿、焦浓、曲直等变化的掌握。古代的墨法，通常限于勾、点、皴、擦、染和吹云等几类，而在近代，黄宾虹先生针对水墨画的墨法分类提出了浓墨、淡墨、破墨、积墨、泼墨、焦墨和宿墨七种用法，其中泼墨法、破墨法是较难掌握的墨法技巧。泼墨法是指画家根据画面的需要，按照自己的作画感觉和经验，采取泼洒或者泼写的方式将墨色泼到画面上。泼墨法能够有效展现出墨迹的隐现感、断连感和浑滞感，但因为墨势极难控制，因此在泼后画家需要注意收拾。在当代，画家在进行泼墨后会使用电吹风机、电熨斗使墨汁按照自己的预想进行晕化。而破墨法则和水墨画的另一个部分“水性”有很大关联。水墨画是由“水性”和“墨性”两部分组成，破墨法便是利用“水性”达到“墨破水”或者“水破墨”的效果。如画家因为画面某块的墨色不够，而在此上处的墨迹或者水上增加浓墨，利用水性来化开墨色，增加画面韵味，这种技法就是墨破水。另一种水破墨，则是先画墨块，然后在墨块未干时用点水或者勾水的方式将墨块撞开，使之生成水墨淋漓相破重生的效果。水破墨和墨破水的选择是依据作画所用的材料，生宣则使用墨破水，而熟宣或矾绢则要采取水破墨。（王蕾蕾《水晕墨章—对水墨画创作中“水性”与“墨性”的探究》）

在水墨画作品中，作品的观赏性体现在两个方面：其一是画面的点画和结构空间；其二是墨色变化的表达。过去的水墨画因为时代、技巧等各方面的限制，在墨法和毛笔特性的开发上显现出了很大的不足，而在当代关于水墨画的研究已经日趋成熟的情况，加上吹风机、喷枪等设备的帮助，画家可以更好地掌握墨块干湿、浓淡，所以也更应该注重对墨色的运用，要将墨法和用笔互相组合、相辅相成，使水墨画作品可以在视觉效果上形成立体化的空间观感。

包世臣在《艺舟双楫》提到：“画法字法，本于笔，成于墨。”著名美学家宗白华先生也认为，水墨画的美感在于布白，在于通过跌宕起伏来展现作品之间的深沉格局。宗白华先生提到，在水墨画创作中，墨和笔之间应该是彼此紧密的关联体，墨从笔出，笔法铸就墨法。当前的水墨画创作惯用“浓墨法”创作，没有注意用墨的节奏，水墨画的艺术感只停留在线条上。而要在这之上获得突破，画家们就必须认识到毛笔和墨的重要性，注意因为行笔、运笔所用的力量和所保持的速度带来的墨色变化，通过对涨墨、湿墨、枯墨等用墨技术的掌握，调整水墨画的格局，让水墨画的造型更完善、更美丽、更有艺术观赏性。除此之外，画家在创作水墨画作品时还要注意所用纸的纸质。纸质不同，墨色的变化也会不同。在创作水墨画时，画家首先要明确自己的创作特点以及纸张特性，生宣纸容易渗墨，元书纸不宜吸水，不同纸张的特点会影响到水墨画作品最后呈现出的效果，而通过对纸张的良好把控，也能让水墨画作品更加浑厚有致、灵动自然。