浅析舞台艺术摄影的创作

（河北省群众艺术馆 050000）

舞台艺术摄影归属于摄影技术与舞台摄影艺术的结合物，是厚重灿烂的中国文化元素与现代高科技的光影完美融合的艺术呈现。舞台艺术摄影，是在特定的时间、空间上创作的艺术形式，它和人们常期实践中的其它摄影不同，有独特的拍摄语境要求，同时，它也受客观环境的影响，比如：各种强弱灯光的瞬间转换、人物角色的动与静、拍摄位置等。一幅饱满的舞台摄影作品，要有赏心悦目的效果，要从形式到内涵上给人带来全新的视觉冲击，所以舞台摄影艺术创作，是认真学习、深刻领会专业知识，勤学苦练，刷新摄影理念，与时俱进，用情、用心、用功去实现一次次完整作品的最终呈现。

一、认真学习，把握特点

1.何谓舞台摄影？从字面上理解，有舞台特征，把舞台对向的千姿百态记录拍摄，它可以是各种主题的歌舞类、戏剧类、语言说唱类等，只要是舞台演出拍摄，泛称舞台摄影。

2.拍摄位置基本不变：舞台可大可小，演员在表演区内的阳刚、柔美，豪放、细腻的动作，都是精通专业的人员一一设计编排的，舞台上交织着动与静的唯美画面，都给舞台摄影艺术创作，提供了空间上定格瞬间影像的客观环境。

3.拍摄的范围受限：舞台艺术摄影，在拍摄空间上没有多的选择，一般都在第一排位置的中间，因为拍摄中也需要拍几张侧面的剧照，走动方便，这也是长期拍摄中行业内形成的共识，与表演区保持一个基本满足拍摄的距离。

因此，摄影师调整的范围很受限制，比如：演出剧场有同期录像的机位，甚至有长长地摇臂，还有身后热情的观众，谁也不可能自由地走来走去影响演出效果，又尽可能保持敬业、文明状态下拍出有质量的图片来，这是摄影师最起码的职业素养。

4.正视灯光的多变：由于演出场地的特殊属性所致，舞台摄影师，要有正确的态度去适应、挑战灯光的复杂多变，比如：动感幅度较强的舞蹈，各种色系灯光的相互切换，光源强弱的瞬间变换，这使每一次舞台拍摄，都成为丰富成长的一个经历。

对此，在充分理解消化并掌握了舞台摄影的特征的基础上，加强学习摄影理论知识，学会举一反三地分析、探讨、借鉴拍摄中出现的这样那样的大小问题，真诚地吸取平时累积的经验，赏析不同演出的优秀摄影作品，加强提升舞台的摄影技巧，并认真探索其内在精髓，把握特点，为舞台艺术摄影打下坚实的基础。

二、深刻体会舞台艺术摄影方法

区别于普通摄影的舞台艺术摄影，有独具的特点：其拍摄对象、拍摄场景、光线交互使用等，这一切正好表明了舞台摄影，具有特色鲜明的艺术创作方法，而一旦掌握了舞台摄影所包含的摄影方法，就能创作出有内涵、有技术、眼前一亮的优秀作品。

1.掌握表演情节：视觉的表现离不开对现实或生活的形态、色彩、空间等的“目有所感”。对演出情节的熟悉程度，是保障摄影师能不能如愿抓拍到理想中的优秀作品。只要对演出内容的发展节点都看在眼里，记在心间，对演出的精彩部分有清晰的把握，加上开拍前选好的最佳拍摄角度、镜头焦距、正确曝光档级，才能展开忙而不乱的从容镇定的舞台拍摄，不然，对表演情节一知半解的摄影师，很大程度上要失去、遗漏出彩的重点，好好的机会没有把握好，造成不应有的遗憾。因此了解熟悉演出内容，成为舞台摄影师成功拍摄的重要环节。在这方面笔者的单位是群众文化艺术单位，每一次演出的连排、彩排，领导都要求笔者在现场观看，以便随后的演出中，真正做到胸中有数，不慌不乱地拍摄出与主题相映相趣的作品。

2.多重曝光动感呈现。与绘画艺术创作不同，舞台摄影注重对演出过程中原始见证与记录，其作品没有虚构环节和想像的成份。就常态而言，观众理解影像动态的呈现，肯定要比单一的画面具有强大的吸引力、感染力、说服力，也更容易被人肯定和传阅。所以说，在舞台摄影的过程中，摄影师需要慎重把握舞台上的每一个动态，通过科学精准的摄影方法，让特定的静态的摄影作品幻化出流动的张力，使观者面对静态的画面，感受到“此时无声胜有声”的力量。而要想达到画面的动态效果，多重曝光的摄影方法就派上用场。何谓多重曝光呢？就是将一张底片增加它的曝光次数，从而产生犹如万花筒般的神奇画面，层叠有序，神韵交错，魅力无限，又似是对立而放的两组平镜，幻化出镜中镜、镜中像的艺术效果，较其它舞台摄影作品，它无庸置疑将摄影师心中的画面，依次生动唯美的组合在一起，构成美不胜收的摄影艺术性和动态感，所以，在每一次的舞台拍摄中，摄影师一定要严谨勤奋，“心”“目”高度配合，充分把握好创作要领，发挥自身潜在的本能，提升舞台拍摄的成功率，使舞台摄影的艺术性有一个质的提高。

3.大光圈镜头的视觉冲击：成像效果更清晰更有质感大光圈镜头，现实生活中很多摄影师，都喜欢用它进行拍摄，因为大光圈能凸现它的优势，使摄影师要表达的主题更加鲜明，也促使图像终极呈现非常美妙的景深与虚化的效果，更是众多摄影师所追求的一种梦幻视觉。同时，还有功能上的绝对优势：首先是较其它普通镜头的通光量大大增加，有曝光时间缩减的优势；其次，不可替代的大光圈镜头。从层面上去解析景深，它们分别是物距，焦距、光圈，而在物距和焦距没有变化时，光圈愈大，景深愈浅，效果自然是背景虚化，被摄主体愈加立体醒目。

舞台摄影师的担当责任，就是在恰好的时间段，捕捉表演者所释放的一切喜怒哀乐，换句话说在表情丰富的瞬间按下快门，定格观众心目中那个最美的神态和最精彩的画面。如若让观看者在第一时间就把目光锁定在图片主体上，去延伸视觉感和故事情节的连续性，那就为今后的舞台拍摄坚定了的信心。

三、学以致用，丰富创作

摄影师按下快门的那一刻，就把主观意愿通过最典型的角色和最精彩的瞬间传达出来。舞台艺术摄影是记录舞台表演的过程，更是基于摄影师自身对艺术审美、解析、品读和进行再创作的温暧经历。为让舞蹈、音乐、戏剧、曲艺、杂技等，在不同舞台上倾情亮相，繁荣于舞台之上的一切演出更加完整完美地呈现、传播、传承，也让昔日的观众目睹到摄影作品时，又回到曾经演出的那个美好时光，感受那种重临现场的心境，就要求舞台摄影者，在热情的工作之余，认真梳理和总结每次拍摄的得与失，不辞辛苦地去了解和把握舞台表演的每一个神态，灵活自如地用好多重曝光；深刻体会大光圈镜头的优势；熟练掌握摄影技巧，创造舞台影像的大美境界，让静态的瞬间绽放流动的魅力，让动态的画面出奇不遇的空灵，给时代发展留下难忘的精彩瞬间，给灿烂的中华文明留下厚重的影像财富。