中国画色彩的理念与美学意境

□杨佳欣 湖北大学

就我国当前中国画的发展情况分析，我国中国画在发展的过程中存一定的问题，尤其是对中国画色彩理念和美学意境方面。由于中国画在色彩发展方面有着一定的地位和特色，并取得了相应的成就，以此更需要在长期实践中来形成自身特色的艺术美学。因此，本文对中国画色彩的理念与美学意境的研究有着一定的实际意义。

一、中国画色彩的理念

（一）随类赋彩

中国画中的“随类赋彩”拥有两个不同层次的内涵，一方面是人们在进行作品赋彩的过程中需要将客观存在的现实看作为中国画的赋彩根据，同时还要按照不同对象的种类进行赋彩。但是，对于“随类赋彩”来说，“类”是属于较为抽象的事物，故而其并不是某一事物的代表，更不是指在某一个特定的环境中的事物。“类”指的是一些相似或者相同的不同对象。例如，通常情况下，人们会将不同类别的红色的花都列入红花中，而后再按照物象种类进行赋彩工作。另一方面，“随类赋彩”有着十分强烈的主观性，不同画家通过主观意识赋予不同作品相应的色彩。在整个赋彩过程中，画家并没有依照物象本来自然色进行，很大程度上是由画家的主观思想所决定的。

（二）墨分五色

“墨分五色”中的“五色”就是指墨色形成过程中的一种变化，墨色的变化分为焦、浓、重、淡、清五种。对于我国画家来说，运用“墨分五色”进行中国画的绘制，是中国画的基本特征，同时更是绘画者在进行绘画过程中必须要掌握的技能。但是，在绘制中国画的过程中，绘画者不仅要将墨作为一种颜色使用，而且要根据墨色的不同颜色变化的实际情况，同时相应地结合画笔中的墨水量，从而使墨可以在画纸上展现出干、湿、浅、深等不同的变化，中国画传统的色彩观不仅包含了“墨分五色”这一内容，同时也包含了“墨分六色”的概念。

二、中国画色彩美学意境

对于我国绘画的发展史来说，最先看到的就是新时期时代的陶纹，而后就是西汉时期的马文堆自有的色彩，而这也是中国画的雏形，接着就是中国画的敦煌艺术，我国敦煌艺术中的中国画色彩意境至今都令人叹为观止。中国画中将墨与色进行完美的融合，进而最大限度地将色彩的张力表现出来，并运用墨彩和墨色绘制出图案，不但对我国的绘画色彩有着一定的影响，甚至对世界上的绘画色彩都有着极大的意义，当下已成为世界发展时尚用之不竭的艺术财富。我国传统的中国画被称之为丹青，并且由于丹青的色彩是绘画的主体，故而传统的中国画在我国美学上有着卓越的成就，在一定程度上代表着中华文化的精髓。

另外，色彩是绘画中最为活跃的语言，色彩能充分发挥出绘画的情感。因此，在绘画中色彩不但被看作对形象艺术的表达，更看作是色相、明度和纯度的变化形式。尤其在对比中能形成不同的心理效应，被不同的视觉主体关注，进而变成艺术魅力。与此同时，东方文化中的含蓄特征将绘画作品的内涵深深地隐藏在黑白两色之间，进而充分地展现出了太极的两个境界-黑与白。但是，在西方文化中，人们似乎对张扬的色彩表达形式更加偏爱，故而西方色彩的流入给中国色彩空间的营造带来了更全新的理念，更是给中国画带来了一个新的表现空间。

中国画的色彩应用并不是通过模仿的方式来实现自身的美学意境的，而是通过人对“意”精神的概括，引发对万物世界的体验。“随类赋彩”的具体表现应是宏观观察，舍弃色象的表象，体会感悟与色象的本质，从而观物随类，因类赋彩，这样才是一个由“意”到“象”，由“类”之象到“心”之象的绘画色彩生成的过程。所以，中国画的“五色”并不是指五种颜色或是五种象征符号，而是无限色彩的载体，进而使观画者能够与画面、形色之间保持一种灵活的、自由的体悟关系。望此次研究能被当代学者所关注，并且在此基础上进行创新应用，为我国中国画的研究献出绵薄之力。