时尚主题展演空间设计中的“剧场性”探讨

□贺 诚 湖北美术学院

□卢奕洁 湖北幼儿师范高等专科学校

一、时尚与主题展演

顾名思义，时尚就是时代的风尚，是时代文化与观念的风向标。某种程度上来说，时代的变化反映在人们的穿着打扮上，因此，时尚设计也是服装与造型设计的代名词。人们对美的追求是时尚艺术的追求。近年来，时尚艺术的展演秀越来越多，也越来精彩。那展演是什么？展，为展示，就有秀的意思，英文Show。演为演出、表演之意，英文profomance。两者具有多重意义，如展示、展出、表演秀等。因此，时尚秀主要以展示服装及造型设计为主，是以时尚与流行文化的传播为核心。传统的时装秀就是T型台的代名词，走秀也被称为走台，在台面上以动态流水线的形式展示当季的流行趋势，也可以说是物化流行的一种手法，商家也借此将全新的信息不断强化传递给消费者。

但在传统时装秀中，展示内容主要是作品的呈现，但人们还是希望看到不一样的舞台，或者说看到与时装作品、思想理念更吻合的设计。由此出现了两个变化与进步。一是从单一的T台向空间设计转变。整体的空间设计是当今时尚秀场的重要表现，尤其是重要的展演，都是从空间设计出来，如T台与观众席、秀场空间性处理等。二是主题性的表现。时装秀多数以展示作品及物品为主，单一的模特呈现显得乏力，主题性的表现是十分必要的，主题性的展演是通过作品向观众传达设计师的思想理念，使展演活动更清晰与深刻。从环保主题到复古文化、从街头艺术到流行文化等。这两方面的进步一个是在三维空间上的扩大，一个是内容上的提炼与规整，都是遵循了提升视觉感官的设计模式，据此设计出的整体范畴，不仅是在感官上的印象加固，还可以营造现场氛围，带领观者进入故事性的展示中，全身心地体验设计内容。

空间和内容的升华使设计目标不再单一停留在实物的展示上，而是进入戏剧、情感的状态，空间是舞台，模特是表演者，顾客是观众，而商品融入整体，成为舞台的一部分，将顾客从原本乏味的采购心理中拉出，商品的功利性就此弱化，与其说购买了一件衣服，不如说让观众额外观看了一场时尚主题的戏剧电影[1]。也正因如此，随着观众对这类展示模式的需求越来越多，展演空间的设计也就越来越主题化，空间上的主题性使设计更多元与丰富，如装置艺术的置放、戏剧艺术的介入、体验性表演的参与等，使秀场升华为总体艺术方法的范畴。

二、展演空间的戏剧性介入

如上所述，时尚展演的主题设计越来越空间整体化，多种艺术形式的参与与融合，其中戏剧性的介入是具有重要意义与价值的。戏剧是综合艺术，从文本到表演、从音乐到舞台、从演员到观众，都是构成戏剧艺术必不可少的因素。那何为戏剧性展演空间呢？这是指展演活动及空间设计中具有戏剧的因素和表现，这样使整场秀更具魅力与效果。同时时尚秀与戏剧有某种天然联系，如关于主题、关于“演员”、关于空间、关于灯光等，戏剧性的介入给秀场带来新的活力与亮点。

既然如此，那么戏剧性又是如何介入展演空间的呢？首先是思想与观念的传达。一场秀的重点是通过作品的展示，传达一个思想与观念，尤其是大型的时尚秀和展演活动。而戏剧的意义就在于通过作品传达思想，使人受到启发，如2018年迪奥（Christian Dior）的时装秀是以剪裁拼贴的方式来设计服装，因此迪奥在时装秀场上设计出一个跑道空间——覆盖3000多张海报拼贴图案。这场时装秀的设计概念是从1968年左岸学生抗议活动中萌发而来，这场抗议活动在当时引发强烈的呼应，不仅如此，关于这次活动中女性反抗者所穿着的解放服装也一并影响到世界各地。因此在迪奥的展览布景中，也能看到各种杂志封面、抗议海报及行动号召口号等拼贴图案充斥在墙面上，鲜明炽烈的对比仿佛呼之欲出，这也正是作品想要表达的部分。这种设计高明之处就是在自我内容展示的基础上，筛选出风格元素类似的，且将能够引起更深层次思考的事件融入其中，自然就会将原本无意义的商品提高至“有意义”的事件产物。其次是故事的叙述。戏剧是叙事性的，通过叙述故事情节，演员演绎人世间的悲欢离合、爱恨情仇以及人生的感悟。尽管时尚时装都为商业性品牌，但秀的展演也越来越关注终极关怀的主题与故事，借时装作品的展示，演绎出更具戏剧性的故事与氛围，从而打动观众，达到传播品牌的目的。最后是氛围的营造。戏剧艺术是综合艺术，舞台上的表现是各类艺术手段共同呈现的结果。故事是核心、演员是主角、空间是载体、灯光是氛围，只有整体的协调与表现，才能决定一场演出的成功与否。一场时尚展演同样需要如此，才能成为精彩、打动观众的演出。

由此可见，时尚主题展演空间更应有戏剧性的介入与参与，使展演活动生动、富有主题性、故事性，从而如戏剧演出艺术一样打动人。

三、什么是剧场性

“剧场”一词的英文为Theatre,该词的词根“Thea”意为看、观看。由此“剧场”可以理解为让人进入“观看”的场所。剧场性概念来源于戏剧，早期的剧场性起源于古希腊戏剧诗，到19世纪初，德国理论家奥威·史雷格尔将剧场性作为一个概念带入戏剧研究中去，20世纪50年代，法国电影美学家安·巴赞把剧场视为一种观演的“场”，日本戏剧学家河竹登志夫将“场”与“能量”的概念引入“剧场性”中。

所谓剧场性，是指剧作家预设的戏剧对受众所拥有的现实审美裹挟力和剧场审美感知度的规定性，是一种支配受众的艺术强度，是建立在剧作家所赋予的戏剧对受众的磁力作用和交流特征的前提下，是以人物为核心，以欲望、动作与冲突为基础，以场面性、舞台性和表演性为外在形态，融情境、题材、故事、思想、人物形象、艺术技巧、舞台画面及声音效果为一体，与文学性相辅相成的主观性合成场力。

剧场性具有时间与空间的交融，舞台与观众共同形成的“场域”。把参观者带入故事的情境中去，并与其中的情节和情绪一起变化，达到更深层次的共鸣与体验。以秀场中的佼佼者香奈儿（chanel）为例，在香奈儿往年时装秀设计中，每季的布景蔚为壮观，如巨大的经典夹克、旋转楼梯、折纸花园，甚至是整个地球模型，香奈儿将生活的方方面面——尤其是一些很难想象的细节放大，如实还原到场景中，放在观众的眼前。从视觉上来说，从身边提取潜在的元素进行设计，是很讨巧又能引起共鸣的手法，这可以将观者瞬间代入，不需要耗费更多的精力去理解，在这方面的设计运用中，香奈儿算得上炉火纯青。

四、剧场性的展演空间设计

在快餐式消费文化的背景下，很多行为模式需要转型来适应当今节奏，随着越来越多的风格迥异、形式多变的设计出现，大众群体对视觉上的要求已经不满足于过去的平铺直叙，如最基本的视觉要素——造型设计就在不断更新换代，为了给观者更多冲击效果，想象力的迸发在形态的设计中发展得淋漓尽致。同理，展演空间设计中的剧场化也就十分重要了。那么在剧场性的展演空间设计有哪些设计思路呢？笔者认为有如下几点。

（一）情景的构架

情景在剧场性展演空间设计中如同建筑的钢架，是最根本的基础铺垫。正如谭霈生先生在《论戏剧性》中谈到情景的重要性：“戏剧情境是促使人物产生特有动作的客观条件，是戏剧冲突爆发和发展的契机，是戏剧情节的基础。”[2]戏剧在设计之初，首先会构思一个故事纲要，将题材、环境、人物等结构零件组织好，再进行下一步，因此主题、环境、造型等都是剧场性展演空间设计中所需要构架的情景要点，这些要素在整体框架下运作，相辅相成，一如五官在感知上的协作能力，互相配合、共同塑造全方位、多层次的造型信息表达。

（二）个性的强调

不同于戏剧的是，剧场性展演空间设计需要更为鲜明的个性旗帜。在戏剧中，多种人物的塑造会根据故事的完整和推进而徐徐图之，但在展演空间里，由于时间和环境的不同，人物——也就是秀场造型的设计需要做相应的转变，不能一味“温和”地过场，个性的突出是时尚主题展示中的大亮点，设计过程中应当有意识地强调人物造型的独特性，让作品更有象征性，这样才能让观众在短时间内了解设计者想要表达的意义。

（三）主题的升华

展演空间设计应当在功能的基础上将主题升华，“剧场化”的意义就在于以更为直接的动态形式，向观众传达设计的内涵。在传统展演空间设计中，一个主题的形成往往是形式的归类，如普通的运动型、复古型、商务型等，但这都是外在的类别，而设计者理念的外化才能带动观众的情绪，才能够让观众更加“入戏”。正如一部优秀的戏剧所具有的感染力，是能够催化人的精神力量，展演空间设计的主题所包含的信息可以传达这种精神力量，也可以引起更深共鸣的社会思考。

结 语

在多元文化的背景下，越来越多的戏剧性要素被应用到设计中，无论是空间的多维化，还是视觉的丰富化，强烈突出的设计通常能感受到更多的“无形力量”，这样也就能吸引更多的观众。更不用说在时尚主题范畴内，富有创意的设计显得尤为重要，“剧场性”的加入使展演可以给予观众身临其境的效果，而剧场的感染力也使整体感受更为真实。