于文江：艺术需要不断探索新样式

中国著名人物画家，1963年生于山东烟台。现任中国国家画院国画院副院长，宁夏画院名誉院长，国家一级美术师，院艺委会委员，文化部优秀专家，文化部现代工笔画院副院长，中国水墨画院副院长，北京师范大学启功书院中国画研究院副院长，中央文史研究馆书画院研究员，中国艺术研究院中国画院研究员，中国美协会员，中国画学会理事，澳门科技大学人文艺术学院博士生导师，法国鲁拉德骑士团成员，于文江工作室导师。

主要出版画册有《当代中国画家大系——于文江》《国家国家重大历史题材美术工程于文江作品——血痛 · 抗日战争中受难的中国女性》《当代画史（第三辑）人物卷 · 于文江》《于文江艺术馆精品集》《第22回全日中國国际美术大展——于文江先生作品》等作品集。其作品多次参加国内重大展览并获奖，在法国、德国、意大利、比利时、俄罗斯、乌克兰、美国、墨西哥、日本、泰国及香港、澳门、台湾等国家和地区展出。

Q=《旅游世界》杂志 A=于文江

Q：欣赏您的作品时，总能让内心变得平静，请问您是如何形成这种笔墨风格的？

A：我内心是很平静的一个人。一路走来，从《旧梦》系列到《聊斋》系列、《马克思》主题创作、《大凉山》系列，包括后来的《西藏》系列。尤其是其中的《聆听风吟》和《午后斜阳》，画面基调已经非常宁静。但是也有一些作品，比如《马克思》主题创作、《抗战受难女性》重大历史题材创作，这些题材却很难变得平静。

读书提高自身的修养，读画提高自身的眼界，绘画抒写自身的情怀。其实在我内心世界，我的作品里追求的意境或者思境，都在表达内心深处的一种感受。这个不是刻意形成的，而是由心而发的。当下社会浮躁的环境下，要保持一种寻常、中正、平和的心境，对于中国画家来说何其重要，又何其不易。所以，必须营造起纯净淡远的氛围，保持理想中的一方净土。

Q：您的作品多为女性题材，在您看来，女性有何象征意义？相较于其他题材，创作展现女性风格的绘画作品有哪些挑战？

A：女性是一个伟大的题材。不管是年轻的还是苍老的都是美的，这归功于人的本性。但正是这样一种美好的形象，对画家来说却是一种挑战。每件事情都有所谓的“走钢丝”，难的是怎样把握分寸。比方说，画花鸟的人，大家都觉得牡丹好看，雍容华贵，但是真正把牡丹画出品格、味道和境界就很难。这就如同女性题材，如何把她们画出味道和深度是值得思考的问题。你稍微画不好就会媚了、俗了、艳了。在这一问题上我很警惕。要超越世人的偏见，要充分刻画，从外在形象到精神气质，体会是微妙之异。

纵观历史，女性题材是历代画家都追求的永恒题材。中国传统画里对女性题材的表现有很多，大部分是仕女画。大多数人一提到女性，就会想到柔弱的美，实际我认为这是一种大美。比如去西藏、苗寨、内蒙、大凉山所见的劳动妇女是一种健康的美。不同地域的风土人情、服装、流露出来的气质都不尽相同。无论是何民族，何等人生阅历，他们在我的作品里，都有一种高洁的气质、纯朴的衣容、伤感的情绪，所以我们画家的任务就是怎么从平凡的生活中发现美的概念。

2004年前后，我开始更加关注现代人的生活状态和生命方式。传统工笔画中严谨的作画过程，在我的意识中被更加随意和自由的追求所取代，我试图超越这样的过程和体验，在图像中追求更加唯美诗性的语言，在技法形式上突破以往严谨的线条表现方式。在《旧梦系列》之后，我所塑造的女性形象开始转变，先后创作了《大凉山》系列、《草原》系列、《藏区》系列等作品，在追求绘画的形式语言的同时强化绘画本体的纯粹性。就像我耗时3年心血为中国重大历史题材工程创作的巨幅国画《血痛——抗日战争中受难的中国女性》（2009年），受到业内专家高度好评，恰是这种绘画形式的最典型的代表作。

Q：正如您所讲，每个地域的人物有不同的特征，那么丝绸之路专题的创作对中外人物或景物在创作方式上有何不同？

A：对我来说更大的难度是绘画语言。用中国画的语言去表达不同地域的风格，是需要不断拓展的。所谓古人留下的笔墨文化传统，我肯定要继承，但作为当代画家，要想表现当下，就需要推陈出新了。比如《马克思》主题创作，最重要的就是特里尔城，即地标性建筑。它其实是个古罗马时期建的大黑门，都是用石头盖的，所以用中国传统山水画的小笔墨、小情绪无法表现。传统中国画都是平面的，而这个我就用了透视关系，完全是大开大合。

Q：您的作品将中国传统工笔画与写意画相融合，您是如何想到将这两个部分结合起来的？为此，创作的道路上进行了哪些尝试与探索？

A：在我近些年的创作中，始终在思考人物画的新的表现形式，既不同于古人，也不同于他人，形成自身的语言体系，丰富中国人物画的表现语言，把工笔画中的精微和写意画中的意性相融合。艺术创作说到底还是生活赋予我们精神世界的情感表达，只是表达的语言方式各不相同，艺术语言是画家诠释自己思想的重要手段，它来自画家的生活经验和创作经验，画家一生都在思考画什么和怎么画的问题，艺术确实不是技巧，但是要通过被称为技巧的东西表达，我一直努力把水墨精神注入工笔画创作，把传统的写意画材料注入更多的内涵，使之发挥之极致，拓展其语言的丰富性和表现性，使心灵的感悟更好地被诠释出来。使传统工笔画这一古老的艺术表现形式，不仅要大方，而且要大气，更味厚，更力厚，浑然有势。

从今天的作品来反观自己的思考，的确是在不断的发展和再认识中渐渐走向成熟的。我接受了严谨的学院教育，在大学阶段打下扎实的造型基础。1984年，我的毕业创作《小伙伴》入选全国第六届美展，我要求自己在画面中不仅仅是简单的描写现象，而是通过笔触透过现象刻画形象的更多样的意义。“八五”美术思潮前后，高等院校对于新思想新观念地反映是十分敏感的，探索性的画展随处可见，冷静地分析这些艺术现象，我认识到艺术的创新不能脱离中国传统的审美精神和文化观念，艺术家也无法脱离当代生活去思考艺术创作。在大学毕业刚刚走向专业创作的那段日子里，从研究中国传统经典到关注西方艺术流變，绘画语言的国际性问题逐渐形成我思考的新问题。我曾经用大量的时间，按照中国绘画发展史的脉络，对绘画技法和表现语言的历史演变进行细致的研究，同时对吴昌硕的花鸟画，任伯年的写意人物画以及石涛、石溪的山水画进行了系统临摹。逐渐加深对中国绘画写意性的认识，写意是中国绘画的精神内涵，工笔绘画同样具有丰富的写意性。

其实有很多人问我写实与写意应偏向于哪边，我不主张把这两者分的太清。这是后人去评说的事，我当下只是在探索一种样式，想着如何在传统中添加一些东西。人这一辈子，哪怕做一点点贡献呢，所以这是一个画家应该想到的东西。一幅好的作品不同的观众看会有不同的感情，不要过分具象。不是非要强加给每个人我想表达的东西，而应该是不同的文化审美去自己感受。

我一直认为传统不是固定的，而是动态的。也可能今天我的创新，在明天也变成传统，因此这是一个不断推陈出新的过程。

Q：在您看来，您对美术作品中的“美”是如何理解的？“美”包含哪些方面？

A：艺术是审美的，不具审美价值就不能算是艺术，审美是多样的，多层次，多角度，但是审美活动中精神的审美、思想的审美、人性的审美是第一位的，它作用于人的心灵。

但是，现代人喜欢大谈“形而上”的道和艺，因为是精神范畴的，显得很高尚和神秘，却羞于谈“形而下”的技或术。其实笔墨的表达能力，包括从具体的人物神韵造型、笔墨结构，对画家是很重要的。艺和术、道和技是密不可分、相互依存的。这就需要有感而发，从内而外，认真体悟，努力实践。一幅作品的感人与否，取决于画家对意境内涵的营造和表达。画家的意念、情感、学养、境界乃至技法表现却是通过其特有的笔墨形式语言来实现的。画家对绘画的理解是一种修养，是艺。掌握一定的技能技巧是手段，是术。只有把修养和手段结合起来才能算是一个真正的艺术家。历代大家皆如此。

从事中国画创作实践的人都有体会。谈论笔墨容易，学习和掌握用笔用墨却很难，使笔墨成为自己的表现语言则更难，人物画兼顾严谨的造型与生动的笔墨，难上加难。

我们都习惯于“耳听为虚，眼见为实”的真理，其实眼睛所看到的是非常有限的。我们看到的只是一些线索。比如我们本看不到风，看到的是摇曳的树枝、旗帜，扬起的沙尘，这些都是风的线索。我们本来看不到人心的善恶，但可以通过人的外在的行为作出判断。艺术也是如此。美是从具体的语言形式线索中捕捉的。